Com o belo título A gravidade da beleza, em exibição até 10 de dezembro na Galeria Mortin no Museu de Arte Bernard A. Zuckerman, a curadora Cynthia Nourse Thompson pondera a natureza, a humanidade e a perda, e o potencial da beleza para servir de alívio em tempos de dor e sofrimento. Seu ponto de entrada para esta exposição, conforme expresso em seu depoimento, é uma “conversa” acadêmica de décadas sobre beleza na arte. Vale a pena mencionar aqui.
O eminente filósofo e crítico Arthur C. Danto, falecido em 2013, observou em seu ensaio de 1994 “Beleza e Moralidade” que havia uma escassez de beleza na arte, chamando a beleza de uma espécie de catalisador que poderia transformar “dor cru em tristeza tranquila .”
Ele questionou a capacidade da beleza ser tão relevante em um momento de indignação moral que dominava a cena artística então, e por boas razões. Uma pandemia havia recentemente devastado o país, especialmente o mundo da arte. A divisão política e a agitação estavam mudando a face da geopolítica. Em casa, havia um acerto de contas inacabado com a raça na América. Soa familiar? Como então poderíamos priorizar a beleza? Havia simplesmente coisas que a beleza não podia fazer.
Dois anos depois, a estudiosa Kathleen Marie Higgins respondeu com seu ensaio “Whatever Happened to Beauty? Uma resposta a Danto.” Ela concorda com muito do que ele escreveu. Para ela, a beleza como veículo relevante de contemplação, embora talvez ainda não morta, era na melhor das hipóteses escassa. Ela acreditava na promessa da beleza de, na frase de Danto, “transfigurar o lugar-comum” da realidade cotidiana, mas argumentava ainda que o ressurgimento da beleza também poderia transfigurar a arte contemporânea. Parece que Thompson concordaria.
Todo um argumento pode ser feito sobre se isso era verdade ou não na época, e/ou ainda é verdade, mas vamos, como Thompson fez para este show, tomar como ponto de partida a sugestão de Higgins de que “Beauty . . . em tempos de perda. . . urge um renovado amor à vida”.
Eu argumentaria que a Beleza (B maiúsculo pretendido) transcende a perda humana e, como tal, lembra que qualquer dor ou perda que estamos sofrendo no momento, como a própria Natureza, eventualmente fluirá e mudará e se tornará outra coisa.
Os 10 artistas desta mostra, com trabalhos em vídeo, escultura e pintura, incorporam ou manipulam a beleza para atender a essas preocupações – ou não – de várias maneiras e em graus variados.
As duas primeiras peças que encontrei na exposição foram a cabeça envolta em resina da escultora Rona Pondick, de Nova York, reconhecida internacionalmente, e um vídeo alucinante e colorido de abelhas zumbindo flores dos colaboradores Hironaka & Suib. Ambos me fizeram pensar se este era um show sobre percepção, o que é claro que é. Existem tantas definições de beleza quanto os olhos de quem a vê. Mas voltemos à afirmação de Danto de que a beleza pode “transfigurar o lugar-comum”, pois é isso que ilustra o melhor desses trabalhos de Zuckerman.
Entre eles estão os pintores nova-iorquinos Darren Waterston e Barbara Takenaga. As pinturas em grande escala de Waterston em óleo sobre painel empregam a paisagem japonesa como metáfora como metáfora, uma utilização clássica da beleza na arte. As abstrações fantasticamente belas de Takenaga incorporam tinta derramada sobre linho, cujo resultado é mitigado pela manipulação e pelo acaso, resultando em uma consiliência de imagens macro e microcósmicas. Sua beleza pode atordoá-lo até a quietude. Meryl Vermelho (2020), com seu vislumbre de um cosmos estrelado através de um “canal de nascimento” vermelho-sangue, é um deles.
Outros artistas fornecem contraponto, ou pelo menos outras maneiras de considerar a beleza, sua gravidade ou outras qualidades, de maneira articulada, mas um pouco menos satisfatória. As pinturas de grisaille em grande escala de Shelley Reed (todas em preto e cinza), que fazem referência à beleza tradicional na história da arte e são de fato belas, parecem um pouco arrogantes no contexto com as outras obras. A projeção de vídeo hipnótica de Jennifer Steinkamp de flores à deriva me lembrou de uma projeção igualmente bonita da artista de Atlanta Cynthia Farnell, me fazendo desejar que houvesse mais artistas de Atlanta neste show.
Além de suas pinturas exuberantes, Waterston é representado aqui por seleções de um projeto colaborativo de gravuras coloridas e águas-tintas combinadas com texto tipográfico criado com o admirado poeta Mark Doty. Aliás, Doty deu uma adorável e íntima leitura e palestra no Zoom em 13 de outubro como programação em torno da exposição. O mais convincente deles retrata – em uma inversão do título do programa – a beleza da gravidade; por exemplo, um cervo reclinado aparentemente amarrado a uma árvore “levita” acima do solo invisível.
O evento que o inspirou foi o oposto. Doty revelou que havia compartilhado com Waterston sua descoberta de uma corça morta em seu próprio quintal, uma nova vida já se banqueteando e brotando de seu corpo em decomposição. Morte e renovação, numa dança de reencarnação.
A concepção da exposição de Thompson começou com o trabalho da artista de vidro Amber Cowan e do fotógrafo William McDowell, dois artistas cujo trabalho questiona como podemos encontrar beleza emocionalmente em um momento em que estamos sofrendo.
Cowan retrabalha e reaproveita o vidro prensado americano, incorporando técnicas de flameworking e glassblowing para criar obras de fragilidade e resiliência. O trabalho parece se esforçar tanto, mas não de uma maneira que seja desanimadora; em vez disso, suas peças se tornam tudo, de uma só vez – assim como a vida chega até você, talvez.
Sua Amor jovem descansando em Gray Meadow (2019), uma “coroa” cinzenta de vidro fantástico, é colega memento mori à arte do livro profundamente comovente de McDowell.
O fotógrafo escaneou as cinzas de seu pai e descobriu que os minúsculos pedaços de cinzas se tornaram as estrelas e galáxias que ele estudava nos livros de astronomia. Com metáfora de beleza indescritível, a transformação de McDowell do real para o imaginado e do prosaico para o poético nos mostra exatamente o que a beleza pode fazer. Certifique-se de ler sua própria descrição no código QR na parede.
Eu adoraria ver uma galeria inteira desse trabalho; há muito a ser dito sobre isso e ainda nada de qualquer valor a acrescentar. A beleza desta obra é única e completa tal como é, como a própria vida – ou a morte.
Quando pensei que tinha acabado de escrever esta resenha, soube da morte do inimitável Peter Schjeldahl, crítico de arte de longa data do Nova iorquino revista. Em um artigo de 1996 para essa revista, “Beauty is Back”, escrito simultaneamente com os dois escritores mencionados por Thompson, Schjeldahl escreveu que em algum momento no futuro a discussão sobre a beleza terminará e “a beleza será o que sempre foi . . . uma resposta humana irreprimível, anárquica e curativa, sem a qual a vida é um erro”. E estese eu fosse o escritor Schjeldahl, é exatamente o que eu escreveria sobre as imagens de McDowell.
A crítica de arte pode ter sido a porta de entrada de Thompson para um exame do papel da beleza no alívio do sofrimento e da fragilidade da vida, mas não precisamos dos críticos para saber o que é a beleza e o que a beleza faz.
Em “Beleza e Moralidade”, Danto previu que “a beleza pode estar em um exílio bastante longo”. Isso foi antes. A gravidade da beleza está aqui, agora.
Felizmente, Schjeldahl estava certo (é claro, Schjeldahl estava certo.) A beleza está de volta, se é que saiu, e está aqui para ficar quando – em tempos como esses – mais precisamos dela.
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Donna Mintz é uma artista visual que escreve sobre arte e literatura. Atual artista de estúdio no Atlanta Contemporary, seu trabalho está nas coleções permanentes do High Museum of Art e do MOCA GA. Ela escreve para o Revisão de Sewanee, Esculturarevista e, Queimare ArtsATLonde é colaboradora regular. Ela recentemente completou um livro sobre a vida do escritor James Agee e tem um MFA da Escola de Letras de Sewanee na Universidade do Sul.