Quando a Associação de Profissionais de Artes Cênicas se reuniu em janeiro para sua primeira conferência pessoal em três anos, o ar estava hipercarregado. Finalmente, o público estava voltando às apresentações ao vivo, e a APAP é o mercado onde apresentadores, produtores, artistas e empresários fazem conexões e fecham negócios. No entanto, nem todo mundo estava animado para voltar ao trabalho. “Nas artes, aceitamos um estilo de vida de esgotamento”, disse Keri Mesropov, diretor de talentos da empresa de consultoria TRG Arts, com sede no Colorado, em uma sessão geral. “Tenho clientes que nem sabem que estão exaustos até chegarem ao pronto-socorro.” Um pouco depois, ela acrescentou: “Estou cansada de sonhar um pouco menor porque não temos recursos”.
Nos últimos três anos, vislumbramos formas mais saudáveis de conduzir negócios, produzir eventos mais inclusivos e apoiar melhor os artistas. Neste momento, a comunidade da dança está oscilando em uma borda crucial. Na urgência de voltar aos negócios como sempre, existe o perigo de fazermos exatamente isso.
“Não estamos recuperados”, diz Sandy Garcia, diretora de reservas da Pentacle, uma organização sem fins lucrativos de apoio à gestão de artistas. “Ainda estamos descobrindo. Durante o COVID, houve interesse das pessoas da área em ter essas conversas e trabalhar para essas mudanças. Mas há a possibilidade constante de que as coisas possam voltar, ou quando a justiça racial não está na vanguarda do que todos estão pensando, essas coisas começam a ficar em segundo plano. Isso faz parte do desafio – você quer que essas coisas permaneçam.”
revista de dança conversou com membros da comunidade de apresentadores, gerentes de artistas e artistas de dança sobre o que eles veem – e gostariam de ver – à medida que o negócio de apresentações ao vivo avança.
O esgotamento é real
“A maioria, se não todos, os artistas de dança que conheço agora estão esgotados”, diz Brinda Guha, dançarina-coreógrafa-curadora independente que atualmente se apresenta com o trio percussivo multicultural Soles of Duende. “Há uma sensação de exaustão quando se trata de negociar taxas, ter que nos explicar, ter que provar nosso valor ou fazer um teste para alguma coisa. O esgotamento”, diz ela, “está se depositando em nossos músculos. Como nos mantemos quando estamos tão cansados?” Durante a pandemia, 8 dos 10 membros da companhia de dança de Guha, com sede em Nova York, deixaram a cidade. “Por alguns meses parei de criar. Perdi meu ímpeto. Muito da nossa criatividade vem do trabalho com entidades confiáveis no espaço, descobrindo o que estamos fazendo juntos.”
Essa sensação de perda é refletida em 58 entrevistas entre dançarinos iniciadas pela Jerome Robbins Dance Division da New York Public Library for the Performing Arts em seu COVID-19 Dance Workers Narrative Project. No entanto, quando a editora do projeto, Susan Kraft, revisou as transcrições, ela também ficou impressionada com outra coisa. “Fiquei muito comovida com a resiliência deles”, diz ela. “Eles estavam descobrindo e se reconectando com seus corpos e práticas de dança de uma maneira totalmente nova. Alguns tinham benefícios de desemprego e estavam vendo como era se concentrar em sua vida e saúde de uma forma que não costumam fazer. Por mais que muitos deles sentissem falta de estar no estúdio com outros, eles não queriam voltar a ser como as coisas costumavam ser.”
Os artistas da dança não são os únicos que respiraram fundo durante o COVID. “Em 2019, eu tinha 150.000 milhas na United”, diz Paul King, que junto com Walter Jaffe fundou Portland, Oregon’s White Bird, agora em sua 25ª temporada apresentando e comissionando trabalhos de artistas de dança locais e em turnê. “Eu estava em todos os carregamentos e descarregamentos. Estávamos em Mach 10 com nossos cabelos em chamas. Não havia como eu manter esse ritmo.” Durante a pandemia, os dois fundadores, agora na casa dos 70 anos, criaram um plano de sucessão de dois anos para passar as rédeas a um novo diretor executivo, Graham Cole, de 29 anos. King vê isso como parte de uma mudança geracional que está acontecendo em todos os aspectos do campo – financiadores, fundações, público e companhias de dança.
Gibney, na cidade de Nova York, é um exemplo de movimento geracional semelhante. No início de 2022, a organização, que inclui espaço de estúdio e teatro, uma companhia de dança e um nível impressionante de ativismo comunitário, promoveu um trio de novos diretores que a fundadora Gina Gibney guiará enquanto avançam juntos para o futuro.
Black Lives Matter mudou o mundo
A comunidade da dança foi uma das primeiras a responder ao assassinato de George Floyd com um compromisso mais forte com a equidade, diversidade e inclusão. Mas alguns artistas de cor relatam que o aumento do interesse em seu trabalho, embora bem-intencionado, às vezes pode levar a mal-entendidos. “Estamos simbolizando esses atos, garantindo que nossa conta pareça superdiversa ou estamos genuinamente interessados em ter sua arte?” pergunta Guha, que é especialista em dança kathak clássica indiana. “Como artistas, queremos fazer coisas relevantes, empolgantes e completas, e mostrar nosso melhor trabalho. Mas não queremos ficar nos explicando para instituições e locais”, diz ela. Ela gostaria que eles a conhecessem no meio do caminho para se educarem sobre o trabalho. “Por que você me programou se não sabe o que eu faço?”
É preciso cuidado e respeito para desenvolver o tipo de abordagem bem pensada para EDI (equidade, diversidade e inclusão) que a White Bird tem. Embora seu compromisso de apresentar artistas de cor seja antigo, eles o aprofundaram depois de 2020. “Tivemos 124 dias consecutivos de protesto aqui durante o governo Trump”, diz King. “Eles enviaram milícias sem marcas – não dava para saber de onde eram – e estavam tirando as pessoas das ruas, colocando capuzes em suas cabeças e levando-as para interrogatório. Foi assustador.” Depois disso, a White Bird adicionou um conselho de EDI, e o plano agora é recrutar um diretor de EDI para sua pequena equipe de quatro pessoas. “Essa pessoa estará à mesa para todas as conversas, seja sobre financiamento, envolvimento da comunidade, programação. O EDI fará parte de cada elemento do que a White Bird faz”, diz King.
Os custos das turnês aumentaram e o público é menor
Garcia, da Pentacle, relata algumas mudanças positivas na contratação de artistas em turnê. A organização representa artistas como Ephrat Asherie, Staycee Pearl e David Dorfman, e tem aconselhado e defendido dançarinos desde a década de 1970. Quando as turnês foram canceladas por causa do COVID, as cláusulas de força maior deixaram os artistas sem receber, por mais trabalho que já tivessem feito para se preparar para o noivado, e sem garantia de que o apresentador tentaria remarcar a apresentação para uma data futura. A maioria dos apresentadores também exigia que quaisquer pagamentos feitos fossem devolvidos. Juntamente com outras pessoas do setor, Garcia e sua equipe trabalharam para garantir um compartilhamento de risco mais equitativo. E, no entanto, ainda há trabalho a ser feito para melhor apoiar os artistas, porque os contratos geralmente têm favorecido o apresentador. “Estamos em uma paisagem melhor”, diz ela. “Essa é uma pequena mudança e uma das muitas coisas que ainda estamos tentando descobrir.”
“Em termos de turnê, o que todos nós estamos enfrentando é o aumento das despesas”, continua Garcia. “E, na maioria das vezes, o público não está retornando nos mesmos números de antes.”
Isso é verdade para White Bird e para o The Cowles Center em Minneapolis. Os codiretores de Cowles, Joseph Bingham e Jessi Fett, iniciaram uma opção de “pague como você está” como uma forma de reconstruir seu público. Para determinados shows, os compradores de ingressos podem optar por pagar o valor justo de mercado ou algo abaixo ou acima desse preço. “Trata-se de atender a um público onde eles estão economicamente”, diz Bingham, observando que as pessoas frequentemente adicionam uma doação. Com base na experiência de outros teatros, ele está preparado para que as receitas caiam no início, mas eventualmente espera aumentar o valor justo de mercado de um ingresso sem comprometer a acessibilidade. “Porque, realisticamente, esse valor de mercado precisa subir”, diz ele, se os artistas quiserem ganhar a vida e um teatro cobrir seus custos. “Acho que estamos aprendendo coisas. Veremos como será no final.”
Compensação Equitativa do Artista e Acesso a Financiamento
“As coisas custam mais, mas também estamos tentando promover o ecossistema e aumentar o pagamento dos artistas”, diz Bingham. Os dois diretores de Cowles reconhecem que uma taxa de engajamento deve refletir os custos gerais incorridos por um artista ao trazer o trabalho para seu palco – incluindo concepção e construção de uma peça, custos de ensaio e pagamento equitativo dos artistas. É mais do que simplesmente aparecer e fazer uma performance. The Cowles também oferece um programa de residência, chamado Generating Room, para apoiar artistas de dança locais, fornecendo uma bolsa e espaço, sem amarras e sem necessidade de apresentação. “Se o financiamento não aumentar de forma a compensar totalmente os artistas, é difícil programar tanto quanto queremos”, diz Fett.
O tipo de apoio que The Cowles prevê é essencial para artistas independentes que não são bem atendidos pelos atuais processos de concessão de bolsas. “Acho as bolsas para escrever bastante impressionantes”, diz Joanna Futral, do Brooklyn, que dança com The Lovelies, uma empresa gerenciada cooperativamente por seus três membros. “A menos que você possa contratar um escritor de bolsas, não é uma maneira viável de ganhar dinheiro.” O tempo que leva para preparar o pedido de bolsa pode facilmente ultrapassar o valor do valor da bolsa – isto é, se o artista tiver a sorte de receber financiamento. Artistas como Futral e Guha gostariam de ver o processo simplificado com um pedido de subsídio universal e mais subsídios plurianuais. Por exemplo, muitas das informações solicitadas em um pedido de subsídio podem ser encontradas online. “Talvez nos encontre pessoalmente”, sugere Guha. “Encontre uma maneira de se envolver com nosso trabalho. Encontre-nos onde estamos, para que não nos sintamos tão intimidados em provar nosso valor.”
Existem alguns vislumbres esperançosos: como alternativa a subsídios e bolsas altamente competitivos, que são distribuídos de forma desigual, a Fundação Andrew W. Mellon introduziu em 2022 um programa de renda universal. A Creatives Rebuild New York paga a 2.400 artistas cada US$ 1.000 por mês durante 18 meses, sem compromisso. Seis por cento dos destinatários do piloto se identificaram como dançarinos.
