As origens e a influência da percussão corporal

Batida. Ressalto. Baque. Paulada. Bate. Bater. Estes são alguns dos muitos sinônimos da palavra “percussão”. Todos eles são apropriados quando olhamos para as formas como as culturas do mundo usam o corpo como instrumento.

Em um programa de perguntas e respostas recente na televisão, os participantes foram desafiados a nomear partes do corpo que poderiam ser usadas como bateria. Ninguém cometeu um erro porque quase todas as partes do corpo podem se tornar um criador de som. Bater palmas, bater e bater em partes do corpo da cabeça aos pés de forma rítmica ou repetitiva é um meio atemporal de intercâmbio humano, seja por prazer, protesto, entretenimento, ritual, cura ou sobrevivência. Jogos infantis de bater palmas com as mãos e com o corpo acompanhados de rimas cantadas ou faladas são comuns em todo o mundo. Para promover a cura e como um antídoto para a ansiedade, dor e estresse, a prática de medicina alternativa contemporânea EFT (Técnica de Libertação Emocional) envolve toques suaves e repetitivos em pontos específicos de pressão da cabeça e do corpo. Os africanos escravizados usavam a percussão corporal como comunicação furtiva – temerosos de seu potencial de mensagens, os proprietários de plantações proibiram o uso de tambores e, para sabotar esse tabu, o corpo negro tornou-se o tambor.

O poder da percussão

A dança juba, trazida para as Américas em Middle Passage – a cansativa jornada marítima de africanos capturados de suas terras natais para viver escravizados em territórios estrangeiros – foi realizada durante as reuniões das plantações. Nesta dança de destreza, uma pessoa entrou em um círculo de movimentos para exibir suas variações extraordinárias em passos de jig, hop e salto e foi acompanhado por um segundo dançarino enquanto o círculo externo alternava girando e permanecendo estacionário. Pattin’ juba, a dança juba acompanhada de palmas, peito e coxas, e a música juba – composta de versos curtos e rimados que pareciam sem sentido, mas carregavam duplo sentido – foram engenhosos ajustes posteriores feitos para acompanhar a dança e enviar mensagens quando os tambores foram proibidos. Pattin’ juba se transformou ainda mais no hambone, uma variação que se concentra na percussão corporal e é executada em pé ou sentado, mantendo o ritmo original da dança. Múltiplos versos, cantados e aplaudidos ou acariciados ritmicamente, podem começar com:

“Hambone, hambone, onde você esteve?
Volta ao mundo e volta novamente.
O que você vai fazer quando voltar?
Dê um pequeno passeio na ferrovia.”

Um interlúdio de cinco batidas de tapas rítmicos em partes do corpo, incluindo peito, quadris, coxas e panturrilhas, cruza cada estrofe cantante, e uma série de outros refrões improvisados ​​podem ser adicionados. Para Rennie Harris, lendário coreógrafo de dança de concerto de hip-hop e diretor artístico de Rennie Harris Puremovement e RHAW (Rennie Harris Awe-Inspiring Works), hambone era uma segunda natureza: “Não me lembro exatamente quando aprendi ou quem me ensinou. Na verdade, nem me lembro de vê-lo ou de ser apresentado a ele – apenas me lembro fazendoisso”, diz ele. “Eu tinha 7 ou 8 anos; isso foi na Master Street, no norte da Filadélfia. Costumávamos sentar na varanda e desafiar uns aos outros, fazendo o hambone, vendo quem conseguia fazer mais rápido, mais limpo. Era um passatempo de verão. Também cantamos a música. Sendo mais velho, eu encontrei pessoas que ainda fazem isso, então é meio interessante e legal. Adicionávamos partes dele aos passos de dança. Eu não aprendi a história disso, pattin’ juba, até mais tarde na vida.”

O que Harris descreve é ​​como as tradições culturais são preservadas e transmitidas – as gerações mais jovens observam, imitam, praticam e improvisam para torná-las suas. A impressionante versão de Harris é uma interpretação única, infundida com a velocidade, paixão, urgência e poder agressivo da agência masculina negra dois séculos depois. Também vemos o legado hambone nas apresentações de passos de fraternidades negras, irmandades e equipes de passos, e como uma diversão adicionada a uma variedade de eventos sociais que vão desde hootenannies brancos dos Apalaches a concertos de jazz negro ou blues, completos com variações nas palavras e improvisação de mão -estilos jive. Tornou-se uma tradição americana.

Espalhando o Ritmo

A batida básica do hambone ganhou uma segunda vida no mundo da música popular. A lenda do R&B dos anos 1950, Bo Diddley, tornou o ritmo hambone de cinco acentos famoso como Bo Diddley Beat, um riff recorrente que foi apropriado por muitos músicos de rock branco.

O sapateado, outro estilo de percussão corporal, impactou quase todas as culturas. Usar os dedos dos pés, saltos e o pé inteiro de forma rítmica vai além de qualquer era ou continente e inclui tradições tão diversas quanto a dança afro-americana, dança irlandesa, entupimento inglês e bharatanatyam do sul da Índia. Além desses exemplos tradicionais, a fusão complexa e polirrítmica do sapateado, combinada com a percussão corporal inspirada no hambone, proliferou com artistas atuais em todos os continentes. A dança de gumboot sul-africana foi transformada em um modo de performance a partir de suas origens de mão de obra de minas de ouro, onde foi criada por garimpeiros negros como um substituto astuto para a conversa, já que os donos de minas brancos exigiam punições severas pela comunicação verbal entre os trabalhadores. Outros spin-offs incluem conjuntos como o colombiano Tekeyé; O Show de Percussão, do Egito; e o Music From The Sole, com sede nos Estados Unidos, que se baseia em influências afro-brasileiras. Esses artistas transformam uma combinação de sapateado e hambone em uma sensibilidade gloriosa e milenar através das lentes do hip hop e do jazz.

A arte do flamenco inclui um tipo especial de batida – zapateado – bem como elementos de percussão corporal que ressoam com hambone. “O Flamenco estava nascendo em meados do século 19. Certamente, com a chegada do cakewalk na Espanha em 1902, os motivos culturais da dança negra foram transmitidos e os artistas flamencos emularam expressamente a dança negra americana”, diz o Dr. K. Meira Goldberg, autor de Sonidos Negros: Sobre a Escuridão do Flamenco. “Novas formas que foram criadas em resposta explícita à competição de artistas negros na Espanha enfatizaram o footwork percussivo e, nos últimos 30 anos, as técnicas de footwork flamenco são cada vez mais influenciadas pelo sapateado e pelo hip hop. É justo dizer que outros modos de percussão corporal (hambone, ou fazer percussão estalando dedos, batendo palmas ou batendo em várias partes do corpo misturados com footwork) também são cada vez mais enfatizados. O flamenco está sempre pronto para absorver novas ideias performativas, e essas ideias são reinterpretadas e reinventadas: Em espanhol, o ditado é ‘Llevarlo a seu terreno‘ ou ‘Faça você mesmo’. ”

Dançarinos de flamenco contemporâneos, como o intrigante El Yiyo, desenvolveram um estilo que, como o de Harris, é tão rápido quanto a internet, tão intenso quanto um relâmpago, e vive no presente enquanto se mantém orgulhoso sobre os ombros da tradição. Goldberg acrescenta que na dança campestre dentro da tradição espanhola do villano do século XVII, o dançarino “não apenas pisa e pula, mas também bate na sola de seus sapatos com a mão”. Exemplos deste estilo, muitas vezes associado a estereótipos ciganos, incluem a Moiseyev Ballet Company’s Dança dos ciganos da Bessarábia. Além de seus característicos chutes de agachamento – kazatskys – os dançarinos saltam alto enquanto batem palmas, batem nas coxas e nos calcanhares e batem no peito. Como na dança caipira espanhola, a percussão corporal no villano está associada ao estereótipo de “abandono selvagem” de uma cultura de fora – ou seja, no contexto do flamenco, os ciganos.

A Indonésia também tem sua parcela de tradições de palmas corporais. A Saman (“dança de mil mãos”) da etnia Gayo de Aceh, Sumatra, é conhecida em toda a ilha e realizada por grandes grupos para celebrar ocasiões especiais. Os dançarinos sentam-se no chão com as pernas cruzadas ou dobradas sob eles, torsos eretos. Embora também existam apresentações de gênero misto hoje, os conjuntos eram tradicionalmente separados por gênero: as mulheres dão tapinhas suaves no peito e nas coxas acompanhadas de palmas, cantando e movendo ritmicamente o tronco e a cabeça, enquanto os homens se movem vigorosamente e torneiras tornam-se tapas. O desempenho de Saman atinge o pico quando os dançarinos aceleram no ritmo mais rápido possível, mantendo a clareza do som e a limpeza dos movimentos.

Abraçando o legado

Explorar a percussão corporal reforça o entendimento de que tudo que nós humanos criamos tem raízes em algo que veio antes. Mesmo as inovações mais sublimes têm um precedente. Como Harris declarou anos atrás, o hip hop é “a forma contemporânea de dança africana”. Da mesma forma, a pesquisa de Goldberg investiga as múltiplas, muitas vezes invisibilizadas, raízes do que hoje é o flamenco. As riquezas ocultas do “antes do tempo” tornaram-se disponíveis globalmente, graças às mídias sociais, YouTube, plataformas de streaming e turnês internacionais de artistas de todas as origens.

Curiosamente, os movimentos de hip-hop e a música atuam como um fator unificador, atravessando divisões culturais, de classe, raciais e econômicas, transgredindo diferenças, borrando fronteiras e permitindo que uma geração atual de artistas viaje além das supostas limitações de seus gêneros, experimente coisas novas e experimentar outros reinos. De corações batendo, pulmões respirando e sangue pulsando a pés batendo e batendo palmas, os corpos são caixas de batidas eficazes e criadores de ritmo. Apesar de todas as probabilidades – e além de nossas expectativas mais loucas – ainda temos nossos corpos beatbox e podemos declarar corajosamente: “Em corpos em que confiamos”.