Mon. May 23rd, 2022


No meio da última apresentação de Benji Pearson como aprendiz no San Francisco Ballet, ele sentiu seu joelho ceder. Pearson empurrou a dor de lado e continuou a assistir às aulas – em algumas semanas, ele começaria a dançar como um membro do Boston Ballet, e ele não iria começar a ser afastado por causa de uma lesão.

“Senti muita pressão por ingressar em uma nova empresa e causar uma boa primeira impressão”, relembra Pearson, de 22 anos. Então, ele ficou quieto.

Pearson superou a temporada de outono modificando secretamente os movimentos. Mas por Quebra-nozes, a lesão foi agravada. Um membro da equipe artística notou que ele guardava cautelosamente o joelho no ensaio “Russo” e puxou-o de lado, dizendo-lhe para fazer uma avaliação.

“Eu estava com muito medo de dizer a eles que algo estava errado”, diz Pearson. Temores sobre o elenco e o contrato da próxima temporada encheram seus pensamentos. Finalmente, depois de dançar em um menisco rompido por mais de um ano, ele procurou tratamento durante o período de entressafra.

Dançarinos em macacões verdes marcam longas linhas de tendu contra um palco preto
Benji Pearson (centro) em Blake Works I. de William Forsythe. Foto de Angela Sterling, cortesia do Boston Ballet

Desde muito cedo, os dançarinos são ensinados que a dor vem com o território, diz Ronni Favors, diretor de ensaio do Alvin Ailey American Dance Theatre. “A dança não é natural”, diz Favors. “Estamos levando nossos corpos a extremos.” Pense em uma dançarina jovem e impressionável desenvolvendo suas divisões ou quebrando em sapatilhas de ponta pela primeira vez – basicamente tudo dói.

“Estamos tão acostumados a estar cercados por colegas dançarinos lidando com o mesmo ou pior do que nós”, diz Pearson. “Por que eu falaria abertamente ou me retiraria disso quando as pessoas estão passando por muito mais dificuldades e ainda estão dançando?”

Sarah Edery-Altas, especialista clínica e fisioterapeuta do Harkness Center for Dance Injuries da NYU Langone, encontra dançarinos que enfrentam lesões diariamente. “Eles meio que sabem que isso não está certo”, diz ela, “mas é apenas normalizado na cultura da dança”. Os retratos da cultura pop de dançarinos dispostos a priorizar o desempenho em vez da saúde – pense Os sapatos vermelhos e Cisne Negro—Não ajude com este problema sistêmico.

Peter Boal, diretor artístico do Pacific Northwest Ballet, está familiarizado com a ginástica mental e a racionalização que passam pela cabeça de um dançarino. “Muitas vezes você questiona o quão válida é a dor, ou quanta voz você deve dar a essa dor”, diz ele. “Você tem centenas de conversas assim consigo mesmo.”

Todos, desde o público até a equipe artística e outros membros da companhia, esperam que os dançarinos se apresentem como etéreos e sobrenaturais, mas permaneçam resistentes e capazes nos bastidores.

“Os dançarinos têm que passar por muitos desafios para que isso aconteça”, diz Edery-Altas. “E isso inclui não cuidar de si o tempo todo pelo bem de seu público.”

Quando os ferimentos inevitavelmente surgem, os dançarinos sentem vergonha, estigma social e uma tremenda pressão para se recuperar o mais rápido possível. Isso significa correr o risco minimizando a gravidade ou ocultando-o completamente devido ao medo.

A ironia é que a maioria dos dançarinos sabe que dançar sobre uma lesão é destrutivo e pode prolongar o processo de cura. “É uma relação estranha que temos com nosso corpo, porque estamos sempre tendo que empurrar para realizar o que precisamos”, diz Favors. “Mas, ao mesmo tempo, temos que ser capazes de ouvir e tomar nota se algo não estiver certo.”

Julia Radick, ex-dançarina profissional que está fazendo doutorado em fisioterapia, sofreu de espasmos crônicos nas costas durante anos enquanto dançava com o Les Ballets Jazz de Montréal e o NW Dance Project. Ela suportava a maioria dos dias e apresentações tomando relaxantes musculares e medicamentos antiinflamatórios, “o que provavelmente era ruim”, ela admite. Nos dias em que os espasmos eram tão fortes que ela não conseguia andar, ela dizia que estava doente em vez de admitir que estava ferida.

“Eu mentia para meu chefe o tempo todo porque tinha muito medo de dizer a verdade”, diz Radick. “Sempre que eu falava, ficava perdendo partes ou oportunidades e apenas sentindo que tinha feito algo errado ao me machucar.”

Para dançarinos que atuam em shows sem a rede de segurança de seguro saúde ou compensação do trabalhador, as apostas são ainda maiores. Em 2014, durante uma ligação, o dançarino freelance Jeffrey Sykes deu um pulo e ouviu um “pop” audível em seu tornozelo, mas continuou dançando. O coreógrafo queria vê-los repetir a frase. “Não havia outra maneira de provar meu valor a não ser dançando naquele momento”, diz Sykes, 34 anos. Sykes agendou o show e passou os meses seguintes cobrindo a torção de tornozelo. Fizeram amizade com um acupunturista, conseguiram descontos nas consultas e aproveitaram o equipamento de ginástica em seu trabalho de preparação física, tentando se automedicar em silêncio. “Não contei a ninguém, não tirei folga”, dizem. “Eu envolvia meu tornozelo todos os dias, tomava Advil e acabou se tornando uma lesão crônica no tornozelo.”

Mudanças culturais não acontecem da noite para o dia, mas existem algumas etapas óbvias que podem interromper esse ciclo de cima para baixo.

“Vai levar anos para isso”, diz Radick, “mas as pessoas na frente da sala precisam parar de envergonhar dançarinos por se machucarem”.

Uma melhor educação sobre prevenção e reabilitação de lesões é muito importante: “Os professores estão começando a trabalhar de um cérebro mais anatômico e de um ponto de vista realista”, diz Favors. Incentivar os alunos a trabalhar dentro da estrutura do corpo e diferenciar entre dores “boas” e “ruins” pode amenizar parte do estresse que os dançarinos colocam em seus corpos, diz ela.

O financiamento para pagar por ferramentas de prevenção de lesões – como equipamentos de recuperação de alta tecnologia ou academias para treinamento cruzado apropriado – também permitiria que os dançarinos se concentrassem na cura e, por fim, tivessem uma carreira mais prolongada na profissão fisicamente exigente.

“Simplesmente não há a mesma quantia de dinheiro no que fazemos como em outras arenas que exigem que seu corpo seja colocado em risco”, diz Elizabeth Burke, diretora de ensaio e co-capitã do Dorrance Dance.

A comunicação estreita entre a equipe artística, a equipe médica e as partes interessadas financeiras ajudaria a equilibrar as diferentes prioridades dos grupos, diz Edery-Altas. Por exemplo, em um mundo ideal, os profissionais de saúde trabalhariam com os coreógrafos no início do processo para entender as demandas físicas da peça, diz ela. Em seguida, um programa de prevenção específico para a coreografia e os dançarinos individuais no trabalho poderia ser desenvolvido para ajudar a prevenir lesões por uso excessivo. O trabalho nesse sentido já está começando a acontecer em algumas empresas como o Atlanta Ballet.

Uma sapateadora branca se lança para frente, com os braços abertos para os lados para se equilibrar, na frente de outra dançarina
Elizabeth Burke se apresentando com Dorrance Dance. Foto de Noor Eemaan, cortesia de Burke

Robert “Tony” Wright, um dançarino de estilo livre de St. Petersburg, Flórida, e coordenador de visão do Dance Artists ‘National Collective, diz que os dançarinos precisam de canais para se defenderem, especialmente freelancers que podem aceitar empregos por meio de acordos casuais de aperto de mão. O DANC pretende consertar isso dando aos dançarinos freelance um modelo de contrato para ajudar a negociar condições de trabalho seguras e equitativas, diz ele. O contrato inclui coisas que podem ajudar a prevenir lesões, como ter tempo e espaço para se aquecer adequadamente e o protocolo a ser seguido se um dançarino se machucar, como garantir que os dançarinos sejam pagos integralmente por observar um ensaio durante a lesão.

Dentro das empresas, os bailarinos podem garantir que os outros artistas tenham apoio e espaço para fazer uma pausa devido a lesões. “Ter substitutos reais seria enorme”, diz Radick, porque os artistas sentiriam que tinham a opção de se demitir sem que todo o empreendimento desmoronasse.

“Os dançarinos colocam uma enorme pressão sobre si mesmos”, diz Boal. “Eles sentem o dever de ajudar a empresa, o show e seus pares. Você não deve desvendar a tapeçaria que foi montada removendo um fio. ”

Mudanças imediatas no sistema podem parecer impossíveis, mas os dançarinos têm a capacidade de afetar a forma como existem dentro dele e realizar mudanças, diz Favors. “Não acho que você faça nenhum favor a si mesma permanecendo muda e sendo prisioneira de nosso próprio medo de falar abertamente”, diz ela. “Como disse Martha Graham: ‘O corpo nunca mente’, e se houver algo errado, isso vai aparecer mais cedo ou mais tarde.”

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