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A Orquestra Sinfônica de Atlanta celebrou o talento da Geórgia na noite de quinta-feira, com duas estrelas em ascensão comandando o show. Para ambos os músicos, a ASO deixou uma marca duradoura e, em graus variados, ajudou a moldar sua música e suas carreiras. Um trouxe suas peças de especialidade, o tipo de música que causa uma ótima primeira impressão. O outro trouxe uma estreia mundial.
No pódio estava Jonathon Heyward. Nascido em Augusta, ele ouviu o ASO no Symphony Hall quando criança. Educado nos EUA e depois no Reino Unido, ele fala hoje com sotaque inglês. Agora baseado na Grã-Bretanha e na Alemanha, ele está fazendo sua estréia com orquestras em todo o mundo, entre os maestros mais requisitados da geração mais jovem. Com a abertura nº 3 “Leonore” de Beethoven para todos os fins e a sinfonia satírica nº 9 de Shostakovich no programa, ele estava tocando com suas forças abundantes.
O outro georgiano de destaque foi o baixista Xavier Dubois Foley, um nativo de Marietta agora com quase 20 anos. Seu currículo parece um foguete em ascensão vertical: um graduado do Programa de Desenvolvimento de Talentos da ASO – projetado para promover a diversidade com treinamento e suporte de alto nível – ele participou do prestigiado Curtis Institute of Music da Filadélfia e venceu o Sphinx Competition de 2014. Em 2018, ele recebeu o que é visto como uma espécie de Prêmio Nobel para supervirtuosos, o Avery Fisher Career Grant. Muitos vencedores anteriores são agora celebridades clássicas, do violinista Joshua Bell e do pianista Wuja Wang ao baixista Edgar Meyer, que foi um dos professores de Foley. (Infelizmente, a maioria do público provavelmente desconhecia as conexões locais de Heyward e Foley, já que não havia menção no palco ou no programa.)
Como compositor, a reputação de Foley também está florescendo. A ASO encomendou seu “Soul Bass for Double Bass and Orchestra”, e quinta-feira ouvimos sua estreia mundial. Aparentemente a tinta ainda estava praticamente molhada quando os ensaios começaram. O concerto foi inspirado, diz o compositor, no popular programa de dança e música “Soul Train”. Como aquela icônica festa de dança televisionada dos anos 1970, que conectou artistas e cultura negra a um público muito mais amplo, “Soul Bass” de Foley pretende apresentar “uma mistura híbrida de gospel afro-americano e música R&B. . . infundindo uma forma clássica mais tradicional de escrita com o sabor da alma.”
O concerto de 20 minutos é pontuado em três movimentos contrastantes. É divertido, mas não especialmente funky. “Prelude” abre com um tema ousado e ritmos sensuais de tango. Debruçado sobre o baixo no centro do palco, Foley entra com a parte solo sensual. A coisa toda movimentos. É levemente orquestrado, dando a um instrumento baixo não muito alto muito espaço sonoro para ser ouvido. Existem efeitos interessantes, como uma seção de chamada e resposta. O solista canta cha-cha-cha; a orquestra responde com seu próprio cha-cha-cha. Quando a percussão entra, é demais e eles são muito altos – o tipo de coisa que pode ser corrigida antes da apresentação repetida de sábado ou pode exigir uma revisão rápida da partitura antes de apresentações futuras.
Como prometido, este primeiro movimento está na forma tradicional, com aquela abertura rápida do tango, depois um meio melódico lírico, seguido por uma cadência solo, levando-nos de volta a uma recapitulação da abertura do tango. Por toda parte, Foley tem o baixo solo tocando no topo ou próximo ao seu alcance, suas notas mais altas e mais cantáveis. Mas mantendo a tradição, a cadência de Foley soava quase improvisada, alguns minutos deslumbrantes que mostravam a inteligência do compositor e toda a extensão do instrumento – rosnando desde os graves, ziguezagueando na velocidade máxima até o braço para pousar em emocionantes notas de topo, como um cantor de ópera no clímax de uma ária. A expressividade radiante e o virtuosismo extremo de Foley, perfeitamente afinados, mostravam um jovem mestre em ação.
O segundo movimento, marcado como “Refrão”, começa como um conto de fadas sonhador, com plinks mágicos de harpa e flautas e clarinetes. O baixo entra como se estivesse em oração, lento e contemplativo, mas logo assume uma sensação de busca e improvisação – dois termos que surgem com frequência neste concerto. Há momentos que têm o toque de Americana, de amplos espaços (talvez um aceno para a estética country-folk de seu professor Edgar Meyer?). Assim como as imagens sonhadoras retornam, o clima escurece, mas nunca fica sombrio. As barras da orquestra são tocadas contra uma voz solo emocional e penetrante, e o movimento termina suavemente. Perguntas foram feitas, nenhuma foi respondida.
O movimento final, “Fugue”, foi tão cativante que ouvi as pessoas cantarolando o tema principal no saguão no intervalo. Ele estava citando alguma coisa?
“Fugue” abre com o baixo serrando em grandes acordes e double-stops – onde duas cordas tocam ao mesmo tempo – arrastando-se para a esquerda e para a direita em um ritmo de caminhada. A orquestra entra com uma vibe blues, mas logo esses passos se transformam em uma marcha, que fica evidente quando a caixa chega. Por toda parte, o solista desliza e desliza entre as linhas. Outra cadência virtuosa, uma emocionante construção orquestral, e o concerto termina com um floreio e um espetáculo plunk! do baixo solo. Euforia do público.
Como compositor, Foley ainda está encontrando seu caminho com a orquestração e equilibrando as seções instrumentais. Os músicos da orquestra (e especialmente os percussionistas) às vezes pareciam pouco claros em suas motivações e onde suas partes se encaixavam no grande esquema do concerto, o que levou a alguma hesitação. Ainda assim, Foley, o compositor, está claramente a caminho. Como performer, ele já é sensacional.
A noite começou com “Leonore” nº 3, uma das várias peças que Beethoven escreveu como uma abertura para sua única ópera, que acabou sendo renomeada para “Fidelio”.
Magro em seu terno azul bem cortado, o maestro Heyward é fascinante de se assistir. Sem batuta, às vezes ele sinalizava para a orquestra em gestos de balé, passando as mãos em longos arcos ou moldando frases em movimentos circulares, como um oleiro ao volante. Em outros lugares, parecia que ele estava segurando xícaras de chá invisíveis em cada mão, balançando-as para manter o ritmo. Tudo funcionou.
Seu Beethoven a princípio parecia sensato e cauteloso, mas ele estava construindo estrutura e acumulando poder. Ao contrário da maioria dos regentes estreantes da ASO, ele manteve a orquestra apropriadamente quieta, para melhor explodir à medida que o drama aumentasse. Em alguns lugares ele parecia reger bem à frente da batida, algo que eu não acho que a ASO (ou a maioria das orquestras americanas) esteja acostumada. Para Heyward, mostrou a variedade de ferramentas à sua disposição.
A Sinfonia nº 9 de Dmriti Shostakovich, de 1945, é uma coisa curiosa. É relativamente curto – menos de meia hora – e usa algumas das mesmas frases e imagens musicais das grandes sinfonias escritas pouco antes e anos depois. A linguagem codificada nas sinfonias maduras de Shostakovich dirige-se a dois públicos: Stalin e seus lacaios e dissidentes (privados e públicos) que sofreram sob a opressão soviética.
A Nona Sinfonia é tímida sobre isso. Estique-o um pouco, permaneça em certos pontos, e os pedaços levemente amargos se tornam ácidos. Mas jogue direto, tome cada frase pelo valor nominal, e a sinfonia soa fofa e sarcástica, às vezes um pouco tola. Heyward adotou principalmente a última abordagem, embora as correntes obscuras se recusassem a desaparecer completamente.
Desde a abertura sarcástica/lúdica, Heyward provou ser um intérprete sofisticado da música do compositor soviético. Ele manteve todos os detalhes no lugar, bem cuidados e bem articulados, e o equilíbrio entre as seções da orquestra foi excelente. O maestro ofereceu uma leitura sólida, não tanto com idéias musicais novas ou ousadas, mas capaz de manter a orquestra unida e fazer com que todos tocassem e tocassem juntos. O resultado foi deixar Shostakovich fazer seu próprio caso. Musicalmente polido e atraente, podemos suspeitar que Heyward provavelmente já foi candidato ao cargo de diretor musical da ASO.
Há solos suculentos para muitos dos principais jogadores, que não decepcionaram. As linhas de clarinete de veludo de Laura Ardan, para abrir o segundo movimento, eram maravilhosamente expressivas, cheias de angústia e incerteza.
O melhor de tudo pode ter sido o longo solilóquio de fagote de Andrew Brady, fazendo perguntas existenciais (no sentido de Sartre), bem como perguntas “ser ou não ser” (no sentido shakespeariano), de uma vida em suspensão, paralisada entre medo e ação – talvez refletindo a própria resposta do compositor à opressão pessoal e artística soviética.
Brady, um grande músico, tocou os longos solos com ternura e simpatia, como se estivesse ferido e preso. Seu coração se abriu para ele. Com tudo o que está acontecendo no mundo, era impossível não conectar os gritos lamentosos de fagote de Brady com as vítimas na Ucrânia, sofrendo e com um fim desconhecido, sob ameaça diária de um aspirante a Stalin.
Mas Heyward cortou esse clima no final e despojou-o de quaisquer implicações políticas potenciais. Ele jogou a loucura naquelas páginas finais malucas, soando como música de circo para palhaços psicóticos.
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Pierre Ruhe foi o diretor executivo fundador e editor do ArtsATL. Foi crítico e repórter cultural do Washington Postde Londres Financial Times e a Atlanta Journal-Constituição, e foi diretor de planejamento artístico da Orquestra Sinfônica do Alabama. É diretor de publicações da Música Antiga da América.
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