[ad_1]
É noite de estreia no novo Orquestra Sinfônica de Atlanta! O início da 78ª temporada, com um novo diretor musical, repertório épico, uma nova agenda artística! Champanhe, vestidos de baile e smokings, discursos prolixos – ninguém sabe festejar como o ATL!
Exceto que tudo começa em duas semanas. Nathalie Stutzmann sobe ao pódio pela primeira vez como quinta diretora musical da ASO, com destaque para a Nona Sinfonia de Beethoven, em 14 de outubro.
Mas quinta-feira no Symphony Hall, oficialmente Semana Um da Temporada 78, o show foi um evento mais modesto – intencionalmente suave, talvez, para não estragar o primeiro grande evento brilhante da temporada.
O maestro Peter Oundjian, um convidado regular da ASO, liderou um programa muito parecido com Atlanta, incluindo um concerto para piano de Mozart com um solista favorito, uma obra recente de um jovem compositor e o Danças Sinfônicas.
O destaque da noite, uma nova voz original, estava no meio. Oundjian trouxe com ele Joel Thompson Para Despertar o Dorminhocouma peça que o maestro e seu Colorado Music Festival encomendaram em 2020 durante um ano inflamado de agitação social.
O compositor é local. Criado em Gwinnett County, Thompson é formado pela Emory University e recentemente completou seu doutorado em composição em Yale. Ele está se movendo rapidamente, com grandes encomendas da Houston Grand Opera, da Metropolitan Opera, da Filarmônica de Nova York e muito mais. Sua obra mais comentada é Sete últimas palavras dos desarmados, de 2014, onde cada movimento está ligado a uma vítima negra da violência policial e vigilante, incluindo Trayvon Martin, Michael Brown e Eric Garner. A peça termina com as palavras “Eu não consigo respirar”. Pela estrutura musical e título, ele compara os homens assassinados a Cristo na cruz.
Dentro Para Despertar o Dorminhocopara orquestra e narrador, Thompson foi inspirado pelas “palavras perspicazes e proféticas” de James Baldwin, e ele cita três dos escritos do autor, construindo uma narração perfeita sobre justiça, democracia, tirania e um “vocabulário opressivo que agora não pode suportar o peso da realidade”.
No início, a música explode na cacofonia caleidoscópica. O ouvido de um ouvinte salta por todo o palco como um maníaco, agarrando-se a uma frase ou a um gancho. Logo o que poderia ser uma melodia de banda marcial Ivesiana aparece e desaparece em algum lugar em um matagal. Fica alto. Dissolve-se em amplos blocos de som. As cores orquestrais são muitas vezes deslumbrantes. Como narrador, Thompson – parecendo equilibrado e relaxado em um terno marrom – entra com as palavras “Assim seja! Não podemos despertar o adormecido, e Deus sabe que tentamos. . .”
A prosa elegante de Baldwin, cada linha dela, poderia ser reimpressa para descrever os principais momentos do trabalho de Thompson. O compositor não passa por cima de nada disso, em vez disso, a orquestra oferece um comentário contínuo sobre o texto. Em momentos devastadores, ele sabe afinar a pontuação orquestral e deixar as palavras falarem: “Pergunte a qualquer mexicano, qualquer porto-riquenho, qualquer homem negro, qualquer pessoa pobre – pergunte aos miseráveis como eles se saem nos corredores da justiça, e então você saberá se ela tem ou não algum amor pela justiça, ou qualquer conceito dela.”
Momentos depois, ele evoca o pífaro e o tambor para cercar a linguagem da Guerra Revolucionária: “Quando o poder se traduz em tirania, significa que os princípios dos quais esse poder dependia e que eram sua justificativa estão falidos”.
Quando “princípios sobre os quais um novo mundo será construído” nos levam à resolução, Thompson coloca uma auréola de cordas ao redor, talvez tomando emprestado de serenatas de cordas inglesas terrenas. No entanto, não há nada de clichê em sua escrita, nenhuma sabedoria musical recebida. Thompson tem sua própria história para contar.
A música de Thompson é viva e inquisitiva, em constante diálogo consigo mesma e com o texto. Ele presta muita atenção ao artesanato composicional, sem desperdício de esforço. Ainda há um traço do aluno em sua escrita – um uso excessivo de címbalos enrolados por marretas macias, como um splash metálico em câmera lenta, por exemplo – mas tanta originalidade e energia lúcida e confiança estilística. Ele é uma voz importante a seguir. A ASO, obviamente, deve comissioná-lo imediatamente.
Como convém à noite de estreia, o primeiro foi “The Star-Spangled Banner”. A seção de metais seguiu seus caminhos individuais, então soou como uma apresentação da Oktoberfest da banda alemã de oom-pah-pah mais luxuosa do mundo.
Após o hino, eles começaram o show com um pequeno conjunto da era clássica no palco e o estimado Emanuel Axe no teclado para o adorável e desvalorizado Concerto para Piano nº 18 de Mozart. noite de fogos de artifício.)
Um homem ursinho de pelúcia grisalho, Axe é, como sempre, pura graça e elegância. Em uma boa noite, quase não há mais ninguém que você gostaria de ouvir neste repertório. Para a introdução de marcha do concerto, Oundjian fez as cordas tocarem lindamente e muito calmamente – um bom sinal de que o maestro tinha seus músicos sob controle total. Axe entrou, suas frases tão líquidas, seu toque suave e lírico, mas cheio de profundidade. Havia até indícios de Mozart operístico, maravilhosamente, como se o pianista fosse um Casamento de Fígaro personagem e o ASO estavam acompanhando no poço. Musicalmente, soa verdadeiro.
Eles não conseguiam sustentar essa abordagem. O movimento lento do meio era quente e amanteigado, embora com pouca energia. No final, eles encontraram momentos de intensidade e pareciam estar gradualmente construindo um relacionamento. Mas ao longo do concerto, o todo nunca foi maior do que a soma de suas muitas partes delicadas e encantadoras. (O desempenho de repetição de sábado deve ser notavelmente melhorado.)
É uma loucura, mas desde a pandemia, não houve bis nos shows da ASO – apesar da evidente aprovação do público e apesar da facilidade de aplaudir por mais alguns segundos para render mais uma chamada de cortina, trazendo de volta o solista que humildemente daria obrigado . . . e depois sente-se para oferecer um pequeno presente aos ouvintes agradecidos. Não, não mais. Os encores parecem mais uma atividade amada perdida para o Covid.
Após o intervalo, Oundjian encerrou a noite com o Danças Sinfônicas de Sergei Rachmaninoff, sua última obra, composta em 1940. Mal-humorado, brilhante, pessimista, ao mesmo tempo nostálgico e moderno, o Danças Sinfônicas não são bem dance music, mesmo que cada um dos três movimentos tenha um tema rítmico e dançante. As emoções são mantidas à distância.
Em Atlanta, fomos mimados pela concepção extraordinariamente poderosa do ex-diretor musical Robert Spano sobre esse trabalho turbulento e, para mim, ele parecia tê-lo conduzido de forma tão memorável quanto qualquer coisa em seu repertório. Ele fez soar melhor do que provavelmente é. A interpretação de Spano – e aqui eu simplifico grosseiramente – foi vertical: você estava ouvindo a música para cima e para baixo na partitura completa, em toda a sua complexidade harmônica e conectividade. As vozes interiores às vezes eram trazidas à tona, com um efeito ricamente satisfatório. Tudo parecia muito tridimensional, cheio de energia.
Oundjian, mais tradicionalmente, adotou uma abordagem bastante horizontal – uma distinção sutil, mas real – deixando as longas melodias cantadas se desenrolarem, embora muitas vezes aparentemente sem apoio interno. Soou mais romântico e um pouco kitsch, sem um ponto de vista firme – uma grande declaração que ficou aquém de sua própria ambição.
No entanto, Para Despertar o Dorminhoco, de um grande compositor de Atlanta, não deve ser desperdiçada. O concerto repete sábado às 20h
::
Pierre Ruhe foi o diretor executivo fundador e editor do ArtsATL. Foi crítico e repórter cultural do Washington Postde Londres Financial Times e a Atlanta Journal-Constituição, e foi diretor de planejamento artístico da Orquestra Sinfônica do Alabama. É diretor de publicações da Música Antiga da América.
[ad_2]