Parentes bem-intencionados gostam de me perguntar nas férias: “Agora que você saiu da faculdade, quando vai fazer outro show?” Eu me tornei muito bom em sorrir e vomitar palavras com respostas alegres e indiferentes como: “Ainda não tenho certeza” ou “Só estou vendo onde isso vai dar”, apesar do fato de que eu realmente pensei muito sobre isso . Às vezes me pergunto o que aconteceria se eu fosse honesto ao responder à temida pergunta; se, em vez disso, eu dissesse: “Na verdade, da última vez que pensei em fazer um teste, tive um ataque de pânico”, enquanto meu pai cortava o peru na cozinha. Ou se eu brincasse: “Chorei no banheiro da última vez que meus amigos tentaram me fazer cantar no karaokê”, enquanto provava brie assado na mesa de aperitivos. Quem sabe, talvez este ano eu apenas me levante após a oração e anuncie: “Estou com medo de me apresentar agora e não acho que estou errado!”
Minha experiência no teatro da faculdade foi o que eu esperava até o primeiro semestre do meu segundo ano, quando aulas, projetos dirigidos por alunos, ensaios, aulas de voz, audições, horas obrigatórias de produção e o trabalho que eu trabalhava nos fins de semana começaram a se acumular. para mim. Senti o ambiente mudar de amigável para uma corrente incômoda de competitividade constante. Parecia que a comparação nervosa de talento estava se tornando cada vez mais comum entre os alunos, inclusive eu. O programa do qual fiz parte implementou uma série de júris de final de semestre incrivelmente intensos. Os alunos que não passaram nesses júris não foram autorizados a continuar em faixas focadas no desempenho. À medida que o tamanho da minha turma diminuía lentamente a cada semestre, eu sentia o peso de tudo. Comecei a sentir uma ansiedade persistente e extrema que começou a acompanhar todas as minhas apresentações em sala de aula.
Canalizei toda a minha energia nervosa para o meu trabalho da pior maneira possível. Passei a noite inteira praticando compulsivamente, não por paixão genuína, mas por medo. Qualquer tempo que eu não estava focado em pensar na escola parecia um tempo perdido. Senti pressão para ser perfeito porque pensei que era a única maneira de ficar um passo à frente do julgamento potencial que tanto temia.
Apliquei essa mesma lógica falha à minha aparência. Nesse ponto, os comentários sobre corpos pareciam flutuar com mais frequência, e eu tinha medo de que um dia eles fossem dirigidos especificamente a mim. Comecei a me sentir incrivelmente constrangida com as formas nada lisonjeiras que meu corpo fazia enquanto me contorcia na frente dos espelhos do estúdio de dança por horas todos os dias. Escolhi partes do meu corpo que considerava potencialmente problemáticas para os outros e me concentrei em reduzi-las. Acabei caindo em uma ladeira escorregadia em um distúrbio alimentar completo.
Essa pressão culminou em uma aula de voz em que parei e comecei a chorar apenas alguns compassos da minha música. Cada nota que eu cantava soava dolorosamente errada para mim, mesmo sendo uma música que eu conhecia bem e vinha estudando há anos. Eu fiquei lá e chorei pelo resto da aula, incapaz de fazer uma única nota sair da minha boca.
Senti que estava claro neste ponto que eu estava lutando, mas descobri que tinha dificuldade em encontrar apoio. Isso definitivamente não foi por falta de tentativa. Na época, havia muito pouca disponibilidade para consultas de terapia no posto de saúde. Passei semanas tentando marcar consultas com inúmeros terapeutas fora da escola, mas no final das contas descobri que era quase impossível reservar um horário semanal para ir devido às demandas de minha agenda lotada. Eu me encontrei em uma posição em que decidi que teria que escolher entre seguir o programa e minha saúde mental. Com o coração pesado, priorizei minha saúde mental e mudei para uma ênfase não relacionada ao desempenho. Depois, caí em profunda depressão. Meus sentimentos de fracasso percebido lançam uma sombra enorme sobre o que já foi minha maior paixão e, para ser honesto, ainda me sinto assim até hoje.
Em vez de simular as dificuldades da indústria e observar como os alunos afundam ou nadam, não seria mais eficaz passar esses anos ensinando maneiras inclusivas, saudáveis e atualizadas de flutuar?
Achei isso extremamente difícil de discutir com os outros. Senti que o problema era apenas eu e que simplesmente não era talentoso ou forte o suficiente para aprender a fazer o que amava. Eu acreditava fortemente que essas deficiências específicas só seriam confirmadas e destacadas se eu trouxesse o assunto à tona. Parei de me apresentar porque pensei que era o que pessoas como eu deveriam fazer. Eu não sabia que simplesmente querer fazer teatro deveria ser motivo suficiente para persegui-lo. Estou feliz por saber disso agora, mas teria sido útil saber naquela época. Em vez disso, acho que há várias mudanças há muito esperadas que os educadores de teatro devem considerar.
Em primeiro lugar, gostaria que os programas levassem a saúde mental de seus alunos mais a sério. Serviços como aconselhamento devem ser acessíveis no campus e ativamente incentivados pelo corpo docente. Eu gostaria de ver os professores assumirem uma postura mais ativa ao falar sobre saúde mental para seus alunos diretamente na sala de aula. Existem muitas lutas de saúde mental que acompanham essa profissão que começam como hábitos, como ciúme, autocomparação, perfeccionismo e muito mais. Acredito que uma educação teatral completa deve envolver o reconhecimento de como essas lutas são comuns dentro do teatro, bem como pensar em maneiras de gerenciá-las. Assim, quando eles surgirem, os alunos estarão preparados para reconhecer esses hábitos tóxicos pelo que são e saber como se ajudar antes que as coisas piorem. Essas práticas devem começar bem no início do processo e permanecer consistentes durante todo o processo.
Também gostaria que os programas de teatro abordassem a crítica de forma mais individualizada. Alguns alunos podem gostar de críticas duras, mas podem prejudicar o crescimento de outros alunos. Uma prática da qual ouvi falar envolvia um professor fazendo com que seus alunos preenchessem uma pesquisa no primeiro dia de aula sobre como eles preferem receber críticas pessoalmente. Acho que usar um método como esse pode ser muito eficaz para garantir que a crítica permaneça construtiva e que os limites individuais do aluno sejam respeitados.
A próxima mudança que eu gostaria de ver é em direção a uma imagem corporal mais saudável. Dietas, hábitos alimentares e perda de peso nunca devem fazer parte da educação teatral. Se os programas estiverem realmente comprometidos com o bem-estar de seus alunos, eles devem direcionar essas lições para como ser gentil com o próprio corpo. Por exemplo, participei de uma aula de dança maravilhosa, onde um dia por semana era dedicado a práticas de recuperação, como rolamento de espuma e alongamento. Se for para falar sobre comida de qualquer maneira, formato ou forma, ela deve ser focada apenas em maneiras gerais de nutrir e abastecer o corpo e não no conteúdo calórico. A alimentação deve ser incentivada e os intervalos dados entre as aulas e outras atividades devem ser longos o suficiente para que os alunos se abasteçam adequadamente.
Um pouco adjacente a isso, eu também gostaria de ver os programas se afastarem do ensino e da prática de typecasting. Muitos typecasting estão enraizados em estereótipos gordofóbicos, racistas, sexistas, capacitistas e homofóbicos. Os alunos devem ser encorajados a escolher o material com base em suas habilidades e no que ressoa com eles pessoalmente, não com base em sua aparência. Os shows principais no campus também devem ser lançados de acordo com essa filosofia. No entanto, é importante observar que existem algumas instâncias em que o typecasting ainda é relevante. Por exemplo, uma atriz branca e magra não deveria ser escalada como Effie em meninas dos sonhos, já que a história é especificamente sobre uma mulher negra de tamanho grande. É importante reconhecer essas instâncias e escalar de acordo quando elas ocorrem, para não excluir ainda mais os grupos historicamente sub-representados no teatro. Acho que seria ótimo para os educadores iniciar uma discussão aberta com os alunos sobre onde está a linha entre a auto-expressão aberta e o aproveitamento de oportunidades nas comunidades marginalizadas.
Por fim, gostaria de ver os programas organizados de forma a considerar mais a desigualdade financeira entre os alunos. Alunos promissores de todas as origens merecem estudar artes – não apenas aqueles que vêm de uma família rica. Uma maneira enorme de os programas ajudarem (e ajudam) nisso é oferecendo bolsas de estudo. Outra coisa que pode ser útil é ter cargos pagos para os alunos no campus, como trabalhar na bilheteria ou recepcionista. As aulas e outras atividades devem ser programadas de forma a permitir que os alunos trabalhem enquanto estão na escola. Ter oficinas sobre alfabetização financeira seria um divisor de águas, dando aos alunos instruções para prepará-los adequadamente para navegar na experiência cara de se sustentarem como artistas. Os alunos poderiam receber conselhos sobre empregos diurnos compatíveis e adjacentes à carreira, e os professores poderiam discutir sindicatos com eles, bem como outras estratégias importantes que protegem os artistas e permitem que sejam compensados adequadamente por seu tempo.