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Em um ensaio para Emily Johnson Ser Futuro Ser no início deste ano, ela e o elenco decidiram passear do Abrons Arts Center, no Lower East Side de Nova York, até o East River Park, onde Johnson está envolvido na proteção de 1.000 árvores de um projeto de demolição.
Quando começaram a ensaiar, os caminhões chegaram. “De repente, estávamos tendo esse momento de defender o parque através da dança”, diz a integrante do elenco Stacy Lynn Smith. Com o caminho bloqueado por defensores da terra enquanto o elenco de Johnson continuava dançando, os caminhões finalmente desistiram e foram embora.
Isso não foi uma performance em si. Mas tinha todos os elementos que tornam o trabalho de Johnson e de sua empresa, Catalyst, tão transformador: um poder silencioso que reúne artistas e público em direção à sua visão; um estranho alinhamento com o mundo natural; uma conexão profunda com sua identidade Yup’ik; um desrespeito pelos silos de arte versus ativismo, performance versus protesto, dançarino versus protetor da terra.
Criada no Alasca nas terras de Dena’ina, Johnson cresceu não dançando, mas brincando na floresta fora de sua casa, caçando e pescando com sua família. Ela também jogou basquete, uma das primeiras instâncias do caso de amor com a resistência que definiu grande parte de seu trabalho coreográfico.
Em seu primeiro ano na Universidade de Minnesota, Johnson se inscreveu para uma aula de dança moderna por diversão. No meio daquele ano, sua colega de quarto e amiga íntima faleceu inesperadamente. Depois de fazer uma pausa em sua aula de dança, Johnson voltou para descobrir que os alunos estavam trabalhando na improvisação. Quando ela começou a improvisar, com os olhos fechados, “eu pude ver a dor se afastar um pouco do meu corpo”, diz ela. “Lembro-me de pensar, Oh, esta deve ser uma forma muito poderosa.”
Depois de se formar em 1998 com um diploma de dança, Johnson começou a coreografar na área de Minneapolis, com um grupo de colaboradores que se tornaria uma iteração inicial do Catalyst. Uma linhagem clara pode ser rastreada até os primeiros trabalhos, que, como seus projetos atuais, estavam preocupados com resistência, mudanças climáticas e futuros centrados nos indígenas. Seu interesse em “destruir a ideia de que o público está entrando em algo muito precioso, ou no qual eles não estão envolvidos” começou cedo também, embora em termos mais simples – ela se lembra de uma peça para a qual sua mãe fez pipoca de uma máquina alugada e compartilhou com os membros da audiência.
Johnson chamou a atenção nacional em 2011 com seu trabalho imersivo vencedor do Bessie A Barra de Agradecimentosa primeira parte de uma trilogia que incluiu Niicugniapresentando um elenco de dançarinos e membros da comunidade dentro de uma instalação de lanternas artesanais de pele de peixe, e COSTAum evento de vários dias envolvendo dança, contação de histórias, voluntariado e festa.
À medida que o trabalho de Johnson cresceu em escala, também se expandiu para além das ideias tradicionais sobre o que a performance implica e onde ela acontece. Mas quando suas peças incluem uma refeição, ou um passeio, ou uma ação, esses não são eventos secundários periféricos que sustentam a parte que é mais reconhecidamente dança. Para Johnson, todos são iguais – todos são performance, são todos dança.
Leva Então uma voz astuta e uma noite que passamos olhando as estrelas, sua peça mais ambiciosa até hoje. Um encontro ao ar livre para 300 participantes – estreou na Randall’s Island em Nova York em 2017 e fez uma turnê no Calumet Park em Chicago – a peça acontece ao longo de uma noite inteira e conecta momentos de dança, preparação de comida, alimentação, contação de histórias e costura. Quando um membro da plateia adormecia, outros ajudavam fornecendo uma das 84 colchas desenhadas pela artista têxtil Maggie Thompson, de Minneapolis. As colchas serviram de “casa” para o show e foram confeccionadas por voluntários de todo o mundo.
Nesta peça, como em grande parte do trabalho de Johnson, as fronteiras entre os artistas e o público entram em colapso. Isso é verdade mesmo em espaços de performance mais tradicionais: no The Barra de agradecimento, por exemplo, Johnson bate o nome de todos na platéia em seu peito com crachás. “Toda pessoa que assiste ao trabalho dela se sente vista”, diz Rob Bailis, diretor artístico e executivo da BroadStage em Santa Monica, comissário da Ser Futuro Ser. “Emily colabora com seu público de uma forma que poucos coreógrafos fazem.”
O trabalho de Johnson é mais transformador quando essa colaboração com o público se cruza com os universos radicais que ela cria. “Para a maioria dos artistas que fazem esse tipo de trabalho desestabilizador, eles intimidam o público a ponto de não saberem como estar lá”, diz Bailis. “Emily faz isso de uma maneira em que você se sente tão segura, tão confiável e tão acreditada como ser humano que você é atraído até a possibilidade de ver as coisas sem as estruturas que fazem você imaginar que o mundo é fixo. Ela recebe tanta confiança de você em poucos minutos.”
O novo mundo que Johnson imagina em seu trabalho é o mesmo para o qual ela está trabalhando fora do palco (embora até mesmo traçar essa distinção provavelmente vá contra o ethos de Johnson). Ela tem sido parte integrante da parceria com instituições na cidade de Nova York, para onde se mudou em 2014, em ações descoloniais, inclusive reconhecendo a terra indígena roubada em que seus teatros ficam. (Hoje, tornou-se mais comum para locais de dança na cidade de Nova York incluir um reconhecimento de terra falado antes do show, uma mudança que muitos atribuem diretamente à influência de Johnson.) Ela continua a trabalhar com vários locais, como o Abrons Arts Center, na descolonização suas instituições e co-lidera uma trilha de oito meses com Ronee Penoi para apresentadores sobre descolonização como parte das Artes Cênicas das Primeiras Nações, uma nova iniciativa focada na capacitação do setor de artes cênicas indígenas e não indígenas.
Os processos de descolonização sempre estiveram entrelaçados com seu trabalho e, em 2021, Johnson formalizou seu desejo de que seus apresentadores fossem parceiros não apenas em sua dança, mas em seus valores, criando um piloto de descolonização que pede aos locais que dêem passos além do reconhecimento da terra, como pagar um imposto de uso da terra para as comunidades indígenas locais. A amazona se concretizou depois que Johnson escreveu sua “Carta que espero no futuro, não precisa ser escrita”, detalhando sua experiência com Jedidiah Wheeler, diretora executiva da Peak Performances na Montclair State University, em Nova Jersey. A carta descreve a raiva de Wheeler em relação a Johnson quando ela pediu que ele trabalhasse pela descolonização e chama a Peak Performances de “um lugar inseguro e antiético para trabalhar”. Foi amplamente divulgado, com dezenas de apresentadores assinando uma declaração de solidariedade a Johnson.
“Não acredito que ela se desvie”, diz IV Castellanos, que trabalha como “InterKinector” em Ser Futuro Ser, forjando relações entre os artistas e as comunidades onde o trabalho acontece, com a intenção de oferecer apoio, ampliação e conscientização para os esforços locais de defesa da terra e muito mais. Castellanos descreve a abordagem de Johnson para fazer, criar e reunir como uma fusão de cuidado e convicção, dando o exemplo de Johnson solicitando que as organizações que a convidam pensem em como cada dólar é gasto e, portanto, não lhe peçam para ficar em um hotel que “financia o oleoduto destruindo a terra indígena em que estamos”, diz Castellanos. “Muitas pessoas ignorariam isso.”
Alguns anos atrás, Johnson decidiu que vislumbrar um futuro melhor através de sua dança e trabalhar para isso em seu ativismo não era mais suficiente. “Começou a parecer que precisávamos de um futuro melhor agora”, diz ela. Ser Futuro Ser, que estreia no BroadStage este mês e excursiona para New York Live Arts em outubro, tenta conjurar esse futuro em tempo real através do que ela chama de “Arquitetura Especulativa do Overflow”, que tem o objetivo de construir resposta direta, apoio e ação com os esforços locais de rematrícula e proteção da terra. Na obra, as colchas de Então uma voz astuta e uma noite que passamos olhando as estrelas se tornam impressionantes “Quilt Beings”, desenhados por Korina Emmerich, que transformam dançarinos em esculturas em movimento. Tecidos nessas colchas: milhares de mensagens dos voluntários que as fizeram, cada uma contendo sua própria visão para o futuro. Enquanto os dançarinos andam e giram lentamente, as colchas arrastando atrás deles, eles podem ser a realeza de outro universo. Eles estão literalmente incorporando o futuro; dançando para ser.
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