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Seja no início de um aquecimento, no ensaio ou no palco, os dançarinos têm muitos pensamentos correndo em suas mentes a qualquer momento. A fita de relógio mental cobre qualquer coisa, desde lembrar sequências coreográficas até navegar por fatores ambientais, como superfícies irregulares do piso ou luzes brilhantes, ou evitar distrações irritantes. Tudo isso está em jogo ao mesmo tempo em que os dançarinos estão focados em elementos artísticos, como construir um arco energético ou aderir a uma partitura orientada por tarefas. E, no entanto, dançar é um ato de presença, ação e expressão imediata. Quando os dançarinos estão no palco, pensamentos que estavam anteriormente na forma de palavras muitas vezes sublimam em sensações do momento.
A pioneira pós-moderna Deborah Hay passou grande parte de sua carreira de seis décadas explorando a interação entre corporificação e consciência no palco. Em seu livro seminal Meu corpo, o budista, ela escreve: “Fui inspirada a construir um vocabulário de dança verbal que mesclasse imagens pessoais e universais. Eu queria que incluísse as experiências sensuais da percepção. Com a ajuda da linguagem, eu queria simplificar o acesso à dança, ao mesmo tempo em que expandia o território do qual um dançarino poderia extrair uma experiência cinestésica imediata.”
Então, o que os dançarinos pensam enquanto dançam? O que seus pensamentos revelam sobre a experiência artística? Aqui, três artistas veteranos de todo o mundo compartilham seus monólogos internos. Justapostos com trechos da prática-como-pesquisa de Hay, eles oferecem vislumbres intrigantes da interação rica e generativa entre a mente e o corpo de um dançarino.
Etienne Cakpo
O bailarino e coreógrafo Etienne Cakpo, originário do Benin e agora radicado em Seattle, onde dirige a Gansango Music & Dance, diz que quando dança a sua própria coreografia, que se baseia nas danças espirituais, históricas e sociais tradicionais e também nas danças africanas contemporâneas, “eu sinta tudo, as palavras, as visualizações, as sensações. Só vem quando vem!” Seus movimentos traduzem imagens do mundo natural, como pássaros e animais, em forma humana. “Veja como os pássaros são poderosos quando decolam, voam e pousam”, diz Cakpo. “As pernas estão sempre dobradas, prontas. Observe como seus pés agarram a terra. As iniciações para as ondulações encorpadas na minha coreografia começam nos pés por esse motivo.”
Cakpo também ouve a orientação de um professor influente que disse uma vez: “Ouça sua respiração, ouça seus batimentos cardíacos. Se você ouvir isso, você pode ouvir a música.” Ele se relaciona com a música pelo tempo, dizendo “quando o baterista toca, todo o meu corpo se envolve. Não há ‘sair e voltar’ ao ritmo definido pelo baterista. O dançarino e o baterista são um juntos.”
Cakpo se inspira muito nas danças tradicionais do sul do Benin, durante as quais os dançarinos são possuídos pelo Espírito Santo. “Quando em transe, eles podem dançar por dois dias seguidos em cerimônias. Quando terminam e voltam a si mesmos, não se lembram de nada depois!” As práticas contemporâneas de dança africana modernizam movimentos dessas tradições, diz ele, “mas sem a posse espiritual, como forma de promover a cultura”. Ele trabalha a partir de um lugar orgânico, improvisado, onde sua maior prioridade é algo maior que ele mesmo. Cakpo diz: “Sou sempre um mensageiro. Quando estou me apresentando e sinto a presença do Espírito Santo, ofereço respeito, conexão e amor. No palco, onde estou em casa, no lugar em que me sinto segura, às vezes quero chorar por me sentir tão aberta.”
Kanoe Miller
Uma artista no bar House Without A Key no Halekulani Hotel em Honolulu por quase 45 anos, Kanoelehua “Kanoe” Miller descreve seu treinamento fundamental em hula, que ela começou como uma jovem adolescente, como uma experiência abrangente. “Não existe ‘cartão de aula’ para comprar aulas individuais. UMA halau (uma escola tradicional de hula) é um compromisso para a vida. Você mergulha na cultura, passos de dança e técnica, vestimenta histórica, linguagem havaiana que era puramente oral até 1820, o modo de pensar antes dos ocidentais chegarem com linguagem escrita, música e a intenção do compositor, que pode ter camadas mais profundas de significado do que as palavras literais .”
Na performance, os dançarinos de hula sintetizam essas camadas de conhecimento adquirido e sistemas de pensamento com suas experiências pessoais na vida e no espírito. “Seu cérebro está ouvindo as letras. Seu coração está ouvindo a música”, diz Miller. “Você quer ter uma conversa com o público. Você expressa a eles o que você quer dizer. Você deve internalizar, correlacionar, e então trazê-lo à tona em sua dança e em seu rosto. Ele sai de seus poros.”
Como uma artista da Broadway que pode desempenhar o mesmo papel muitas noites por semana durante anos a fio, Miller aprendeu a manter suas performances frescas, mental e fisicamente, todas as noites. “Eu amo pessoas. Eu quero que eles sejam levantados, andem um metro acima do chão, para sentir aloha. Na primeira parte da minha noite, é o pôr do sol. Eu posso ver todos. Para a segunda parte, é escuro. Não consigo ver rostos e tenho que me esforçar mais para me conectar. Eu danço na luz. Talvez não tenha sido até meus 40 anos, porém, que eu realmente aprendi a me concentrar e estar na zona, e a respeitar meu público. Eu vou todas as noites querendo dar aloha.”
“Eu ouço as vozes dos meus professores? Claro”, diz Miller. Além de sua formação em hula, já adulta, estudou sapateado e jazz intensamente, e neste ano começou a estudar balé no Zoom. “Adoro a disciplina da apresentação, engajamento do core, articulação dos pés e posturas dessas outras formas. Eu incorporo tudo. As pessoas não sabem por que pareço diferente de outros artistas. Isso é por que.”
Megumi Eda
Uma artista em constante evolução cuja carreira abrange vários gêneros, Megumi Eda, com sede em Berlim, passou sua infância no Japão focada no balé clássico e passou a dançar para várias grandes companhias europeias. “O balé é tão difícil”, diz ela. “Eu queria ser perfeito, queria a técnica, mas estava tão preocupado com isso que era difícil expressar qualquer outra coisa. Quando eu era uma bailarina pura, sabia que de alguma forma não era para mim. Para outros, talvez, mas não para mim.”
Enquanto trabalhava no Dutch National Ballet em seus 20 e poucos anos, Eda descobriu que preferia a emoção de criar novos trabalhos com coreógrafos do que dançar os clássicos. Mesmo antes de se mudar para Londres em 2001 para dançar com a Rambert Dance Company e logo depois fazer a transição para Nova York para trabalhar com Armitage Gone! Na dança, ela começou a perceber novas mudanças internas do perfeccionismo de sua juventude para uma sensibilidade mais contemporânea. “Quando estou no palco, é quando penso ‘finalmente sou o chefe!’ Crio com uma imaginação maior, com um sistema de imagens que inventei para mim, que uso no palco”, diz Eda. “Toda vez que danço, vejo algo, como uma cena nostálgica da minha cidade natal ou lembranças de interações íntimas. Eu vejo minha avó. Ela já passou. Eu ouço a voz dela, eu a vejo. Ela aparece muito.” Em seu trabalho de dança pós-moderna, Eda diz que se concentra mais nas formas do que nas emoções ou na técnica, observando: “Quando me movo no espaço, a forma do espaço muda. Mesmo com um movimento super pequeno do dedo, o espaço ao redor disso muda.”
Embora Eda fale vários idiomas, ela diz que as especificidades dos idiomas separados não desempenham um papel importante em seu processo, cujo escopo se ampliou para incluir o trabalho como cineasta, editora de vídeo e diretora talentosa. Em vez disso, ela diz que sua prática está enraizada na ideia de “traduzir continuamente” seus interesses abrangentes em movimento e cinema. “Eu compartilho na tela o que sempre vi na minha cabeça quando estou dançando. Eu uso o filme para mostrar os segredos em minha mente.”
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