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Às vezes descrito como o melhor quarteto de cordas da América, o Dover Quartet voltou na tarde de domingo ao calor cristalino de Spivey Hall, exibindo um programa atraente e um novo membro.
O aclamado quarteto original – Joel Link e Bryan Lee nos violinos, Milena Pajaro-van de Stadt na viola, Camden Shaw no violoncelo – se conheceram como estudantes no Curtis Institute of Music na Filadélfia. Eles se uniram em 2008. Mas o violista deixou o grupo no verão passado, sendo substituído pelo violista Hezekiah Leung.
Uma mudança repentina para 25% do pessoal de qualquer grupo, especialmente com a extrema intimidade necessária para atuar no mais alto nível, é uma mudança sísmica. Essa velha piada reveladora – um quarteto de cordas é como um casamento entre quatro pessoas sem os benefícios adicionais – sugere que Leung e seus colegas terão muita fusão mental e ligação espiritual antes de encontrar um novo equilíbrio.
No domingo, eles abriram com o Quarteto “Kaiser” de Haydn, um dos mais executados da vasta produção do compositor no gênero. Foi a sutileza e o brilho de Haydn em seus quartetos de cordas que codificaram a forma para as gerações futuras – sua natureza conversacional, sua seriedade e, muitas vezes, o local das ideias e emoções mais profundas e profundas de muitos compositores, de Beethoven a Debussy a Shostakovich e Steve Reich.
Assim, com um novo membro, foi fascinante ouvir o Dover neste repertório clássico.
O primeiro movimento do Haydn foi especialmente rápido e brilhante, tocado com sorrisos unificados e alto astral. O violoncelista Shaw, um músico maravilhoso com um tom requintado, ajudou a definir o clima com suas frases animadas, o tipo de detalhe interpretativo inesperado, mas perfeito, que caracterizou o grupo. Seus equilíbrios superperfeitos e suavidade de entonação, com muito vibrato, mas nunca muito grosso, tornavam difícil imaginar Haydn melhor. A química no palco parece estar no lugar.
O segundo movimento muito sussurrante, com breves solos de cada membro apoiado pelos outros, foi uma chance de ouvi-los isoladamente. Os violinistas Link e Lee, distintos em caráter e som, se encaixavam em estilo e pareciam combinar a pressão do arco e os golpes. O violoncelo de Shaw tem uma personalidade calorosa e perspicaz sem ofuscar seus parceiros. Violist Leung ficou um pouco afastado, seu tom um pouco mais adstringente, seu arco visivelmente mais forte. Esses são assuntos sutis e serão resolvidos com muitas, muitas horas a mais de tempo juntos.
O movimento lúdico e saltitante do Menuetto foi apresentado como retórica, onde você quase pode ouvi-lo como um discurso proferido por um ator habilidoso, enunciado de forma limpa. No final, uma pequena figura animada aparece, tocada pelo primeiro violino. Link nos fez pensar que era espontâneo, como se todos estivessem surpresos e tivessem que reagir. Momento a momento, eles estavam redescobrindo o repertório central. Que alegria.
Mas não para todos. Como pode acontecer quando uma peça musical assume importância nacional, uma melodia pode carregar a bagagem da história posterior. Depois de escrever um hino comovente para o imperador austro-húngaro em 1797, Haydn retrabalhou o tema sussurrante como o segundo movimento do que ficou conhecido como o Quarteto “Kaiser”. O hino, com palavras anexadas, foi adotado como hino nacional da Alemanha durante a República de Weimar na década de 1920 como “Deutschland über Alles. Mais tarde, foi usado e maltratado pelos nazistas e continua sendo o hino nacional da Alemanha. (No intervalo, um membro da platéia se aproximou de mim, irritado porque o Quarteto “Kaiser” estava no programa, com suas conhecidas ligações com a propaganda nazista e o horror. Ela implorou, na verdade: Há tantos quartetos de cordas de Haydn, por que sempre Este?)
Com o microfone na mão, o violoncelista Shaw nos apresentou o Quarteto para cordas em um movimento de Amy Beach, op. 89, uma obra que o ainda subestimado compositor americano terminou em 1929 (mas não foi publicada até 1994). O Quarteto foi aparentemente inspirado por três melodias Inuit e remodelado por Beach em seu estilo neo-romântico influenciado por Brahms – com toques das harmonias modernistas que eram ascendentes no início do século 20.
A abertura é lenta, densa, quase dissonante mas suave. A viola, como nossa narradora ou guia, introduz a primeira das principais melodias como um lamento assombrosamente belo, e as outras preenchem as texturas. Novos temas são apresentados pela viola e expandidos pelo quarteto, construindo uma seção fugal animada. Há uma aresta ligeiramente áspera neste trabalho, não apenas como música folclórica, mas com um sentimento real ao ar livre. A música finalmente começa a brilhar e a ficar calma no final. É um trabalho extraordinariamente belo e contemplativo, executado com simpatia.
O Quarteto de Cordas nº 10 de Dvořák em mi bemol, apelidado de “eslavo”, seguiu o intervalo. Terrosos, cheios de cor e com uma forte força vital, os quartetos de Dvořák desempenham um papel duplo – o que ajuda a explicar a popularidade duradoura de todo o gênero de quarteto de cordas, especialmente no século XIX. Essas obras foram projetadas para “amigos se reunirem e passarem por elas”, como Shaw disse ao público, portanto, os editores estavam ansiosos para encomendar obras para o mercado doméstico de produção musical. Mas o melhor deles tinha o tipo de percepção e poder apropriados para se ouvir em salas de concerto.
Essa iteração dos Dovers tocou o quarteto em mi bemol lindamente, com um som grande e folclórico, expressão transbordante e todos os detalhes no lugar. Eles trouxeram a nostalgia suave, com um toque de melancolia, à tona. Esperemos que Spivey os traga de volta em breve. Será fascinante e gratificante acompanhar o novo quarteto em sua jornada de autodescoberta.
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Pierre Ruhe foi o diretor executivo fundador e editor da Artes ATL. É crítico e repórter cultural do Washington PostLondres Financial Times e a Atlanta Journal-Constitution, e foi diretor de planejamento artístico da Orquestra Sinfônica do Alabama. É diretor de publicações da Música Antiga América.
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