No início de sua carreira, a coreógrafa Liz Lerman se viu encarregada de dar feedback sobre o trabalho de outros artistas como parte de uma bolsa do National Endowment for the Arts. “Percebi que estava sempre olhando para o trabalho de outras pessoas através das lentes da minha própria estética”, diz ela. “Onde estavam os velhos? Por que os dançarinos não estavam falando? Como é que não foi político?”
No entanto, Lerman também ficou frustrada com o feedback que estava recebendo sobre seu próprio trabalho e com a ideia de que os artistas deveriam simplesmente sentar e receber críticas em vez de se envolver com elas. “Eu odiava ser incompreendida”, diz ela. “Senti que deveríamos ter um diálogo.”
Gerar feedback que pareça alinhado com os objetivos do seu trabalho pode ser um desafio, assim como saber o que fazer com essa informação depois de obtê-la. E mesmo quando o feedback é transmitido com cuidado, pode doer. O Processo de Resposta Crítica de Lerman, que ela desenvolveu a partir de 1990 com base em sua própria insatisfação em dar e receber feedback, aborda algumas dessas questões em seu processo de quatro etapas. Seus princípios centrais incluem a ideia de que os criadores devem ter um papel ativo na crítica de seu trabalho e que o melhor feedback é gerado quando há uma base de confiança, bem como um espírito de generosidade e boa vontade.
O feedback pode vir de formas tão casuais quanto convidar um mentor para assistir a um ensaio, ou tão formais quanto uma conversa tradicional de público. Seja como for, o feedback é uma parte inestimável do processo criativo, especialmente para coreógrafos em início de carreira, diz o diretor artístico do Spectrum Dance Theatre, Donald Byrd. “O feedback é um antídoto contra a arrogância”, diz ele. “É uma oportunidade de aprender; saber algo que você não sabia antes.”
Saiba o que você está procurando
Solicitar toda e qualquer opinião sobre seu trabalho pode muito bem produzir algumas interpretações interessantes. Mas é mais provável que você gere feedback útil sendo intencional sobre o que está pedindo e por quê. “Seja realmente claro sobre a pergunta que você quer fazer”, diz Gesel Mason, coreógrafo e membro do corpo docente da Universidade do Texas em Austin. Mason, que se apresentou com Lerman’s Dance Exchange, muitas vezes usa CRP ou aspectos da prática, o que implica fazer perguntas específicas aos espectadores sobre o que viram.
Essa clareza o ajudará a moldar a conversa: você deseja fazer perguntas direcionadas sobre uma seção com a qual está tendo dificuldades ou sobre se um tema está surgindo claramente? Ou você quer facilitar a experiência do espectador com a peça, deixando-o levar suas impressões e perguntas? No início da carreira de Byrd, por exemplo, ele estava faminto por qualquer resposta que pudesse obter e ansioso para descobrir o que seu trabalho estava “faltando”. Agora, ele é mais seletivo sobre quem ele pergunta, e está mais interessado em saber se suas ideias estão surgindo.
Seu motivo também moldará o feedback de quem você procura: um artista de outra disciplina? Um dançarino que compartilha – ou não – suas sensibilidades? Um amigo de confiança? Um estranho educado? Byrd mais valoriza as opiniões daqueles que ele sabe que não abordarão o trabalho com um forte viés em relação às suas próprias preferências e valores estéticos. Solicitar opiniões daqueles com quem você espera que seu trabalho fale, diz Mason, ajuda a garantir que você não esteja em uma câmara de eco de amigos e colegas.
Além de “Você gostou?”
Embora seja natural ter curiosidade sobre se um espectador “compreendeu” sua peça, a coreógrafa contemporânea Christy Funsch evita essa ideia quando facilita as respostas, ressaltando que raramente é tão simples que uma obra seja compreendida ou não. Em vez disso, ela “descobriu que é mais útil para os coreógrafos receberem uma lista de imagens, uma expressão de uma experiência emocional pela qual um espectador passou”, diz Funsch, que divide seu tempo entre Nova York e São Francisco. “Tente fugir das ‘respostas’ e, em vez disso, reconhecer a coisa incrível que a dança pode fazer, que é nos fazer encontrar verdades relacionais e reverberações que não levam a uma única resposta.”
Byrd sente o mesmo. “Eu sei que nem todo mundo vai gostar do que eu faço, e isso é realmente o que eu quero?” Ele acha mais útil quando os espectadores fazem perguntas sobre uma peça e, da mesma forma, quando ele dá feedback, ele evita sugerir soluções e apenas diz o que vê.
Sentimentos de feedback
Como receber feedback pode fazer você se sentir vulnerável, é tentador esperar até que um trabalho esteja totalmente pronto para convidar outras pessoas. muito tempo, quando não há mais tempo para fazer ajustes substantivos. Solicite feedback cedo e com frequência, ela sugere, especialmente quando você não se sente pronto: Uma de suas experiências mais produtivas foi durante uma residência em que seu mentor, Val Caniparoli, assistia a uma hora de ensaio toda semana, tivesse ou não algo especificamente preparado para mostrar a ele.
Pedir feedback de pessoas em quem você já confia pode tornar a experiência menos assustadora. Mas a confiança também pode ser desenvolvida no próprio processo: o CRP de Lerman é configurado para construir confiança entre o criador e o respondente ao longo das quatro etapas, que começam com os espectadores simplesmente declarando observações na etapa um e terminam com o compartilhamento de opiniões na etapa quatro. Esse processo também ajuda os artistas a serem mais receptivos: “Se você ficar na defensiva, é melhor parar – você não vai aprender nada”, diz Lerman.
Aprender como você responde ao feedback é tão importante quanto o feedback em si, diz Byrd. “No início, você precisa absorver tudo para aprender a gerenciar não apenas o que está ouvindo, mas também seus sentimentos sobre o que está ouvindo”, diz ele.
O que agora?
Byrd diz que levou anos para perceber que o feedback é apenas informação para ele usar como quiser. Mas decidir como, exatamente, usá-lo – se for o caso – pode ser complicado, diz a coreógrafa Bebe Miller, de Columbus, pois há o risco de se mover na direção do que outra pessoa esperava, em vez do que você está tentando faço.
Mesmo comentários que a princípio são enigmáticos podem estimular a criatividade: sem saber o que fazer de uma crítica de que suas frases de movimento são muito curtas, Lerman começou a tocar: “E se eu pensasse em iluminação muito curta, ou figurinos muito curtos, ou uma nota de programa muito curta?”
Quando Mason facilita as sessões de feedback entre seus alunos, ela geralmente faz com que o coreógrafo implemente uma mudança naquele momento. Ela vai perguntar como se sentiu, o que eles aprenderam e o que eles querem tirar ou deixar desse experimento.
As críticas com as quais você não concorda também podem ser instrutivas, diz Seiwert. Ela se lembra de uma vez em que alguém não gostou de uma música que ela estava usando e, depois de ouvi-la várias vezes e reconsiderar sua decisão, ela conseguiu articular ainda mais claramente por que a música estava exatamente certa. “Às vezes você só precisa de alguém para apontar que seus óculos estão em cima de sua cabeça – você tem tudo o que precisa, mas não está vendo agora”, diz ela. “Para mim, é aí que o feedback pode ser realmente eficaz. Porque o processo coreográfico pode ser tão isolado, mas não precisa ser assim.”
O valor do feedback incorporado
O feedback não-verbal, comunicado pelo próprio movimento, pode ser esclarecedor em sua franqueza — você não precisa imaginar como uma abordagem diferente pode mudar uma peça, você pode ver isso acontecer em tempo real.
Para a coreógrafa contemporânea Christy Funsch, uma maneira de provocar isso é criar oportunidades para os dançarinos exercerem agência sobre o trabalho, como pedir a eles para “executar” uma peça que não está acabada como se estivesse. “A escolha do artista é um tipo muito particular de feedback”, diz ela. A coreógrafa de São Francisco, Hope Mohr, também vê a “colaboração como uma forma constante de feedback”, e muitas vezes pergunta aos dançarinos como o trabalho se sente por dentro, usando sua experiência somática para moldar como ele se desenrola visualmente.
Para uma forma ainda mais direta de feedback incorporado, há Wrecking, uma prática criada pela coreógrafa Susan Rethorst na qual diretores externos “destroem” o trabalho de um coreógrafo, reorganizando e reformulando o material existente para criar uma nova versão. Funsch, que facilita a destruição de seu próprio trabalho e do trabalho de outros, diz que a prática pode ser generativa em sua subversão da linguagem e da polidez – o feedback não precisa ser articulado, é simplesmente encenado. Às vezes, Funsch usou parte de uma versão destruída de seu trabalho na iteração final (dando crédito ao destruidor), e outras vezes, ver a opinião de outra pessoa sobre seu trabalho reforça por que ela fez as escolhas que fez. —LW
