Uma das razões pelas quais esses dois trabalhos caíram tão bem com os alunos foi que a estranheza era a linha de base, o terreno em que as tramas se baseiam, mas não a única trama. A homossexualidade é a chave para ambas as narrativas, mas os dilemas são sobre relacionamento e personalidade. Como muitas das primeiras leituras, Bluefish Cove envolve perda; mas essa perda não está relacionada a ser lésbica, e o final é esperançoso e caloroso. Ilha do Fogo não contém nenhum trauma real e qualquer rejeição é baseada em classe, não em orientação.
Ambos contêm tanta alegria estranha quanto dor estranha. E, como diz um de meus alunos, “a alegria queer é o empoderamento queer”. A arte com espaço para toda a nossa vida pode ser incrivelmente nutritiva.
A totalidade pode vir de ter pessoas queer tocando todos os aspectos da vida de uma produção. Muitas vezes, se só o escritor é LGBTQ, você pode dizer; as peças queer mais completas e ricas que já vi tiveram mais mãos queer no convés, incluindo dramaturgos, designers, diretores ou produtores queer. Quando mais membros da comunidade estão na sala onde isso acontece, o rendimento provavelmente será mais verdadeiro.
Além dessas representações da plenitude da vida para personagens queer no palco, precisamos ver uma gama muito mais ampla de personagens, ponto final. Muitos na comunidade queer reforçam o binário de gênero tão fortemente quanto seus pares no mundo hétero, e isso é evidente no que o teatro é produzido. Sim, foi sísmico quando os palcos começaram a retratar histórias de gays e depois de lésbicas, mas seu jovem de dezoito anos agora sabe quantas outras identidades preenchem o arco-íris. Eles querem ver personagens trans, não-binários e outros não conformes de gênero no palco. Eles querem ver personagens bissexuais e pansexuais, personagens que transcendem inteiramente o modelo aloromântico e aqueles cujas práticas românticas e sexuais podem não se alinhar a nenhuma identidade única.
E eles não querem que esses personagens sejam todos brancos. Se você definir uma peça queer como aquela de um autor assumido com personagens LGBTQ significativos, talvez as três peças queer mais impactantes dos últimos trinta anos sejam as de Tony Kushner. Anjos na AméricaMatthew Lopez A herançae de Paula Vogel Indecente; todos são acréscimos sérios ao cânone teatral e, em um nível pessoal, me comoveram profundamente. Mesmo assim, não há como escapar do fato de que, entre suas dezenas de papéis, eles oferecem um único papel explicitamente para um ator não branco. (E podemos conversar dia todo sobre como Belize funciona.)
Quando mais membros da comunidade estão na sala onde isso acontece, o rendimento provavelmente será mais verdadeiro.
Ampliar o conteúdo e apresentar uma gama mais ampla de personagens não são as únicas maneiras de expandir nossa visão. Um assunto de debate em minha aula tem sido o que realmente torna a arte queer. Uma definição geral de queer seria aquilo que subverte, está posicionado fora ou age em oposição à estrutura dominante. Acho que isso deveria se aplicar a outros modos de expressão – especialmente estrutura e voz – também.
Peças que contam como estranhas a esse respeito ainda não estão dominando a paisagem. Os teatros (especialmente os teatros regionais) aparentemente preferem uma peça linear escrita para uma unidade definida e apresentando de duas a seis pessoas que revelam segredos (muitas vezes ficando na sala por muito mais tempo do que na vida real). Em termos tonais, essas peças tendem a atender às expectativas padrão de drama e comédia, com amplo espaço para comédia dramática que termina em riso/choro. Esse tipo de trabalho pode ser mais confortável para o público, porque eles vão aos cinemas sabendo o que esperar, e os produtores são rápidos em dizer que o conforto vende. Mas há uma necessidade – e uma fome – de mais peças que adotem abordagens arriscadas e inventivas para estrutura e tom.
O dramaturgo Jonathan Alexandratos, em seu teatro americano O ensaio “What is a Non-Binary Play” respondeu à pergunta do título, em parte, identificando “oscilações no tom e no tempo”. Seu ensaio identifica a maneira como as peças de artistas enby (e trans) muitas vezes rejeitam a consistência tonal em favor da teatralidade, produzindo uma mistura consciente de épocas, emoções e imagens.
Ao longo dos anos, em ambos os lados do processo de submissão (tanto como dramaturgo quanto como juiz), tenho visto com que frequência essas peças encontram resistência de gerentes ou produtores literários que desejam que elas se ajustem mais perfeitamente ao gênero. Nem sei dizer quantas vezes ouvi a equipe artística perguntar: “Isso deveria ser uma comédia ou um drama?” O que é isso senão mais um binário limitante?
Escritores que fazem um trabalho verdadeiramente queer devem poder reivindicar tanto espaço quanto aqueles que escrevem o tipo de trabalho que há muito é considerado mais receptivo aos produtores.
É verdade que sempre houve peças queer nesse aspecto, mas elas normalmente não tiveram o mesmo acesso ao público que as obras mais tradicionais (e vice-versa). Para cada produção do filme desafiador de gênero de Robert O’Hara Doce de espóliohouve literalmente mais dezenas de Uma casa de bonecas Pt. 2. Esse desequilíbrio lembra a afirmação de Alexandros de que as jogadas não binárias revelam como “o espaço existe para ser reivindicado por aqueles que não têm nada, em vez de ser atribuído por ou para aqueles que têm muito”. Escritores que fazem um trabalho verdadeiramente queer devem poder reivindicar tanto espaço quanto aqueles que escrevem o tipo de trabalho que há muito é considerado mais receptivo aos produtores.
O modelo de escassez, que é a crença de que só há palco suficiente para o trabalho mais seguro e comercial, muitas vezes deixa os teatros e o público famintos. Ele abre espaço para alguns tipos de trabalhos estranhos – as peças mais bem-comportadas, se preferir – sem mover muito o dial. Digo isso como um dramaturgo que experimentou os dois lados dessa equação. Minhas peças mais fáceis de classificar receberam várias produções, e minhas coisas mais estranhas geralmente ficam confinadas ao circuito de leitura.
Muitos dos artistas que fazem teatro verdadeiramente queer hoje estão conquistando seu próprio espaço, autoproduzindo ou se unindo para elevar o trabalho uns dos outros. Quando o dramaturgo M Sloth Levine produz trabalhos, eles colaboram com outros artistas queer dentro e fora do palco, questionando todo o processo e produção – algo que muitos teatros institucionais nunca pensam em fazer, mesmo quando apresentam trabalhos de escritores LGBTQ ou sobre a vida LGBTQ. Levine é o tipo de dramaturgo cujas peças incluem descrições como esta: “Um épico terrível na tradição ridícula explorando a vergonha queer, disforia de gênero, doença mental, canibalismo, solidão, religião popular, sexo oral, a ascensão do cinema sobre o vaudeville, lobisomens , biologia, masculinidade, feminilidade, exaustão, bolo de confete, falha quiástica, alfabetização, memória e morte.” Isso pode não torná-los catnip para a Broadway, mas está abrindo caminho para um mundo em que a comida da Broadway importa menos e a arte queer importa mais.
Se eu pudesse acenar com uma varinha mágica (naturalmente, seria uma varinha torta), o teatro queer se tornaria tão profundamente enraizado na programação teatral que todo o público esperaria por isso – não, amaria tanto que o exigiria. Sonho com um futuro em que cada temporada de teatro seja queer, apresentando uma variedade de personagens redondos, abrangendo o amplo espectro de orientações e identidades de gênero, suas histórias contadas de modos livres de expectativas passadas de gênero, tom e estrutura.
Por enquanto, um novo trabalho que se encaixa nessa mesma descrição está sendo escrito por uma emocionante safra de jovens artistas como Micah Rose, Azure D. Osborne-Lee, Alicia Margarita Olivo e Connor Wentworth. É hora dos produtores garantirem que os veremos.