Em sua mais nova coleção de pinturas, O palco do espelho – em exibição na Bill Lowe Gallery até 7 de janeiro – Michael David confirma sua reputação como um expressionista abstrato que nunca adorou no altar da pintura segura, educada e decorativa.
Sua técnica de jogar encáustica para construir uma pintura – que leva anos em muitos casos – foi comparada ao método orientado para a ação de Jackson Pollack de trabalhar em suas telas de cima. Mas quando David foi longe demais fisicamente, acabou pagando um preço alto.
O processo encáustico requer o aquecimento de cera de abelha e vernizes enquanto se trabalha com calor contínuo para fundir camadas de arte de cera.
Sob condições adequadas, o método é seguro. David, no entanto, estava trabalhando em um estúdio mal ventilado e foi envenenado por gases tóxicos que se acumularam com o tempo. Como resultado, ele ficou parcialmente paralisado, mas seu foco na intenção, convicção e transformação por meio da arte permaneceu inabalável.
As obras de David estão incluídas em coleções públicas permanentes do Metropolitan Museum of Art, do Guggenheim Museum e do Brooklyn Museum, mas ele não faz distinção entre a chamada alta e baixa arte.
Ele é um onívoro inspirador, tanto para se referir a Orson Welles ou Bruce Lee em uma pintura quanto para citar David Bowie ou os Beatles. E ele não é estranho à música. Ele foi um pioneiro na cena punk rock de Nova York quando era baixista do Numbers; ele descreve o punk rock como sua igreja.
“Sempre quis que minhas pinturas tivessem o imediatismo, a realidade, o perigo e a presença que senti naquela música”, diz David, que desistiu de tocar em uma banda para pintar em tempo integral. “Quando eu saí do palco. . . Eu queria algo tão intenso, imediato e transformador quanto a experiência que tive no palco.”
O trabalho mais recente de David oferece toda a intensidade, imediatismo e transformação que ele buscou ao longo de uma carreira de 40 anos. Da mesma forma, há uma leveza, iridescência e translucidez em sua expressão recém-descoberta que não apenas encoraja a auto-reflexão, mas desafia o espectador a considerar um plano diferente de existência onde a transcendência é uma possibilidade.
Davi conversou com Artes ATL sobre os sonhos, o local que revigorou sua imaginação e sua estrela do norte para encontrar sua voz como artista.
Artes ATL: Qual é a sua filosofia como artista?
Michael David: Quando ensino, sempre digo que você quer três coisas da sua vida: liberdade, coragem para perseguir essa liberdade e integridade para saber quando está fazendo algo para agradar alguém [versus yourself] e possuir a diferença.
Artes ATL: É verdade que suas pinturas espelhadas tomaram forma em um sonho?
Davi: Sonhei com a base, o alcatrão, o vidro quebrado – e minha visão do que poderia ser era tão direta e sem filtros que fui imediatamente preso e levado a completar a série. Jasper Johns sonhou com as bandeiras. Paul McCartney acordou com a melodia de “Yesterday” na cabeça. Às vezes, quando surge a oportunidade de ser um canal, você tem que fazer.
Artes ATL: Você criou este trabalho em apenas seis meses. Como o ambiente informou e inspirou o trabalho?
Davi: Minha parceira de pintura, Astrid Dick, e eu alugamos a casa de Judy Pfaff no vilarejo de Tivoli, Nova York. [Pfaff is considered by many critics to be the pioneer of installation art.] Trabalhamos em um celeiro de 2.000 pés quadrados com teto de 30 pés que ficava a três minutos a pé de sua casa. O simples fato de poder caminhar até o estúdio foi um presente. E trabalhar ao lado de um artista que tinha a paixão pela pintura que eu tinha quando tinha 25 anos era um sonho de pintor.
Também realizamos leituras de poesia. . . onde descobri que os poetas são como os pintores costumavam ser, tão livres e abertos, porque não há grandes riscos no negócio de escrever poesia.
Artes ATL: Conte-me sobre a peça que você nomeou para Astrid.
Davi: O título, Lua Rosa (Para Astrid), é baseado na mais bela canção de amor já escrita [Nick Drake’s Pink Moon] . . . e é muito específico para uma noite incrível que compartilhamos no norte do estado – acordar às três da manhã, caminhar pelo terreno, buscar abrigo sob uma árvore quando a neve começou a cair e ver uma lua rosa.
Coincidentemente, eu tinha alguns vidros rosa vintage que eles não fazem mais parados durante todo o verão. Eu estava com medo de quebrá-lo porque o espelho era tão bonito. Mas quando aquela noite aconteceu a pintura ficou clara para mim. Eu sabia o que tinha que fazer, e quebrar aquele vidro foi um ato de fé e destino.
Artes ATL: Você vê esta coleção como uma metáfora para as relações com os outros?
Davi: Mais do que a relação com outra pessoa, estou convidando você, telespectador, a olhar para si mesmo e fazer as pazes com quem você é . . . para desacelerar, reconciliar o quadro completo – incluindo seu quebrantamento – e mediar essa experiência sem que ela o destrua. Somos todos imperfeitos. . . é isso que nos torna humanos e bonitos.
Minhas pinturas também refletem os tempos fraturados em que vivemos hoje. Há uma ansiedade e um deslocamento de baixo nível que são constantes, o que exige uma espécie de compaixão por si mesmo.
Em última análise, esta coleção é sobre a luz. . . a luz que é espelhada através da auto-reflexão e auto-aceitação. Espero que meu trabalho possa servir como um lembrete de que os lugares onde fomos destruídos também são os lugares que deixam a luz entrar e permitem o tipo de cura que pode seguir a auto-reflexão e a auto-aceitação.
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Gail O’Neill é uma Artes ATL editor-geral. Ela hospeda e coproduz Conhecimento Coletivo uma conversaal série que é transmitida na Rede THEAe frequentemente modera palestras de autores para o Atlanta History Center.