Crítica: Diferenças políticas e pessoais aparecem em “The Light” da Horizon

A luza nova peça desafiadora no palco do Horizon Theatre até 17 de abril, brilha mais intensamente por causa de seus dois atores, que compartilham uma química espetacular enquanto acompanhamos seus personagens da maior alegria aos lugares mais sombrios.

Estes são dois dos melhores desempenhos do ano.

Cynthia D. Barker e Enoch King interpretam Genesis e Rashad, um casal negro em Chicago comemorando seu aniversário de dois anos em seu condomínio em Oak Park, Illinois. Ela é uma diretora de escola magnética. Ele é um bombeiro pai solteiro que a conheceu enquanto levava a filha para a escola. Escrita por Loy A. Webb e originalmente destinada a uma encenação de Horizon em março de 2020, a peça começa com Rashad sozinho, preparando uma celebração, escondendo um anel de noivado no armário da cozinha do Genesis. Ela chega em casa, falando sobre como uma discussão política baseada no trabalho entre outros professores deu errado.

A peça se passa em 2018, durante o período das audiências de confirmação da Suprema Corte de Brett Kavanaugh, e o casal discute as alegações de agressão sexual apresentadas contra Kavanaugh por Christine Blasey Ford de forma abstrata. Ambos são contra Kavanaugh, mas suas objeções à sua indicação são matizadas com nuances. Rashad se opõe à agenda do presidente Trump a todo custo. A Genesis está mais diretamente com a Ford por causa do que significa para uma vítima de agressão sexual se apresentar.

Este momento inicial de suas trocas é fundamental para entender onde essa peça surpreendente, que começa com uma vibe muito vivida e extremamente romântica, pretende levar o público até o final. A peça é estruturada como uma cebola, onde a consideramos inicialmente em nossa mão pelo que parece ser antes de mergulharmos em suas muitas, muitas camadas.

Os momentos que levam ao coração da peça incluem uma discussão sobre os passados ​​individuais e compartilhados dos personagens, muitas provocações e flertes e uma proposta de casamento incrível e muito emocionante. Quando Rashad surpreende o Genesis com ingressos para o show para ver seu cantor favorito, que está no projeto com um headliner controverso que ela acha problemático, a noite romântica se torna controversa quando se transforma em uma discussão sobre alegações de má conduta sexual e misoginia do headliner do show.

A alegria logo se esvai para os personagens, levando a discussões profundas e necessárias sobre a experiência negra, política de gênero e traumas.

Durante toda essa discussão, King e Barker são sparrings geniais, fundamentando seus personagens com uma intimidade e afeição permanente. O personagem de King pode ser jovial e pateta, mesmo quando ele está sozinho na cena lutando para pegar coisas das prateleiras. Cada gesto carrega um significado, impregnado de insegurança e emoção que ele não ousa mostrar à namorada. As mágoas e dores mais profundas de Rashad, à medida que surgem na discussão, sempre parecem autênticas.

Barker é uma maravilha aqui, e a segunda metade da narrativa – onde as coisas se tornam intensas e pessoais – praticamente pertence a ela. Depois de um momento de troca de roupa impulsionado pelo enredo, você não conseguirá tirar os olhos dela. Há monólogos que ela recebe, onde o personagem de King ouve e reage enquanto está ferido e com o coração partido, que são incrivelmente bem feitos. Gênesis é quem menciona “a luz” do título, e ela o faz em dois pontos bem diferentes. Em um, ela está falando sobre um momento de intimidade. Em outro, ela fala com desespero sobre a esperança perdida.

A estrutura organizada do próprio roteiro de Webb se inclina para as questões que cercam a conversa sobre o trauma sexual entre os dois, que não necessariamente flui de forma tão realista quanto na vida real. As pessoas que estavam namorando há dois anos teriam, esperançosamente, discutido esses pontos ao longo de seu relacionamento. Mas a direção de Marguerite Hannah e Lydia Fort transforma a conversa em uma panela de pressão aqui, acumulando vapor por 75 minutos sem pausas ou intervalos.

Há uma razão para esta estrutura. O roteiro de Webb se move em camadas, desde falar sobre política de gênero e trauma sexual à distância até de perto, dando ao debate a chance de fluir como uma partida de tênis entre homens e mulheres. Dá ao público a chance de mudar de idéia sobre como eles veem uma situação. As revelações e reviravoltas do programa tornam a conversa bastante provocativa.

Questões levantadas por A luz passar de hipotético a in-your-face. Ambos os personagens levantam pontos muito sólidos sobre privilégio, raça e sexismo.

Loy disse que a peça é baseada nas alegações de agressão sexual da vida real contra o ator e diretor Nate Parker que ressurgiram na imprensa durante o lançamento de seu filme de 2016. O Nascimento de uma Nação. Parker foi acusado de agressão enquanto estava na faculdade por uma mulher que mais tarde cometeu suicídio.

Mas a peça em si também pode ser uma discussão sobre Kavanaugh, R. Kelly, Harvey Weinstein, Kevin Spacey, Bill Cosby ou qualquer outra figura acusada do movimento #MeToo. É um roteiro fascinante.

Os elementos de produção técnica da Horizon Theatre Company são impressionantes. A cenografia de Isabel e Moriah Curley-Clay é simplesmente linda. Os Curley-Clays criaram um espaço em que você quer morar, decorado com toques dos designers de adereços Nick Battaglia e Ashley Bingham que mostram que esses dois personagens têm gostos muito específicos. A forma como os atores se movimentam pelo espaço sugere uma familiaridade e facilidade que possuem no ambiente e entre si.

Os figurinos do Dr. L. Nyrobi Moss também são um destaque, pois esses personagens se vestem e se vestem para refletir suas mudanças de humor.

A luz é um jogo desencadeador cheio de sentimento profundo. Sua alegria é tão palpável que, quando se perde, o público chora por isso. A dor do show e as questões que ele levanta permanecem, graças a duas performances incríveis.

::