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É fácil ficar viciado na música de Anna Clyne. A Orquestra Sinfônica de Atlanta está agora nesse caminho satisfatório.
A compositora britânica, ainda jovem aos 42 anos, escreveu várias pequenas obras-primas que estão sendo executadas amplamente, incluindo um concerto melancólico e carregado de emoção para dois violinos chamado “Príncipe das Nuvens” e um memorial intenso, discreto e triste para sua falecida mãe, “Dentro de Seus Braços”. Cada nova peça de Clyne promete ser algo realmente especial.
Quinta-feira no Symphony Hall, a ASO tocou “Sound and Fury” de Clyne. (Em fevereiro próximo, a ASO também apresentará a fluida “The Midnight Hour” de Clyne.)
“Sound and Fury” parece mais curto do que seus 15 minutos, em parte porque está em constante movimento giratório. Desde o início há grande vitalidade da orquestra, com pequenos tornados de atividade passando pelo palco. A música está em seis partes conectadas e tem uma sensação absorvente, de fluxo de consciência, levando o ouvinte junto. Há muita coisa acontecendo para chamar isso de arte minimalista, mas em algum lugar no meio você sente que a música pode estar em um loop ou se movendo em blocos de som.
Em sua nota de programa, a compositora diz que se inspirou em duas fontes relacionadas à sua estreia em 2019 com a Orquestra de Câmara Escocesa: Shakespeare’s Macbeth (por razões óbvias) e a Sinfonia nº 60 de Haydn, apelidada de “Il Distratto”, que compartilhava esse programa com “Sound and Fury”. Na música, ela cita trechos do Haydn, que tem a mesma estética dos belos móveis antigos de uma casa moderna. É tudo encantador.
Perto do final, por alto-falantes, ouvimos uma voz (do compositor?) entoar o famoso solilóquio final de Macbeth que começa “Amanhã, e amanhã, e amanhã”. O problema era que a orquestra, sob o comando do maestro convidado Alexander Soddy, era muito barulhenta. Do meu assento, mal conseguia distinguir o texto, até que o compositor acalmou a orquestra com as palavras “Foi uma história contada por um idiota, cheia de som e fúria, significando” – longa pausa – “nada”.
Soddy, um maestro inglês especializado principalmente em ópera e principalmente na Europa, recebeu obras de dois compositores ingleses para sua estreia na ASO. O Clyne saiu razoavelmente bem na primeira audição. Mas a maneira como ele lidou com os trabalhos mais antigos e familiares no programa sugere que ele provavelmente deixou inexplorado muito do que a peça de Clyne contém.
Após o intervalo, ouvimos o discurso de Sir Edward Elgar Variações Enigma. É a música que parece capturar uma fatia inteira da história e da cultura. Não sou cientista político, nem sei muito sobre a estranha psicologia de massa que conecta nacionalismo com masoquismo e xenofobia. Mas parece que o Variações do Enigma, e obras semelhantes de grandeza inglesa, ajudam a explicar por que os britânicos ingênuos e nostálgicos votaram no Brexit. Como a Bretanha já governou os mares, o pôr do sol e muita gente em terras distantes, a pequena ilha confiante imaginou que poderia ser novamente o mestre de seu próprio destino desatrelando-se da Europa. Não importa a logística.
Como o majestoso Variações do Enigmacomposta no auge do império em 1899, os entretenimentos populares de hoje reforçaram esses ideais agora desbotados de pompa e poder ingleses, de filmes Merchant-Ivory a dramas de tela pequena como Downton Abbey e – agora que restaurantes paquistaneses descolados servem a melhor comida do país – a multiétnica Bridgerton. Mas o impulso é sempre deleitar-se com as glórias do império.
Como um conjunto de 14 variações sobre um tema ainda misterioso (daí um “Enigma”), cada seção curta é uma impressão musical de um membro da família ou amigo da cena social de Elgar, rotulado com as iniciais da pessoa. Não é um paradoxo que as peças mais pessoais realmente pareçam incorporar, aos nossos ouvidos, o som da Grã-Bretanha. Elgar, filho de um afinador de piano que se casou com uma pessoa da classe alta inglesa, estava escrevendo em uma grande tela que falava com sua nação.
Infelizmente, o maestro Soddy estragou a maior parte disso. Tudo parecia ótimo, como se Soddy estivesse conduzindo a Última Noite dos Bailes, com a cabeça erguida, postura nobre e grandes gestos. Mas sempre que a orquestra, principalmente descontrolada e soprada, subia acima do mezzo-forte, o som se transformava em mingau sônico.
Ou, falando em psicologia de massa, talvez a própria orquestra fosse o fator limitante. Sem um diretor musical em funcionamento, aproximando-se do fim de uma temporada longa e emocionalmente desgastante, e com um professor substituto no pódio, os músicos eram como garotos malandros da escola. Se ninguém disse aos oficiais para tocarem em silêncio, por que deveriam? Se as entradas e os grandes acordes não estivessem devidamente alinhados, quem iria consertar? Apesar de todas as alegrias de fazer música, deve ser um inferno ser um jovem maestro convidado, trabalhando com uma orquestra pela primeira vez em um salão acusticamente ruim, e os próprios músicos não estão realmente interessados em você ou especialmente investidos em seu programa .
Esse argumento – um maestro talentoso, mas inexperiente, uma orquestra sem autodisciplina – é persuasivo porque todos tocavam belas quando realmente importava para eles, para um deles.
O herói da noite foi Rainer Eudeikis, o principal violoncelista da ASO desde 2019. Ele é um jogador monstro. No Concerto para violoncelo nº 1 de Dmitri Shostakovich, seu tom forte, fraseado elegante e técnica exata mostraram que ele era um músico completo. Soddy ofereceu orientação inteligente e mínima, e todos na orquestra estavam na ponta de seus assentos, alertas e juntos e nunca dominando seu amado colega.
Como o melhor de Shostakovich, o compositor de estreia da União Soviética, o concerto para violoncelo é melodioso e um pouco sarcástico e carregado de significado velado e multidimensional. Eudeikis tocou o segundo movimento sombrio em tons ternos e amorosos, e o dueto curto com o clarinetista Ted Gurch parecia um lamento cantado, ou talvez uma confissão particular. Logo a música fica sonhadora, com dicas de um pesadelo à espreita em algum lugar atrás. Sob os dedos de Eudeikis, os harmônicos sinistros perto do fim eram ao mesmo tempo assombrosos e de alguma forma inocentes, a canção de fantasmas assustados.
A longa cadência solo é o coração do concerto, e Eudeikis fez com que parecesse abstrato e remoto, ou talvez emocionalmente inacessível. Como personalidade por trás de seu violoncelo, a única coisa que parece faltar é a medida final de alto carisma, onde você na platéia acredita que o solista está falando direta e especificamente para tu. Talvez por causa de sua dificuldade insana, nesta cadência Eudeikis tocou perfeitamente, mas guardou principalmente dentro de si para sua interpretação.
Essas reflexões solo são destruídas no final turbulento. Quando o clarinete de Ted Gurch retorna, ele não é mais o companheiro amoroso do violoncelista, mas um demônio escorregadio, um arauto da opressão e talvez da morte.
O ASO e seu principal violoncelista entregaram tudo de forma brilhante, um grande conjunto respirando e tocando como um só. É uma triste notícia para Atlanta que Eudeikis está partindo para a San Francisco Symphony no outono. Como dissemos antes, a ASO finalmente subirá para um nível mais alto entre as orquestras dos EUA quando puder manter seus melhores jogadoresquando o próprio ASO é o destino.
O programa repete sábado às 20h
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Pierre Ruhe foi o diretor executivo fundador e editor do ArtsATL. Foi crítico e repórter cultural do Washington Postde Londres Financial Times e a Atlanta Journal-Constituição, e foi diretor de planejamento artístico da Orquestra Sinfônica do Alabama. É diretor de publicações da Música Antiga da América.
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