Com orquestras e companhias de ópera em todo o mundo protestando contra a brutal invasão russa da Ucrânia, era hora da Orquestra Sinfônica de Atlanta adicionar sua própria voz. Uma inserção no programa de quinta-feira imprimiu as cores azul e amarela da bandeira ucraniana, com as palavras do hino nacional do país há muito sitiado, “A glória da Ucrânia não pereceu”.
Com sua voz ronronante e calorosa de contralto, a maestrina Nathalie Stutzmann falou ao público sobre essa “guerra de agressão sem sentido”. Ela mencionou estar profundamente comovida com o vídeo de mídia social de um músico na Ucrânia que, afastando os destroços da bomba de seu piano, tocou o instrumento uma última vez antes de evacuar.
“Somos apenas músicos”, disse Stutzmann. “Não temos armas. Mas devemos fazer o que podemos e oferecemos o que podemos dar: nossa música.” O diretor musical designado da ASO dedicou a apresentação do Requiem de Mozart às vítimas na Ucrânia, com “esperança de que a bondade e a humanidade se elevem acima de tudo”.
A platéia se levantou solenemente. O Coro ASO, com quase 200 vozes, cantou o hino em ucraniano. Escrito na década de 1860, proibido durante a maior parte do século 20, só retornou após a dissolução da União Soviética. Com música de Mykhailo Verbytsky, o hino evoca a música folclórica eslava de coração partido (um vocabulário que também foi adotado por Mussorgsky). Esta é uma música de sofrimento e determinação.
Não surpreendentemente, o Requiem de Mozart que se seguiu manteve todo o seu poder e tristeza habituais, e muito mais. A leitura de Stutzmann foi extraordinariamente rápida e intensa, mais rápida do que eu já ouvi em performance e provavelmente muito mais rápida do que esta orquestra e coro jamais experimentaram – onde a gravidade é tipicamente expressa através do peso acumulado e onde tempos mais lentos sugerem uma exploração mais profunda.
Mas aqui aconteceu algo curioso: em vez de diminuir as profundidades esperadas, Stutzmann operou por um conjunto diferente de padrões de desempenho. Alguns maestros, na tentativa de desromantizar uma obra, adotam uma abordagem “historicamente informada”, fazendo com que a orquestra e o coro tornem a música mais enxuta, mais rápida, mais brilhante e mais nítida na articulação.
Stutzmann, como um contralto da música antiga, vem desse mundo. Mas aqui ela optou pela grandeza do ASO Chorus completo (não o menor, da era clássica, Chamber Chorus) e, embora tenha reduzido o tamanho da orquestra, ainda era robusto o suficiente para contrabalançar e fazer parceria com a enorme massa de cantores no fundo do palco. Por tudo isso, sua grande concepção – talvez devêssemos chamá-la de abordagem pessoal de Stutzmann – reforçou o significado da obra.
Após um movimento de abertura bastante tradicional, Réquiem aeternamo segundo movimento, Kyrie eleison, disparado em alta velocidade, onde cada linha de fuga sobreposta mal teve tempo de ser registrada. Senhor tenha piedade, as ondas estavam quebrando, quase todas de uma vez.
O Dies Irae, um aríete de música para o Dia do Julgamento, também foi super-rápido, o que manteve os artistas na ponta de seus assentos. Mas a clareza e o foco do refrão, preparado com padrões tão exigentes por Norman Mackenzie, continua sendo uma maravilha de se ouvir.
O quarteto de solistas vocais de ópera estava posicionado no meio do palco, na frente do coro e atrás da orquestra. Esta configuração parece e parece apropriada, onde os cantores individuais não são as estrelas do show na frente, mas sim incorporados na tapeçaria do Requiem. Infelizmente, essa configuração soa terrível, como se os cantores estivessem em uma sala diferente. Qualquer nuance em sua voz evapora na acústica confusa do Symphony Hall e sob o barulho alto do ar condicionado.
Ainda assim, os quatro cantores tinham vozes fortes. O baixo Burak Bilgili, que cantou uma encantadora Dom Pasquale na Ópera de Atlanta, aqui ofereceu o Requiem’s Tuba mirum com timbres poderosos. O tenor Kenneth Tarver era brilhante e picante no tom. As mulheres se saíram um pouco melhor. A soprano Martina Jankova e a mezzo Sara Mingardo, duas vozes lindíssimas, cantaram suas partes como se fossem personagens de A Flauta Mágicacheio de personalidade e atenção aos textos.
As seções de abertura deste Réquiem demoraram a se fundir – compreensível com um maestro desconhecido do pódio e com uma interpretação muitas vezes extrema. O coro veio junto com o Rex tremendae movimento, onde as palavras “Rex” e depois “salva me” eram tão leves, em um travesseiro de ar. Lindo de tirar o fôlego.
Eles eram igualmente soberbos para as imagens do céu e do inferno do Confutatis maledictisapoiado por um maravilhoso trio de trombones, liderados por Nathan Zgonc, os três representando um efeito ameaçador.
Este foi o primeiro concerto de regulamentação pós-Covid da ASO. Com os protocolos de pandemia suspensos no Symphony Hall, todos puderam se apresentar sem máscaras. Para o refrão, isso significava vocalizações desinibidas e clareza de projeção. Para a orquestra, a ausência de máscaras significava não haver mais roupas de colarinho aberto e todo preto, para maior conforto. Eles voltaram ao desgaste formal tradicional de gravata e cauda branca.
A noite começou com uma cena emocionante. Quando Stutzmann chegou ao palco, a multidão a aplaudiu de pé. Talvez porque ela é relativamente nova neste negócio de regência, ou porque realmente é sua personalidade, mas ela parecia surpresa e tocada pelo apoio. Ao contrário de muitos maestros que podem ser excelentes maestros, mas nunca parecem se relacionar com seu público, Stutzmann colocou a mão no coração e você acreditou que ela era sincera.
Richard Strauss’ Morte e Transfiguração era a única outra música no programa formal, um poema celestial de grande orquestra sobre o medo da morte e fazer as pazes com a própria vida, depois escorregar para a libertação espiritual e a morte feliz. As melodias em cascata, a hiper-agitação e os gloriosos solos de sopro de madeira há muito tempo são os pontos fortes do ASO sob Robert Spano e Donald Runnicles. Stutzmann, como em tudo, traz sua própria visão para essa música familiar e faz com que todos a ouçam de novo.
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Pierre Ruhe foi o diretor executivo fundador e editor do ArtsATL. Foi crítico e repórter cultural do Washington Postde Londres Financial Times e a Atlanta Journal-Constituição, e foi diretor de planejamento artístico da Orquestra Sinfônica do Alabama. É diretor de publicações da Música Antiga da América.