Cassandra Trenary chega para sua entrevista em uma camiseta estampada com uma imagem de Johnny Cash, que parece muito irritado. A temporada de verão do American Ballet Theatre no Metropolitan Opera House está em pleno andamento; estamos nos reunindo à sombra de um pequeno bosque à direita da entrada do teatro. Cassie, como ela é conhecida, acabou de fazer as aulas da manhã e ainda está com as bochechas rosadas pelo esforço. Nas últimas semanas, ela estava se preparando para sua estreia em Romeu e Julieta, que ocorreu em meados de julho. “Eu amo Johnny Cash”, ela diz, com um sorriso malicioso.
A camiseta e o sorriso são uma sequência adequada para a conversa que se segue. A franqueza e a falta de pretensão parecem fazer parte do DNA de Trenary, principalmente neste momento de sua vida. Se você fizer uma pergunta a Trenary, ela responderá da maneira mais direta e honesta possível. E ela é aberta sobre as coisas que a incomodam no balé clássico, sua profissão escolhida: as convenções não examinadas, o fato de tão pouco do repertório refletir a vida das pessoas hoje e a tradição de obediência silenciosa no estúdio. Mas também é uma interlocutora acolhedora, envolvente e engajada. Seus pensamentos vêm de um lugar de convicção e devoção.
Trenary adora balé – “Eu amo muito, muito”, ela diz – ela só quer que mostre um pouco mais de flexibilidade e abertura para diferentes perspectivas. Ela quer que isso avance. “Estou desesperada para trazer mais humanidade para isso”, diz ela, “e quero ver algo que pareça universal. Acho que é hora de começarmos a falar sobre como podemos contar essas histórias, e sobre como podemos contar novas histórias e histórias diferentes. Eu quero que esta forma de arte sobreviva.”
No ano passado foi seu 11º na ABT, onde se tornou aprendiz em abril de 2011 e membro do corpo antes do final daquele ano. Ela foi nomeada dançarina principal em 2020 e completou 29 anos em agosto deste ano. De qualquer forma, ela está no auge, armada com as ferramentas físicas e mentais para assumir praticamente qualquer papel.
Mas, apesar do reconhecimento, sua entrada no repertório clássico foi gradual. Ela ainda tem que cortar os dentes em Odette/Odile em Lago de cisnes ou Kitri em Don Quixote, embora o ABT tenha realizado os dois balés durante sua temporada de verão no Met. Em vez disso, ela teve uma estreia muito importante durante essa temporada, como Juliet no filme de Sir Kenneth MacMillan. Romeu e Julieta. É um papel pelo qual Trenary diz estar ansiando desde que viu um vídeo dele pela primeira vez como estudante. “Foi a primeira vez que me emocionei com um balé da mesma forma que me emocionei ao assistir a um filme ou a uma peça de teatro. E eu pensei, ah, minha palavra, é isso, é isso que eu quero fazer.” Contar histórias através do movimento é fundamental para como ela se vê como dançarina. “Quero que as pessoas sintam que estão vendo a vida acontecer na frente delas e que o diálogo passa a ser o balé clássico.”
Durante a temporada de outono de 2021 da ABT no David H. Koch Theatre do Lincoln Center, ela dançou sua primeira Giselle, um papel que a assustou em parte por causa da timidez da personagem no primeiro ato. “Acho que não me via nele”, disse ela algumas semanas antes da apresentação. Assim como em sua Julieta, ela abordou isso mergulhando no personagem e na história e encontrando imagens e sensações com as quais se conectava. “Ela é uma atriz tão interessante”, diz Alexei Ratmansky, coreógrafo residente da ABT, que a escalou para uma ampla variedade de papéis, desde um pássaro mágico em O Galo Douradopara um espírito saudável da colheita em As estaçõespara a jovem princesa sem fôlego Aurora em A bela Adormecida. Para cada um, Trenary “mergulhou no papel com todo o seu coração”, diz ele.
Esse investimento total em qualquer papel que ela está criando é uma das coisas que torna Trenary tão atraente no palco. Você está menos ciente de cada passo e sua execução, e mais ciente da maneira como uma cena ou passagem faz você se sentir, o que ela está tentando transmitir. Muitas vezes, ela assume papéis familiares é diferente do que você está acostumado, infundido com aspectos de seu próprio espírito. Trenary coloca pensamento e esforço nessas interpretações. Além de trabalhar com uma professora de atuação, Joan Rosenfels, ela faz muitas pesquisas externas.
No caso de Romeu e Julieta, essa fome de informações a levou a Londres em 2019, onde se encontrou com Lynn Seymour, a bailarina na qual MacMillan criou o papel de Julieta em 1965. Seymour, que agora tem 83 anos, a convidou para sua casa. Eles discutiram o balé durante vários dias enquanto assistiam a vídeos e corriam os passos em um espaço que criaram na sala de estar de Seymour. Seymour compartilhou o que MacMillan disse a ela e como ela viu o balé mudar ao longo do tempo. “Uma das maiores conclusões”, diz Trenary, “foi que havia mais liberdade no papel do que a forma como é dançado agora. Ela me deu permissão para jogar.”
Assim como com sua Giselle, Trenary queria que sua Julieta fosse mais contundente, se firmasse mais e evitasse a beleza que se infiltra em algumas performances e tira o espectador da história. Mas quando ela voltou ao estúdio de ensaio pronta para aplicar o que havia aprendido, ela encontrou resistência das pessoas que encenavam o balé para a ABT. Quando uma certa interpretação toma conta, torna-se difícil mudar. “No começo a reação foi, ‘Hum, essa é uma maneira de fazer isso, mas nós fazemos de outra maneira.’ E eu dizia: ‘Posso perguntar por quê?’ ”
“Foi preciso muita coragem para ela assumir esses papéis e dobrá-los”, disse Amanda McKerrow, uma ex-bailarina da ABT que recentemente começou a treinar na empresa, após um ensaio de Romeu e Julieta. De certa forma, Trenary tornou as coisas mais difíceis para si mesma por não simplesmente abaixar a cabeça e seguir um caminho familiar. “Ela tem que trabalhar duro para convencer os tomadores de decisão de que suas interpretações podem ser válidas”, diz Ratmansky, que admira sua tenacidade. “Acho que ela pode chegar lá.”
Esse impulso, que ficou claro no início de sua carreira, podia senti-lo mesmo quando ela estava simplesmente liderando uma longa linha de Shades em La Bayadère– floresceu mais recentemente, principalmente desde o início da pandemia. Os primeiros meses foram difíceis. Ela se mudou de volta para a Flórida e experimentou uma grande mudança no relacionamento pessoal. “Passei muito tempo sozinha”, lembra ela. “Eu estava escrevendo, tirando fotos, me desafiando a fazer exercícios de improvisação coreográfica todos os dias. E descobri que estava muito, muito feliz fazendo isso.”
Nos meses seguintes, ela fez dois curtas-metragens de dança, aprofundou seu interesse pela fotografia e entrevistou sua avó por horas sobre suas experiências de crescimento e, mais tarde, morando em uma fazenda no Colorado. “Mergulhei em uma toca de coelho de histórias de família, me informando sobre as mulheres da minha família, e por que elas são do jeito que são e por que eu sou do jeito que sou.” Em uma residência em abril patrocinada pela Works & Process LaunchPAD em Chautauqua, ela usou parte desse material como base para explorações de movimento que levaram a cerca de 25 minutos de coreografia solo e uma série de autorretratos com uma câmera Nikon F (filme, não digital).
Trenary é uma colaboradora ávida, com uma afinidade particular pela dança contemporânea, que ela descreve como “meu lugar feliz”. Em 2020, durante as temporadas digitais do The Joyce Theatre, ela trabalhou com a coreógrafa pós-moderna Molissa Fenley, realizando seu árduo solo de 1988 Estado de escuridão. Aqui, sua dança revelava um tom áspero, uma sensibilidade agressiva, até mesmo punk. Era o Johnny Cash saindo. Trenary não parecia uma bailarina. Mais recentemente, sob os auspícios de Works & Process no Guggenheim, ela colaborou com Sonya Tayeh em uma peça chamada Revelação, cheio de coreografias e parcerias musculares, fluidas. Nele ela dividiu um pas de deux com outra bailarina, Ida Saki, algo que raramente acontece em seu dia-a-dia na ABT. (Revelação foi realizada como parte dos Estágios de Reinicialização no Lincoln Center em junho de 2021.) “Foi tão difícil no começo compartilhar meu peso com ela”, diz Trenary. “Eu tive que aprender a usar meu corpo inteiro para fazer parceria, não apenas meus braços, como fazemos no balé clássico.”
Este verão e outono trouxe colaborações com os coreógrafos Jenn Freeman e Twyla Tharp, incluindo apresentações na companhia de Tharp no New York City Center em outubro. Os últimos anos – o isolamento do COVID-19, sua promoção a diretora e a imersão em vários projetos criativos – alimentaram um senso de urgência sobre sua profissão e seu lugar nela. Ela descobre que questiona muitas coisas. Essas perguntas a ajudaram a emergir como uma artista não apenas com um ponto de vista forte, mas também com vontade de fazer o trabalho necessário para fazer escolhas artísticas interessantes e informadas.
Esse trabalho deu frutos em sua estréia em Julieta. Sua performance foi íntima, vulnerável e sem adornos. Como membro da platéia, você quase esqueceu que eram passos de balé coreografados e, em vez disso, foi pego na história à medida que se desenrolava. Nada de poses bonitas, nada de deitar na cama com os pés apontados ou arquear as costas sobre o túmulo na cripta dos Capuletos. “Não estávamos tentando projetar ou dizer ao público para olhar para nós”, diz Calvin Royal III, seu parceiro para a apresentação e um amigo próximo. “Era quase como se estivéssemos em um filme.” Para Trenary, isso é um passo na direção certa.