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Se você é um coreógrafo em início de carreira, provavelmente suas necessidades são muitas e seus recursos, poucos. Há um espaço de ensaio para alugar, dançarinos para se reunir, horários para alinhar – e isso sem incluir o trabalho criativo muito importante de fazer a dança em si. Mas definindo criar um ambiente de trabalho onde os dançarinos se sintam seguros é uma peça do quebra-cabeça que você não deve negligenciar.
“Se você deseja que seu trabalho seja sustentável e desenvolva uma boa reputação no campo, isso é algo a cultivar de cara”, disse Sarah Cecilia Bukowski, membro voluntário do comitê do Coletivo Nacional de Artistas da Dança, um grupo de defesa da direitos dos trabalhadores na dança. “Se você tem dançarinos que são atendidos, respeitados e que contribuíram para o seu processo, você terá um trabalho muito mais rico.”
Criar um espaço saudável não requer uma equipe administrativa em tempo integral ou mesmo um grande orçamento – apenas um pouco de premeditação, empatia e acompanhamento.
Trate o estúdio de dança como um local de trabalho
“Trabalho de dança é trabalho, ponto final”, diz Bukowski. Ao tratar seus ensaios e apresentações como experiências de trabalho, você transmitirá aos dançarinos que valoriza seu tempo e energia. Bukowski sugere a criação de um contrato. “Os projetos de coreógrafos em início de carreira costumam ser concertos que não são contratados, porque não parece que eles podem dar contratos aos dançarinos”, diz ela. “Mas é uma prática importante para começar.”
No ano passado, muitos dos membros do DANC se reuniram virtualmente para debater o que deveria ser incluído em seu modelo modular de Carta de Acordo (o documento que define os termos e condições de um relacionamento). A LOA da DANC tem quatro seções principais: salários, benefícios, condições de trabalho e eqüidade. Algumas sugestões provavelmente estarão além das capacidades de um novo coreógrafo – periculosidade ou seguro saúde, por exemplo – mas certos elementos devem ser padronizados. “No mínimo”, diz Bukowski, “um contrato deve incluir datas, horários e locais de ensaio e apresentação, bem como informações de acessibilidade, taxas de pagamento e um cronograma de pagamento – incluindo políticas de compensação em caso de cancelamento imprevisto.”
Dê à sua equipe tempo suficiente para ler e discutir o contrato. “Não apenas um a um, mas também como um grupo, para que tenham algum senso de solidariedade”, disse Bukowski.
Comunique-se com frequência e abertamente
Uma linha de comunicação aberta garantirá que seus dançarinos se sintam seguros para compartilhar honestamente como estão se sentindo. “No primeiro dia de ensaio ou antes dele, reserve um tempo para ter uma conversa e estabelecer alguns valores mutuamente sustentados, em termos de como os ensaios serão executados, como a comunicação acontecerá – até mesmo como os dançarinos podem levantar preocupações”, sugere Bukowski.
Ofereça à sua equipe a chance de compartilhar de novo a cada vez que você se encontrar. “Faça check-ins no início dos ensaios para permitir que seus colaboradores expressem como estão se sentindo naquele dia”, diz ela. “Eles estão lidando com lesões? Algum tipo de estresse emocional? Tudo isso afeta a maneira como somos capazes de trabalhar juntos.”
Fique com os pés na realidade
Bukowski uma vez trabalhou com um coreógrafo que queria criar uma peça para 15 dançarinos profissionais com um orçamento de US $ 1.500. Isso teria resultado em apenas US $ 100 por dançarina para um compromisso significativo de ensaio. A sugestão de Bukowski? “Moldar sua visão às realidades com as quais você está trabalhando”, diz ela, observando um tamanho reduzido do elenco como uma opção viável.
Lembre-se de suas próprias experiências como dançarino em projetos de outras pessoas e use isso como um ponto de contato ao decidir o que você vai pedir de seus dançarinos.
Com Consentimento
Uma parte importante para garantir que seus dançarinos se sintam seguros é oferecer a eles a chance de tomar decisões informadas caso seu trabalho exija nudez, parceria íntima ou outros elementos teatrais que exijam consentimento.
Quando Zev Steinrock, um diretor de intimidade certificado com diretores e coordenadores de intimidade (uma organização pioneira nas melhores práticas para intimidade e nudez em apresentações ao vivo), dá um workshop, ele usa a definição de consentimento sexual da Planned Parenthood para definir o consentimento para intimidade teatral. “Em última análise, os princípios são os mesmos, porque estamos falando de autonomia corporal e de participação em ações com o seu corpo envolvido”, afirma.
Dado gratuitamente:
“Isso significa com total autonomia, com corpo e mente sãos”, diz Steinrock. “Não posso dar consentimento se estou sob a influência, completamente exausto, distraído ou com pressa.”
Reversível:
“Se eu consentir com a nudez e descobrir mais detalhes – acontece que é com um holofote fluorescente, é totalmente frontal e alguém vai apontar para mim e falar sobre as partes do meu corpo – eu preciso ser capaz de mude minha ideia.”
Informado:
“Se alguém disser: ‘Você concorda com nudez?’ Ainda não tenho informações suficientes. Andar de cueca pode ser considerado nudez. Mostrar minhas nádegas pode ser considerado nudez. “
Entusiasmado:
“Se alguém disser: ‘Você aceita nudez?’ e eu digo, ‘Ah … eu acho,’ isso não é entusiasmo “, diz Steinrock. “E qualquer coisa que não seja um sim entusiasmado é um não.”
Específico:
“Mantenha o contexto que você estabeleceu – não improvise além desses parâmetros de consentimento”, diz ele.
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