Quando se trata de ópera, Spoleto USA é um lugar de experimentação, de exploração e expansão da forma de arte – uma abordagem que remonta a Gian Carlo Menotti, que fundou o festival. A nova diretora geral, Mena Mark Hanna, dobrou o conceito de construir uma temporada em torno de um único tema. Ambas as ideias, juntamente com a política do momento, se juntaram nas três apresentações de ópera deste verão.
O mais esperado deles foi definitivamente a estreia mundial de Omar, a comovente ópera de Rhiannon Giddens e Michael Abels (veja nossa resenha AQUI). Mas também destaque este ano é o Puccini’s La bohème e de Karim Sulayman Guerras Profanas
La bohème é definitivamente uma ópera, uma das mais populares do mundo. Esta produção, vista pela primeira vez no Detroit Opera, é a criação de Yuval Sharon, um diretor de palco imaginativo mais conhecido por sua Crepúsculo: Deuses adaptação de garagem do Wagner’s Götterdämmerung durante a pandemia. Ele é o único americano a dirigir o Bayreuth Festspiele. de Sharon La bohème é relativamente convencional com algumas reviravoltas muito significativas: ele executou os quatro atos na ordem inversa e eliminou o intervalo para que, com alguns cortes, se tornasse uma ópera de um ato de 100 minutos.
Em extensas discussões em torno da produção, Sharon indicou que queria libertar a ópera das convenções sérias, mas também deixá-la prosseguir “da escuridão para a luz”. Há um aspecto de truque nisso, mas é um experimento fascinante. Se não agregar um grande insight, funciona surpreendentemente bem, pelo menos para veteranos de ópera familiarizados com o trabalho – de forma alguma a maioria do público aqui. Em algumas óperas, você precisa ouvir os atos finais com a música anterior ainda ecoando em sua cabeça, mas La bohème não parece estar nesta categoria.
Sharon e sua equipe de design (incluindo o veterano cenógrafo John Conklin) deixaram o cenário na Paris de 1830, com figurinos de época, mas eliminaram os cenários, apresentando a ópera inteira em um disco rotativo que lembra o “schiebe” de Wieland Wagner de 1951 com alguns adereços, cartazes feitos à mão especialmente coloridos para as crianças segurarem na cena do Café Momus.
O jovem elenco se apresentou honrosamente no Charleston Gaillard Center, amigo do cantor. O tenor Matthew White e a soprano Lauren Michelle cantaram como Rodolfo e Michelle, respectivamente. A voz de Michelle é ocasionalmente instável, mas tem uma capacidade maravilhosa de florescer. A soprano Brandie Sutton era uma Musetta radiante. Troy Cook foi um excelente Marcello.
Para resolver a confusão da ordem inversa e fazer perguntas de sondagem, foi adicionado um personagem falante, o Wanderer (outro aceno para Wagner), interpretado com dignidade pelo veterano da ópera George Shirley.
Esta foi uma grande noite para a orquestra do festival graças à condução propulsiva de Kensho Watanabe, que de alguma forma criou um grande som arrebatador sem sobrecarregar seus cantores.
Guerras Profanas
Um projeto do tenor Karim Sulayman, Guerras Profanas é uma ópera pastiche, montada com extratos de nove obras barrocas. A música original de Mary Kouyoumdkjian une tudo.
Há um corpo substancial de ópera barroca e música de concerto que trata das Cruzadas, sempre a partir da perspectiva cristã europeia. Sulayman escolheu alguns dos exemplos mais sublimes e, ao organizá-los habilmente e encená-los com produções de vídeo e dança, usa-os para mostrar o ponto de vista árabe, juntamente com uma forte mensagem antiguerra.
Três dos trechos foram escritos por Claudio Monteverdi, e seu cenário da história de Tancredi e Clorinda tornou-se o núcleo da noite. Tancredi, um cavaleiro cristão, estava apaixonado por Clorinda, uma guerreira muçulmana, a quem ele involuntariamente matou em batalha, não conseguindo reconhecê-la na escuridão sob sua armadura. Despojada da conversão de Clorinda no leito de morte, soberbamente coreografada (por Ebony Williams, com Coral Dolphin como dançarino duplo) e apresentada em frente a projeções de vídeo de uma Jerusalém em chamas (por Kevork Mourad), é uma peça potente de teatro. Teria ressoado a qualquer momento, mas as imagens de guerra têm uma potência especial agora.
O trecho final e mais familiar, “Lascia ch’io pianga” da ópera de Handel Rinaldotermina com “em meu sofrimento, peço misericórdia”, uma oração que ressoa após esta meditação sobre “guerra santa”.
Pontuação intersticial de Kouyoumdjian, todos pré-gravados, drones e solfejo efetivamente usados.
A produção, de Kevin Newberry, usou cordas para delinear limites e ilustrar emaranhados, românticos e violentos. As projeções de Kevork Mourad costumavam usar desenhos semelhantes a desenhos animados de antigas cidades do Oriente Médio à medida que eram construídas, reduzidas a escombros e reconstruídas.
Sulayman é um tenor soberbo, com um calor e ternura naturais, mas a capacidade de projetar emoções mais duras. Os papéis femininos foram cantados por Raha Mrzadegan, que tem uma voz de soprano flexível e adequada ao repertório barroco. Eles se juntaram ao baixo-barítono John Taylor Ward. Ward é bastante jovem, alto e marcante, com um som distinto e poderoso. Todos os três cantores eram dançarinos dramaticamente eficazes, constantemente em movimento junto com a Sra. Dolfin.
Um conjunto de instrumentos de época de oito peças foi habilmente liderado por Julie Andrijeski, que também tocava violino. A famosa acústica do Dock Street Theatre foi um verdadeiro banquete musical.
Música de câmara
A programação de música de câmara aqui, por si só, constituiria um dos melhores festivais de câmara da América. Se a programação deste ano parecia ter menos artistas marquises, compensou isso introduzindo novos com uma série de shows cuidadosamente selecionados, cada um apresentando “algo antigo, algo novo”.
Como de costume, há 11 programas, cada um repetido 3 vezes, todos no Dock Street Theatre. A primeira delas – a única que pude ouvir – estava programada para abrir com o Quarteto de Cordas da ópera de Richard Strauss, Capricho. A violista Leslie Robinson estava impossibilitada de se apresentar devido a uma doença, então, em vez disso, temos o Quarteto de Oboé de Mozart com uma reviravolta: em vez de um oboísta, temos Steven Banks, que tocou a parte de oboé em seu saxofone tenor. O efeito foi deslumbrante: o som mais brilhante e ressonante do instrumento de Bank foi totalmente cativante. O conjunto incluía Geoff Nuttall no violino, Ayana Kozasa na viola e Paul Wiancko no violoncelo.
Kozasa voltou com Wiancko para realizar um trabalho mais recente, Caroline Shaw’s Calcário e feltroum dueto para violoncelo e viola que alterna entre pizzicato e arco para sugerir os efeitos acústicos de várias superfícies em diferentes sons, procedendo em um arco de descoberta.
Para finalizar, o excelente Quarteto de Cordas St. Lawrence tocou o Quarteto de Cordas de Mozart em Mi bemol maior, com Kozasa substituindo Robinson. Nuttall, o primeiro violino do conjunto, também é o “anfitrião” dos programas de câmara aqui, que envolvem uma rotina bastante ampla de comédia. Por exemplo, este programa incluiu um jogo, originalmente parte do alcance do festival para crianças de escolas locais, onde o público foi convidado a gritar assuntos para composição que foram listados em um tablet. Os músicos então conferenciaram e improvisaram, deixando o público adivinhar qual das sugestões eles tinham acabado de tocar. Foi divertido, mas junto com as piadas e outros truques, tudo isso consumiu talvez um terço do tempo total do show. Às vezes é melhor apenas tocar a música, especialmente com artistas tão talentosos.
O Festival Spoleto, que também inclui teatro, dança e jazz, entre outras categorias de artes cênicas, continua sem parar até 12 de junho. Alguns eventos podem estar esgotados, mas a maioria ainda está disponível. Para horários completos e ingressos, acesse o site Spoleto.