Em todo o país, grupos de artes cênicas relatam vendas lentas de ingressos desde a reabertura após bloqueios pandêmicos. Para o público, é compreensível: uma mistura esboçada de surtos locais, novas rotinas de trabalho em casa, inflação de restaurantes e todas as outras incertezas que tornam o entretenimento público uma atividade questionável em nossas vidas ainda não pós-Covid.
Semana após semana, os concertos da Orquestra Sinfônica de Atlanta parecem estar lutando com os mesmos problemas complexos. Mesmo o burburinho da nossa diretora musical aclamada nacionalmente, quando ela está no pódio, não gera a bilheteria esperada. Não há solução mágica.
Então, na quinta-feira no Symphony Hall, uma noite chuvosa com um maestro finlandês menos conhecido, Hannu Lintu, liderando a banda e sem um hit top 10 no programa, não foi surpresa ver grandes blocos de assentos vazios.
O que foi encorajador foi todas as palmas entre os movimentos do concerto.
O violinista Gil Shaham, uma estrela clássica amável por quase 30 anos, foi solista do Concerto para Violino de Erich Wolfgang Korngold. É música na tradição do romantismo tardio, um estilo que foi amplamente varrido na época da estreia do concerto em 1945.
Korngold teve uma das carreiras mais notáveis (e criativamente trágicas) na música do século XX. Uma criança prodígio, elogiado por Mahler, Strauss e Puccini quando jovem, ele escreveu balés e óperas sensacionais e, aos 20 e poucos anos, teve o que ainda é seu trabalho mais substancial, Die tote Stadt, estreou no Metropolitan Opera. Logo Hollywood ligou e ele atendeu. Seu estilo de pelúcia e emoções na manga tornou-se a definição de “cinematográfico”. Quando você se emocionar com uma das trilhas sonoras do espaço sideral ou de dinossauros de John Williams, agradeça um pouco a Korngold.
Mas depois da segunda guerra mundial, sua música e sua atitude não conseguiram incorporar a influência e as arestas do modernismo. Ele continuou a escrever música para o século errado e morreu como um compositor negligenciado (mas não esquecido).
Shaham, com seu tom exuberante e amanteigado e interpretação calorosa – e também nunca confortável com o modernismo musical – fez o solista ideal. Ele cortou talvez a gravação definitiva da obra três décadas atrás, e o livreto do programa desta semana nos lembrou que ele realmente trouxe o concerto para a ASO pela primeira vez, em 1999, sob Yoel Levi.
Quinta-feira, Shaham não tocou tanto para os ouvintes quanto compartilhou seu amor por essa jóia melódica conosco. Depois de todos esses anos, ele se manteve fresco, e seu entusiasmo alegre e senso de colaboração com a orquestra ficaram imediatamente aparentes. Há uma tranquilidade em seu virtuosismo também. Sua forma de tocar violino não parece tão fácil e atlética quanto antes, mas ele fez uma leitura maravilhosamente abrangente.
Korngold sabia escrever para um público. O movimento de abertura, típico de muitos concertos românticos, termina com um floreio e um estrondo que significa um final – chamado de cadência no jargão musical. Você ouve um gesto de fechamento ousado e quer torcer. Essa foi a reação de muitas pessoas na multidão de quinta-feira. Shaham e Lintu sorriram de volta, aceitando alegremente esse elogio sincero.
E houve mais aplausos após o belíssimo segundo movimento (que não termina com uma cadência) e, claro, também após a animada brincadeira do final, onde o compositor emprestou suas antigas trilhas de filmes, com sons de westerns e aventuras em alto mar na mistura. Tocando para a id do público, o floreio gritante no final desencadeou euforia.
No entanto, a etiqueta de uma sala de concertos centenária dita que o público permaneça quieto entre os movimentos de um concerto ou sinfonia. Perto do meu assento no andar principal, um senhor mais velho suspirou e então bufou com essas intrusões. Aplaudir nos lugares errados significa que você não é um frequentador regular de shows. Depois de uma gafe semelhante em um concerto, um comentarista anônimo da internet chamado Musicological Duck apontou: “se você não quer que as pessoas batam palmas entre os movimentos, não escreva cadências” – uma lógica distorcida que culpa os compositores.
Na ASO, aplausos entre os movimentos sugerem que eles “papelaram” o salão, distribuindo toneladas de ingressos gratuitos para estudantes ou outros grupos que podem gostar do show, mas normalmente não assistem a concertos de música clássica. É ao mesmo tempo inteligente e generoso: se uma organização não pode ganhar a receita nas bilheterias, ela pode preencher os lugares vazios e dar aos clientes pagantes (e aos músicos no palco) um senso mais completo de comunidade. Um vivo audiência, reagindo à música enquanto a ouve, melhora a experiência de todos, certo?
As palmas encheram os espaços, também, no Concerto para Orquestra de Jennifer Higdon, estreado pela Orquestra da Filadélfia em 2002. A ASO ajudou a construir a carreira de Higdon – comissionando-a, gravando sua música, ganhando prêmios Grammy por isso. E eles mantiveram suas grandes obras no repertório. A orquestra conhece seu estilo e som tão bem quanto conhece qualquer compositor vivo.
Como o nome indica, o Concerto para Orquestra, em cinco secções contrastantes e modelados a partir das obras-primas de Bartók e Lutoslawski com o mesmo título, coloca cada secção do conjunto num papel de protagonista. O movimento de abertura é selvagem, talvez sobrescrito. As texturas são muitas vezes tão grossas que você não consegue ouvir o que está acontecendo no palco. Em vários pontos, você vê o esforço extremo dos sopros – seus rostos ficam vermelhos e desesperados para respirar – mas você não pode ouvi-los sob a percussão ruidosa e o peso total das cordas.
Essa abertura é intensa, ou talvez um pouco tensa, uma grande peça tentando dizer muito às pressas. O maestro Hannu Lintu parecia mais um guarda de trânsito do que um intérprete, onde manter todos juntos contava como sucesso.
Nas seções internas esta peça realmente sobe, muitas vezes de forma brilhante. O segundo movimento abre com cordas dedilhadas, um som bacana que se constrói em camadas e prende o ouvinte. A terceira inclui longos solos para muitos dos princípios da seção, destacados pela flautista Christina Smith, seu tom em turnos ronronando quente ou focado e mordaz – na medida certa. Mas à medida que os músicos se revezam, muitas vezes com frases encantadoras – oboé, clarinete, contrabaixo, segundo violino, violoncelo, viola, etc. – começa a parecer mais pro forma do que musicalmente orgânico. O compositor desceu a lista de verificação do pessoal da orquestra. Todo mundo tem sua vez.
O quarto movimento é o destaque independente. Marcado para um caminhão de percussão (e apoiado com harpa, toque agradável), parece cobrir quase todos os mundos sonoros possíveis, do esperado ao improvável e ao convincentemente estranho, muitas vezes com impacto assustador ou emocional.
Embora o Korngold e o Higdon possam não ter sido música de escolha do maestro Lintu, ele abriu o concerto com música do grande compositor finlandês Jean Sibelius, uma rara chance de ouvir seu poema sinfônico Os Oceanides, uma obra inspirada na mitologia grega e polida durante uma viagem marítima de 1914 através do Atlântico. (Aparentemente, essa foi a estreia da obra na ASO.) Lintu trouxe à tona todos os movimentos característicos de Sibelius, mas sua leitura carecia de urgência, talvez um ponto de vista.
O programa repete sábado às 20h
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Pierre Ruhe foi o diretor executivo fundador e editor do ArtesATL. Foi crítico e repórter cultural do Washington Postde Londres Financial Times e a Atlanta Journal-Constituição, e foi diretor de planejamento artístico da Orquestra Sinfônica do Alabama. É diretor de publicações da Música Antiga da América.