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Na nova versão cinematográfica da ópera centrada na dança Svadba, o diretor Shura Baryshnikov, a roteirista Hannah Shepard e a maestrina Daniela Candillari contam uma poderosa história de casamento usando a música e o texto a cappella da compositora sérvia Ana Sokolović. Ao longo do filme, o filme usa a dança para encenar vários rituais pré-nupciais para a noiva e seus assistentes.
Baryshnikov (filha de Mikhail) traz sua experiência como dançarina, atriz, improvisadora, coreógrafa e chefe de movimento e teatro físico para o programa MFA da Brown University/Trinity Rep, tornando-a uma escolha natural para dirigir um filme de ópera em que o movimento é tão dinâmico quanto as vozes. Filmado em Cape Cod, em Massachusetts, o trabalho está disponível até o final do ano nos serviços de streaming operabox.tv da Boston Lyric Opera e Opera Philadelphia Channel (operaphila.tv). Ela conversou recentemente com Revista de dança sobre como o filme se formou.
Como surgiu essa colaboração?
Já trabalhei com o Boston Lyric Opera várias vezes antes. Brad Vernatter, o diretor geral e artístico interino, entrou em contato comigo e disse que eles haviam selecionado esta peça de música—Ana Sokolović Svadba– para sua temporada. Quando ele ouviu, ele imediatamente pensou que isso daria um filme de dança incrível e me perguntou se eu queria dirigir.
Versões do estágio anterior de Svadba ter os seis personagens cantando e incorporando os papéis. O que entrou na decisão de separar os atores/dançarinos dos cantores para o filme?
Com a roteirista Hannah Shepard, que também é minha irmã, chegamos ao conceito de que os cantores fossem essencialmente esse tipo de coro ancestral que está ajudando a inaugurar o ritual do dia. Ficou claro para fazer uma relação um-para-um entre os dois elencos. A única coisa que fizemos que realmente foge do libreto é que criamos esse papel para um membro mais velho da família, Lena, como a figura materna ou tia. O libreto fala sobre a noiva e as atendentes, mas queríamos muito esse componente intergeracional porque isso é uma parte tão grande de tantos eventos da vida, a presença de familiares da geração anterior, a maneira como eles conhecem os rituais e, com sua força e sabedoria, guiam a geração mais jovem em tempos de mudança.
Além de ser intergeracional, seu elenco é racialmente diverso, e o casamento retrata um casamento gay.
Eu não participei da escolha dos cantores – e não tinha nenhum apego em contar uma história heteronormativa branca. Considerando que Chabrelle D. Williams, que cantava o papel de Milica (a noiva), e Brianna J. Robinson, que cantava o papel de Lena (a tia), eram as duas cantoras negras, era absolutamente necessário lançar Black mulheres naqueles papéis correspondentes no conjunto de dança contemporânea. E parecia uma diretriz clara dizendo que esta deveria ser uma história sobre mulheres afro-americanas.
Jackie Davis foi escalada como Lena: Ela é uma pessoa incrível, ela pode lidar com qualquer ação dramática ou teatral. E então Victoria Awkward tem uma calma e uma espécie de centro que eu realmente desejava para o papel de Milica.
Fale sobre o cenário e a linguagem do movimento. Que lugares e/ou tradições influenciaram a dança no filme?
Decidimos abraçar o lugar em que estávamos. Quer dizer, não estávamos em uma floresta na Sérvia (o cenário do libreto), estávamos em Boston e iríamos filmar localmente. Estou profundamente interessado no lugar e ser verdadeiro sobre o lugar e o meio ambiente. Então, considerando o oceano e considerando o tipo de natureza cíclica da mudança na vida de uma pessoa, metáforas de água e ondas e marés… foi assim que acabamos no Cabo.
Quanto ao vocabulário do movimento, sou um coreógrafo colaborativo. É uma grande peça – 50 minutos de material. Certamente nem tudo isso é dança, mas havia lugares que eu sabia que precisaríamos trabalhar com partituras improvisadas, onde havia marcos musicais e dicas também. Mas, em última análise, muito desse material veio dos dançarinos. Jackie é de herança jamaicana e influenciada por danças afro-caribenhas e outras danças da diáspora africana. Eu realmente queria trabalhar com aqueles vocabulários de movimento que estavam surgindo no elenco. Eu facilitei muita exploração improvisada para responder “Como essa mulher se moveria e qual seria sua história?”
De muitas maneiras, parecia que o movimento era um presente para a noiva.
sim. O quarteto que acontece na sala de estar, que é uma espécie de chamada e resposta, sentiu como se estivesse fazendo quase uma peça teatral para a noiva. Eles incorporam essas canções folclóricas tradicionais e estão interpretando esse antagonista, como energia masculina e feminina, estereótipos quase irônicos para ela no momento. E depois há os jogos na praia, e toda essa seção é quase como rimas ou uma estrutura de rodízio – alguém vai para o meio e dança e volta e escolhe outra pessoa para entrar.
Eu estava procurando maneiras pelas quais a dança pudesse emergir em lugares que parecessem realmente orgânicos. Nunca tive a sensação de que dançaríamos ao longo de toda essa peça, mas que a dança viveria nos lugares que precisavam dessa qualidade expressiva para contar histórias.
Os close-ups dos rostos dos cantores são intercalados com a narrativa e a dança. O papel dos cantores na história parecia mudar de forma. Quanto disso foi escrito no roteiro e quanto disso aconteceu no processo de edição?
A produção vocal nesta peça é tão profunda, certo? A percussão da boca, a complexidade das vocalizações… Por ser uma peça a cappella, nós realmente queríamos que o público visse esses rostos, os visse fazendo esses sons. Parecia importante honrar a contribuição deles mais do que apenas na paisagem sonora. Então, uma vez que fizemos essa escolha, certamente tínhamos ideias de onde a presença dos cantores como ancestrais parecia mais poderosa, como quando a noiva vai ao mar sozinha – momentos que precisavam desse apoio ancestral na narrativa para entender que ela tem uma espécie de mundo espiritual ao redor, bem como os membros de carne e osso de sua comunidade. Acho que precisávamos do apoio dos ancestrais nos momentos de visão ou mudança de tom. Então eles estão apoiando o mundo dos sonhos dela quando ela está dormindo na praia, eles estão brincando e eles têm a mão em todo esse desenrolar de eventos e na forma como ela está vivenciando sua realidade.
Como este filme se encaixa na sua obra?
Este é o meu primeiro projeto de filme profissional dessa escala. Você sabe, eu fiz pequenos filmes de dança durante a pandemia como muitas pessoas, brincando e aprendendo a fazer algumas das minhas próprias edições. Mas, honestamente, tenho uma relação complicada com o cinema no sentido de que, uma vez que o material esteja definido, é tudo com o que você precisa trabalhar. Eu amo o amadurecimento da performance ao vivo ao longo de um processo de ensaio e uma série de performances, e sou um improvisador, então lutei um pouco com o desejo de que houvesse mais oportunidades para evoluir. Mas adorei o processo de edição com Gil Seltzer – gostei muito de ajustar rascunho após rascunho.
Estou aberto a fazer mais projetos de filmes, embora certamente ainda me considere principalmente um praticante de performance ao vivo. Meus relacionamentos colaborativos são a coisa mais importante para mim. Reunir esse lindo elenco em um ambiente onde eles se sentiam confiantes e profundamente empoderados para fazer escolhas pessoais em seus vocabulários de movimento me deixou incrivelmente grato.
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