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Marlene Rose é pioneira no campo do vidro sandcast, uma técnica de fundição de metal rara, com milhares de anos, que foi adaptada para uso com vidro em 1985.
Uma das poucas mulheres em um campo dominado por homens, Rose passa 10 horas por dia em seu estúdio em Clearwater, Flórida, onde a temperatura geralmente excede 100 graus com 100% de umidade. Seu meio é o vidro fundido que é aquecido a 2.000 graus e despejado em moldes de areia de uso único, compostos de peridoto triturado e outras pedras semipreciosas. O trabalho é tão penoso quanto perigoso, mas as figuras luminosas que emergem desmentem o processo.
Borboletas, cavalos e máscaras africanas são temas recorrentes. Outras fontes de inspiração são tão díspares quanto as imagens de Buda e as colchas de Gee’s Bend, e ela não está acima de vasculhar pilhas de sucata em busca de objetos e metais encontrados, elementos que adicionam toques decorativos às suas esculturas. O trabalho de Rose foi exibido em galerias, museus e espaços públicos em todo o mundo, mas foi sua reprodução do sol para um programa de televisão que mudou sua vida.
Areia rosa lançou o logotipo do sol da CBS domingo de manhã série de TV e enviou para o produtor executivo, que se apaixonou por ela. “A luz do sol estava se infiltrando em seu escritório e a escultura começou a brilhar”, disse ela. ArtsATL recentemente. Ele imediatamente quis registrá-la no show – e manter a escultura. Seu segmento foi visto mais de sete milhões de vezes e catapultou Rose da obscuridade para a aclamação internacional.
Na exposição de Rose Pacto de Luz na Buckhead Art & Company até 12 de novembro, os visitantes podem ver e sentir por si mesmos o que inspirou o produtor de TV – e inúmeros outros.
Rosa falou com ArtsATL recentemente sobre a alquimia do vidro, a alegria de se separar das coisas que ela ama e o negócio de ser artista.
ArtsATL: A arte em vidro é um campo dominado por homens. Por que você acha que as mulheres fogem da disciplina?
Marlene Rose: Eu não estava interessado em fazer essa técnica (no início) porque estava intimidado pela fisicalidade do processo. Quando você está lidando com vidro fundido a 2.000 graus, é preciso uma tremenda força para manobrar a concha de 30 libras cheia de até 40 libras de vidro liquefeito. Mesmo fazer algo em um maçarico requer levantamento constante, reaquecimento e re-levantamento de pesos de 20, 30, 40 libras.
Também é um trabalho muito perigoso que requer muitas mãos em uma dança cuidadosamente coreografada com alguém abrindo a porta da fornalha; alguém servindo o copo; alguém cortando o excesso de vidro da concha; alguém segurando uma tocha; e alguém fechando a porta da fornalha. O menor erro – de uma gota de suor ou de uma manga de camisa entrar em contato com o material derretido enquanto é despejado em um molde – pode quebrar o vidro em um processo muito caro.
Encontrar um estúdio onde você possa aprimorar suas habilidades também é um desafio. Olhando para trás, posso entender por que os homens que abordei em busca de tempo no estúdio tinham reservas. Eu tinha vinte e poucos anos, não parecia muito forte e eles não sabiam se eu poderia confiar em seus equipamentos. Verdade seja dita, eu só tinha feito algumas aulas de vidro na faculdade e não tinha muita experiência, então suas suspeitas eram justificadas.
ArtsATL: As reações das pessoas às suas esculturas de vidro tendem a ser instintivas e viscerais. Como você reage ao ver uma peça pronta pela primeira vez?
Rosa: Uma a duas semanas se passaram desde o momento em que coloquei uma peça no forno de resfriamento até que ela esteja estabilizada e pronta para sair, então há muita emoção ao ver a escultura finalizada pela primeira vez.
Não sei como explicar o nível de excitação, euforia e felicidade que toma conta de mim quando uma peça sai certa, mas a adrenalina é inconfundível. Invariavelmente, as peças que me tiram o fôlego são as que vendem primeiro, não importa qual galeria, exposição ou feira de arte.
ArtsATL: É difícil para você deixar de lado as peças que tiram seu fôlego?
Rosa: Quando as apostas eram mais altas, o tempo de estúdio era limitado e eu não podia me dar ao luxo de ser prolífico, parecia uma perda real porque eu estava tão conectado a eles. Uma parte do meu coração iria com as peças especiais.
Com o tempo, descobri que o trabalho se conecta com um certo tipo de pessoa. Eles são cheios de alma, muito conscientes, alegres, sintonizados com coisas que realmente importam e atraídos por imagens que são edificantes. Eles querem algo em sua casa que os faça se sentir bem ou felizes por estar no espaço, em vez de fazer uma declaração difícil de processar.
Agora, quando eu me desfaço das minhas esculturas, parece um momento de círculo completo de dar um presente a alguém que realmente o aprecia – o que facilita muito o desapego.
ArtsATL: O que seus colecionadores revelaram a você sobre você, seu propósito, sua voz como artista?
Rosa: Para cada vez que uma porta era fechada, ou uma galeria dizia “não”, ou eu não tinha vendas – bem na esquina havia colecionadores que diziam “sim” ou um museu que estava animado para expor meu trabalho. Cada “sim” me encorajava a continuar, me lembrava de não desanimar e reforçava minha paixão. Quando recebo cartas de colecionadores me dizendo a alegria que sentem ao ver minhas peças em seus espaços pessoais, sei que não há propósito melhor na vida.
ArtsATL: O vidro normalmente não inspira o desejo de tocar, mas seu trabalho é tão tátil que praticamente implora que os espectadores entrem em contato. Qual é a sua política?
Rosa: Fomos tão programados para não tocar em obras de arte. Costumo dizer para as pessoas nos shows: “Você pode tocar nessas peças se quiser”. É realmente interessante ver a resposta das pessoas ao convidá-las a substituir seu treinamento.
As crianças estão um pouco mais descontroladas com seus corpos e eu nunca quero contradizer as instruções dos pais, mas geralmente levo um pedaço para uma criança ou bebê. Eles ficam tão felizes em tocar porque a superfície é tão texturizada e diferente.
ArtsATL: Por que a luz é um componente tão crítico do seu trabalho?
Rosa: A luz adiciona uma dimensão à escultura de vidro que muda dependendo da hora do dia, cobertura de nuvens, sol brilhante, sol indireto – tornando-a uma obra de arte dinâmica e em constante mudança. É o material perfeito não só pela forma como brinca com a luz, mas pela forma como lembra o molde em que foi colocado, tem textura do molde de areia na frente e parece uma peça de antiguidade que foi desenterrada.
ArtsATL: Qual é o seu conselho para talentos emergentes quando se trata de ser um artista?
Rosa: Eu não estudei administração na faculdade, mas segui meu instinto de trabalhar em uma galeria e entender o que os galeristas queriam de seus artistas.
Não havia caminho para eu seguir. . . Aprendi por tentativa e erro. Mas encorajo todos os artistas emergentes a se considerarem artistas, empreendedores e empresários se quiserem prosperar.
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Gail O’Neill é uma ArtsATL editor geral. Ela hospeda e coproduz Conhecimento Coletivo, uma conversatodas as séries que são transmitidas na Rede THEAe frequentemente modera palestras de autores para o Atlanta History Center.
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