Ainda vivemos tempos complicados e o Symphony Hall, de longe, não é um refúgio de escapismo musical. No concerto da Orquestra Sinfônica de Atlanta na quinta-feira, todos no palco que não estavam tocando um instrumento usavam uma máscara pandêmica – todas as cordas e percussão e o teclado e as harpas e até mesmo os ajudantes de palco e o maestro convidado Han-Na Chang. (Covid emboscou vários membros da ASO nos últimos dias.)
As complicações incluíram o grande trabalho da noite, o trabalho de Modest Mussorgsky Fotos em uma exposição, que exigia um asterisco e uma nota de rodapé para explicar que o compositor russo, na década de 1870, usou a grafia russa da capital da Ucrânia para a coroação da seção final, transliterada como “Os Grandes Portões de Kiev”, em vez do ucraniano “Kyiv”. Uma questão pequena, talvez, mas que novamente sacode a velha música familiar para o estado atual do mundo.
O concerto foi aberto com música de Anna Clyne, um compositor britânico de 40 e poucos anos cuja música ferozmente inventiva – um som muito autoconfiante e assertivo – está sendo tocada por toda parte. Ela tem o dom de prender sua atenção e segurá-la até o fim. Suas melhores obras – talvez a maioria de suas obras – são extraordinariamente atraentes, tanto quanto as de qualquer compositor ativo. Ela os preenche com exuberância e o tipo de emoções complexas e carregadas que permanecem com o ouvinte muito tempo depois que a música para. Como muitas orquestras, a ASO agora toca sua música com frequência, como recentemente como na última temporada.
Esta meia-noite, de 2015, mantém muitos dos traços seguros de Clyne, mas soa um pouco menos linear, mais uma coleção de imagens e texturas do que um fio desenrolar do enredo. De fato, em uma nota de programa, o compositor escreve: “Embora não pretenda retratar uma narrativa específica, minha intenção é que evoque uma jornada visual para o ouvinte”.
A peça foi inspirada em dois poemas, de Juan Ramón Jiménez e Charles Baudelaire, de uma mulher nua enlouquecida na noite, de flores exalando perfume, de uma valsa melancólica misturada com o ar da noite. Clyne é um mestre da atmosfera. Esta meia-noite abre com uma marcha intensa e carrancuda, mas justamente quando você pensa que isso pode ser um prenúncio de desgraça ou morte, ele dá um pequeno pulo e um salto em seu passo. Logo ouvimos os efeitos Doppler, como ecos atrasados e desvanecidos pela orquestra, uma sensação maravilhosa.
Em momentos de pico de intensidade, Clyne tem o flautim uivando como os ventos fortes (um recurso também usado no pico uivante da tempestade na Sinfonia “Pastoral” de Beethoven). Quando você pensa que o momento não poderia ficar mais intenso, Gina Hughes interpretou seu flautim com beleza penetrante para encerrar a cena. No final da obra, o infalível senso de profundidade emocional e resolução de Clyne nos lembrou por que ela está na linha de frente entre os compositores de hoje.
Na semana passada, a ASO tocou o grande concerto para violoncelo de Prokofiev no final de sua vida, o sinfonia concertante. Esta semana foi o Concerto para Violino nº 1 em Ré do compositor, escrito quando ele tinha 26 anos no ano sísmico de 1917 – quando a Primeira Guerra Mundial e a Revolução Russa derrubaram seu mundo.
A violinista Sayaka Shoji, nascida em Tóquio, educada na Itália e na Alemanha, ganhou vários concursos de violino e gravou álbuns do repertório principal para o selo Deutsche Grammophon. Como solista no Prokofiev, sua execução sempre foi requintada e nitidamente gravada, com um tom doce, mas nunca enjoativo.
No movimento de abertura, Prokofiev faz o solista tocar quase continuamente, primeiro em um estado de espírito sonhador e depois mais como um contador de histórias, com força e garra. Shoji podia fazer um grande som estrondoso e mostrava precisão, embora sempre a serviço da música, nunca como uma exibição atlética.
O concerto ganha vida no movimento lúdico do meio, o que um comentarista comparou a “uma fada furiosa, pequenina, mas ameaçadora”. É divertido de ouvir e foi divertido assistir Shoji navegar pelas paradas duplas diabólicas – tocando duas cordas ao mesmo tempo – que ela tornou perfeitamente lúcida, articulando cada voz. No entanto, apesar de todo o seu virtuosismo aparentemente sem esforço e foco musical, ela não parecia uma personalidade musical forte. E a parceria de três vias – solista de violino, orquestra, maestro – nunca pareceu dar certo.
O maestro convidado de quinta-feira, Han-Na Chang, apareceu pela primeira vez quando criança, um precoce violoncelista que fazia CDs com grandes maestros e se apresentava nos maiores palcos do mundo. Por volta dos 20 anos, ela voltou sua atenção para a regência, com apresentações cada vez mais proeminentes no horizonte, de Cingapura a Oslo, além de Atlanta, Detroit, Milwaukee e muito mais.
Mas durante o concerto de quinta-feira, ela regeu e talvez regeu demais a orquestra, prestando atenção a todos os pequenos detalhes, parecendo dar dicas e moldar frases para quase todos. Apesar disso, a orquestra tocou bem, mas sem muito propósito. Não parecia haver muita química no palco.
Após o intervalo, ouvimos Fotos em uma exposição (1874) na orquestração extremamente vívida (1922) de Maurice Ravel, onde o compositor francês pegou o piano original de Mussorgsky e de alguma forma decidiu qual instrumento da orquestra se adequava idealmente ao timbre e cor das notas do piano. Quer aprender a escrever para uma orquestra? Estude o brilho cosmopolita de Ravel.
Fotos vem com uma história de fundo maravilhosa: Mussorgsky visitou uma exposição de arte de seu falecido amigo Viktor Hartmann e colocou suas impressões de cada pintura em música. “The Old Castle” toca melodias trovadorescas modais para evocar um passado medieval distante. “Tuileries” mostra crianças brincando no famoso playground e jardins públicos de Paris.
A orquestração precisa de Ravel incluía instrumentos que agora estão obsoletos. Dada a sua especificidade instrumental, obviamente vale a pena voltar ao original.
E a ASO obrigou. “Bydlo” é baseado em uma aquarela de uma carroça camponesa puxada por bois com enormes rodas de madeira (bydlo significa gado em polonês). O movimento é construído em torno de um longo solo de tuba, retratando o boi em seu trabalho. Típico para uma orquestra americana, o diretor de tuba da ASO, Michael Moore, toca a tuba de contrabaixo de 16′ de tamanho jumbo, como fez na maior parte do Fotos.
Mas Ravel escreveu o solo de “Bydlo” para uma tuba francesa de 8′ C de seis válvulas, que tem um alcance de quase quatro oitavas e é incomum fora da França. Tocando o instrumento menor para um único movimento, Moore defendeu o uso dessa trompa especial, soando ao mesmo tempo mais brilhante e mais comovente na música familiar. (Moore me disse que o ASO possui o instrumento – dois deles, na verdade – e os usará em abril para o Berlioz’s sinfonia fantástica.)
Chang e o ASO encontraram muita emoção, em algumas partes, e o louco épico “Hut on Fowl’s Legs” foi adequadamente alto, emocionante e exagerado. No final, o público rugiu em aprovação.
O programa repete sábado às 20h
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Pierre Ruhe foi o diretor executivo fundador e editor do Artes ATL. É crítico e repórter cultural do Washington PostLondres Financial Times e The Atlanta Journal-Constituição, e foi diretor de planejamento artístico da Orquestra Sinfônica do Alabama. É diretor de publicações da Música Antiga América.