A partir do momento em que estreou em Provincetown, Massachusetts, quase um século atrás, o filme de Eugene O’Neill Desejo sob os olmos, tocando no Actor’s Express até 28 de agosto, incitou o Great Pearl Clutch ouvido em todo o mundo. Foi proibido em Boston e na Inglaterra. O primeiro elenco a apresentar a peça em Los Angeles foi preso por “indecência”. Não é difícil perceber porquê, dado que muitos dos seus temas ainda são tabu. E ainda, nesta produção, a pergunta “Por quê?” surge com muito mais frequência, e por razões diferentes, do que sua equipe criativa pode ter pretendido.
Situado em uma fazenda da Nova Inglaterra de meados do século 19, a história segue Eben (Ryan Vo), de 25 anos, triste e amargo, que despreza seu pai de 70 e poucos anos, Ephraim (Tim McDonough), a quem Eben culpa pela morte de sua mãe. . O esterco de vaca atinge o ventilador quando Ephraim traz para casa sua noiva muito mais jovem, de 30 e poucos anos, Abbie (Precious West), que tem planos de assumir o lugar. Para complicar as coisas, voila, há uma tensão sexual instantânea entre madrasta e enteado que os transforma em trens correndo em direção a um naufrágio de fogo. Além disso, a presença espectral da mãe morta paira pesadamente no ar.
Se você acha que isso soa como uma tragédia grega, é porque é precisamente sobre o que O’Neill baseou.
O próprio O’Neill teve uma vida trágica grega, mergulhada em trauma geracional e alcoolismo. Ao escrever esta peça em particular, ele ainda estava se recuperando das mortes, em rápida sucessão, de sua mãe (um viciado em morfina que ele adorava), seu pai (de quem ele se ressentiu, mas depois se transformou em uma versão com seus próprios filhos), irmão e melhor amiga.
Houve muito poucas adaptações bem sucedidas deste trabalho ao longo das décadas. Uma versão cinematográfica da década de 1950, estrelada por Sophia Loren, Anthony Perkins e (estranhamente) Burl Ives, foi bombardeada pela crítica. Mais recentemente, em 2009, houve um ambicioso revival da Broadway com Brian Dennehy, Carla Gugino e Pablo Schreiber que reformulou grandes partes do roteiro e ganhou elogios da crítica, mas fechou cedo porque o público não gostou.
O que é estranho é como o Actor’s Express promoveu essa produção como se possuísse uma espécie de sensualidade problemática semelhante a Stanley Kowalski de Marlon Brando em Um bonde chamado Desejo. Embora West e Vo sejam imensamente atraentes, não há muito vapor na fala de Abbie “Vou substituir sua mãe” enquanto ela tenta seduzi-lo. Nem a Sra. Robinson fez isso.
Em vez disso, parece consistentemente predatório, especialmente porque Vo sempre parece à beira de um colapso nervoso. Enquanto isso, é difícil dizer o que West está fazendo com Abbie, que está longe de ser um papel fácil e direto. Perto do início, ela aparece como uma espécie de vilã da Disney, e mesmo a lasca de uma história de fundo torturada não sugere por que ela está tão desprovida de empatia.
As limitações de West são especialmente perceptíveis no clímax da peça, pois ela fica inerte e grita, em vez de incorporar os diferentes níveis de remorso e horror de Abbie pelo que ela destruiu. Devemos sentir algum nível de pena por ela, pelo menos. Em vez disso, é como se fôssemos uma audiência de TV de estúdio vendo um neon “Fique chocado aqui!” cartão de sugestão. Além disso, há pouca química entre Vo e West, o que é um impedimento quando você tem dois personagens dispostos a condenar todos, incluindo eles mesmos, apenas para se tocarem.
Por outro lado, McDonough apresenta um desempenho físico habilidoso como Ephraim, o homem cujo rosto é, como escreveu o dramaturgo O’Neill, “tão duro como se fosse esculpido em uma pedra”. Já alto e magro, o veterano dos palcos de Atlanta transmite um homem tão cheio de auto-ilusão e fúria que está literalmente sendo devorado. Ele critica as pessoas que considera muito “soft”, deixando de reconhecer sua própria fragilidade. Ele anda como se isso fosse de alguma forma afugentar o desastre que se aproximava de sua própria criação.
Brian Ashton Smith e Jason Kirkpatrick também brilham como meio-irmãos de Eben do primeiro casamento de Ephraim, que vendem suas partes da fazenda para buscar sua fortuna no oeste. Embora estejam apenas nas primeiras cenas, eles oferecem os únicos momentos intencionais de leveza da produção, como um Rosencrantz e Guildenstern totalmente americanos.
Na frente inadvertidamente estranha, sem spoilers, o crescendo desta peça envolve um dos momentos mais estranhos que eu já vi – quando um personagem percebe que cometeu o assassinato errado. É entregue com tanta naturalidade que eu realmente não consegui suprimir a Contenha seu entusiasmo tema de aparecer na minha cabeça.
Isso não é para ser superficial sobre o tempo e esforço claramente investidos nesta produção. Além de suas falhas, incluindo a direção indecisa e muitas vezes ineficaz de Freddie Ashley, há muitas razões pelas quais o próprio roteiro apresenta um desafio inerente ao público moderno. Uma delas é que, neste momento, todos nós vimos material muito mais incendiário, escandaloso e emocionalmente autêntico.
O outro pensamento é que talvez O’Neill ainda estivesse muito chocado quando escreveu Desejo. Talvez seja por isso que isso pareça sombrio, mas sem riscos – e por que levaria anos para ele se comprometer a paginar o verdadeiro desgosto da auto-sabotagem e do fracasso dos pais.
Em uma nota mais positiva, o design cênico de Kat Conley é uma maravilha de se ver, com seções de assentos de público em ambos os lados do palco, que se abrem longitudinalmente, negando qualquer privacidade aos personagens e oferecendo a cada assento uma visão íntima do melodrama. O quarto de Ephraim e Abbie fica imediatamente em frente ao de Eben, com apenas uma porta suspensa como separação, aumentando a tensão entre os dois boudoirs.
Em ambos os lados do palco estão paredes de pedra imponentes e indutoras de claustrofobia que parecem quase células sanguíneas sob um microscópio. Se isso foi intencional ou não, funciona perfeitamente com o tema das linhagens tóxicas.
O’Neill foi indiscutivelmente um dos maiores dramaturgos do século 20, ganhando quatro Pulitzers e o Prêmio Nobel de Literatura em 1936. obra-prima publicada Longa jornada de um dia para a noite — pode-se perguntar se talvez a dor estivesse muito fresca aqui para parecer natural e ressonante.
O mistério geral é como trazer seu trabalho mais sombrio e complicado de uma maneira que pareça tão visceral quanto no dia em que estreou – e para um público muito mais mundano e cínico. Há temas aqui em torno da intangibilidade da casa própria, misoginia, isolamento rural e sexualidade reprimida que certamente são atuais. Infelizmente, esta não é a produção para trazer essas questões à tona.
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Alexis Hauk é membro da Associação Americana de Críticos de Teatro. Ela tem escrito e editado para vários jornais, semanários alternativos, publicações comerciais e revistas nacionais, incluindo Tempoa atlântico, Fio Mental, Uproxx e Washingtoniano