Programa da companhia de dança Adinkra Project Histórias revolucionárias, no Windmill Arts Center no fim de semana, foi revolucionário de maneiras inesperadas. Todos os seis novos trabalhos expressaram não a revolução da política e o protesto tão familiar nos últimos anos, mas a jornada radical em direção ao amor-próprio, aceitação e empoderamento.
Com sede em Atlanta, Adinkra tem apenas três anos. É liderado pelo fundador NK Condua, um americano nascido de pais ganenses. O nome da empresa reflete sua herança: Adinkra é um alfabeto de símbolos usado pelo povo Akan de Gana para marcar tecidos, cerâmica e outras superfícies. Os círculos, triângulos, corações e meias-luas deste sistema de escrita único dançam na página, uma inspiração adequada para os dançarinos do Projeto Adinkra ao criarem formas no espaço e uma maneira elegante de Condua honrar sua herança. A hospitalidade ganense também esteve presente no domingo – os primeiros 45 minutos consistiram em um coquetel com bebidas grátis, enquanto artesãos vendiam joias e criações de tecidos.
A apresentação da tarde de domingo começou com Jysenia Nurse sozinha no centro do palco em um vestido preto simples e sapatos Oxford preto e branco. Ela mal reconheceu o público enquanto executava alguns passos lentos no calcanhar. Rapidamente ela aumentou o ritmo, levando a uma enxurrada feroz de ritmos lindamente entregues, todos improvisados.
Seu monólogo percussivo tornou-se um dueto quando Morgan Lett entrou e a encarou, cantando “Lift Every Voice and Sing”. Foi a raiva que alimentou a energia da enfermeira? Fosse o que fosse, marcou o início de uma tarde dinâmica de dança principalmente contemporânea.
A enfermeira saiu do palco sem cumprimentar o público. Ela não estava sozinha. Os dançarinos não fizeram reverências nem pediram aplausos do público até que todas as obras tivessem sido executadas, outra indicação de que este era um programa onde a autoexpressão era mais importante do que o ritual performativo.
Em segundo lugar no programa foi Gritos Inaudíveis, uma obra contemporânea para seis bailarinas do coreógrafo Xavier DeMar. Os dançarinos começaram por ficar juntos em um círculo apertado, torsos fluidos e rolos de cabeça ondulando enquanto a energia fluía de um para o outro ao redor do círculo. Mais tarde, em um gesto poderoso, três deles colocaram a mão em sua garganta como se estivessem sufocando um grito, ou talvez o contrário – encontrando sua voz.
Uma conversa em vídeo com a coreógrafa e ex-aluna da CalArts Whitney S. Jackson a precedeu Nós somos quem somos. Ela foi inspirada, ela disse, pela ideia de viver o momento, assim como nós somos.
Teria sido difícil determinar a mensagem sem a introdução, embora houvesse muita emoção expressa. A certa altura, dois dançarinos se apoiaram, tremendo como se estivessem chorando. A comunidade foi invocada quando os dançarinos deram as mãos ou deram os braços brevemente. O vocabulário de movimento de Jackson incluía estocadas laterais profundas e frases grandes e ousadas que ocupavam o espaço.
Michaela J. Histórias revolucionárias apresentava quatro dançarinos de branco. Começaram sentados em cadeiras, respirando como se estivessem meditando. As frases de movimento que se seguiram não eram particularmente únicas, mas a mensagem aqui era clara. O acompanhamento narrado pedia tolerância em um mundo multirracial, multigênero e inter-religioso.
Michaela J. também coreografou Ser o outroum solo de Keith Asberry definido para “It’s Not Easy Bein’ Green”, a música de auto-aceitação, independentemente da cor da pele, que ficou famosa por Kermit the Frog em 1970 e cantada aqui por Ray Charles.
O trabalho final do programa foi o trabalho da Condua Misericórdia para todos os nove dançarinos da companhia. A enfermeira novamente se destacou, tanto pela técnica limpa quanto pela entrega ousada. No vídeo de abertura, Condua explicou que perdeu o pai e a avó com dois anos de diferença, e a segunda seção do trabalho de três partes mergulhou nessa dor. A seção final foi uma celebração animada misturando dança contemporânea com frases de uma dança social ganesa chamada kpanlogo. Movendo-se ao ritmo emocionante dos tambores africanos, os dançarinos ficaram abaixados no chão, os joelhos dobrados, os pés descalços em harmonia contra o chão.
Essa ênfase no footwork nos trouxe de volta ao solo de sapateado que abriu o programa. O uso de footwork e ritmo em ambas as obras traçou uma linha histórica de formas de dança da África Ocidental aos Estados Unidos. E ressaltou o valor de honrar tanto o passado quanto o presente na identidade de uma pessoa e de um povo.
Nas reverências coreografadas no final, as mulheres eram todas quadris e ombros e atrevidas, os homens de peito nu e orgulhosos. Um final alegre para um programa que não inovou muito na linguagem do movimento, mas, talvez mais importante, celebrou a qualidade revolucionária de auto-aceitação e empoderamento.
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Gillian Anne Renault foi uma ArtsATL colaboradora desde 2012 e foi nomeada Editora Sênior de Arte+Design e Dança em 2021. Ela cobriu dança para a Los Angeles Daily News, Herald Examiner e notícias de balé, e em estações de rádio como a KCRW, afiliada da NPR em Santa Monica, Califórnia. Muitos anos atrás, ela foi premiada com uma bolsa NEA para participar do programa de crítica de dança do American Dance Festival.