“Não-binário” é um vasto recipiente de um termo. Definida pelo que não é, ela comporta qualquer pessoa cuja identidade de gênero não seja validada pelo binário masculino ou feminino, seja alinhado por nascimento (cisgênero) ou por transição (transgênero). Entre esses dois polos há uma ampla variedade de rótulos para indivíduos cujo senso de gênero é inerentemente oposto à rotulagem. Como diz o dançarino Maxfield Haynes: “As pessoas pensam que ser não-binário é como esse terceiro gênero, mas é tudo menos isso. Minha identidade não-binária é uma rejeição total do conceito de gênero como um todo.”
Isso se torna complicado em um contexto de dança profissional, onde tudo, desde figurinos até o elenco, é frequentemente organizado em termos masculino/feminino. Quando eu estava na faculdade de dança na década de 2010, as audições eram muito claras sobre quantos homens e mulheres eram desejados. Hoje, há uma mudança marcante na linguagem de anúncio de audição: agora você vê chamadas tradicionais para dançarinos ou dançarinas (algumas das quais abrem espaço consciente para dançarinos transgêneros com “-identificação” em seu idioma), chamadas abertas que não especificam estipulações de identidade (mas pode tê-los de qualquer maneira) e chamadas mais direcionadas especificamente procurando elevar os artistas não binários (que podem ou não ser, em última análise, tokenizantes por natureza).
Eu mesma só cheguei a uma identidade de gênero não conforme no verão passado, e não mudou muito. Faço meu próprio trabalho e me apresento regularmente com alguns grupos, geralmente colaborativos no processo, que me permitem existir no palco de uma maneira que me pareça verdadeira. Quando tenho que representar uma ideia de menino, coloco essa fantasia, embora minha experiência em concursos públicos masculinos tenha me dito que, pelos padrões do showbiz, não é a mais convincente.
Mas assim como todas as permutações de identidade e expressão de gênero que existem entre dois polos diamétricos, há tantas experiências de dançar com eles.
Para alguns, a validação vem da rejeição de estruturas formativas. Aeon Andreas, artista residente da House of Yes no Brooklyn, Nova York, criou sua persona drag, God Complex, depois de um longo caminho de treinamento formal em balé e moderno que mudou para dança pós-moderna e atuação na faculdade. “Ninguém me lançaria”, dizem eles. “Na verdade, recebi muito feedback negativo de professores e colegas.” Andreas começou a coreografar, projetar e dirigir para forjar seu próprio caminho, encontrando orientação, colaboração e amizade através de Dan Safer, com cuja empresa, Witness Relocation, eles ainda se apresentam.
Como artista de dança, Andreas se inspira no rock ‘n’ rolls. “As fisicalidades das estrelas do rock são tão estranhas, muitas vezes muito andróginas, exigentes e generosas”, dizem eles. “Eu tento encapsular isso com God Complex – um aproveitamento de poder.” Refletindo sobre finalmente estrear sua persona, eles lembram: “Foi extremamente afirmativo. As pessoas estavam me dizendo ‘sim’ depois de anos ouvindo ‘não’ constantemente. Minha compreensão de mim mesma, meu gênero, minha personalidade – tudo se abriu com drag.”
Crescendo no sapateado e no balé, Holly Sass foi treinada para ser delicada e leve. No mundo da dança de concerto freelance, muitas vezes eles se sentiam confinados na visão dos outros. A masculinidade só estava disponível como uma fantasia. Um divisor de águas foi encontrar parcerias contemporâneas, primeiro em um programa de verão e, posteriormente, mais aprofundada na faculdade: “Não importa o tamanho, a força ou o sexo de uma pessoa. Se você soubesse compartilhar peso e se comunicar, verbal e somaticamente, qualquer um poderia desempenhar qualquer papel de parceria. Isso me surpreendeu”, dizem.
Divulgação: Eu frequentemente colaboro e toco com Sass sob o apelido de BREAKTIME. Nossa dupla é um playground para subverter o treinamento formal. “Quaisquer ideias anteriormente rejeitadas em nossos outros processos criativos têm um lar conosco”, dizem eles. Fora da performance e do trabalho no cinema, Sass, que também é um bodyworker, fundou corpos para corpos, uma comunidade de cura somática em escala móvel de e para indivíduos queer e trans.
Maxfield Haynes cresceu determinado a perseguir seus interesses dentro das restrições do balé clássico, mas “Eu não gostava de grandes saltos e curvas; Eu queria dançar na ponta.” Haynes se lembra de um professor da San Francisco Ballet School explicando uma parte de uma variação para Albrecht de Giselle: “Ele afirmou: ‘Você tem que se portar com pura realeza masculina.’ Naquele momento, algo estalou em mim”, dizem eles. “Nenhuma parte de mim se viu nesse papel, ou retratando essa caracterização.”
Enquanto Haynes frequentava a Tisch School of the Arts da NYU, a ex-solista do American Ballet Theatre Jolinda Menendez os convidou para fazer sua aula de ponta depois de vê-los trabalhar de forma diligente e independente no desenvolvimento de sua técnica. Essa auto-orientação e dedicação contínua levaram Haynes a dançar uma variedade de papéis que eles não estão assumindo, mas co-criando ativamente, desde ter sido membro do Complexions Contemporary Ballet até trabalhar atualmente com trupes mais explicitamente queer, como Les Ballets Trockadero de Monte Carlo e Ballez de Katy Pyle. Não importa o projeto, o objetivo de Haynes permanece consistente: “Estou tentando fazer balé ativamente queer sempre que posso”, diz Haynes. “Todo o léxico dos passos de balé não tem gênero definido. Eles são apenas um meio para um fim.”
“Minha identidade não binária é uma rejeição total do conceito de gênero como um todo.”
Maxfield Haynes
Caleb Teicher opera sob uma mentalidade semelhante dentro de outra forma tradicionalmente de gênero. “Lindy Hop é literalmente uma dança binária – há o papel principal e o papel de acompanhamento”, explicam eles. “Historicamente, os protagonistas são homens e os seguidores são mulheres, mas o binário líder/seguidor faz pouco para ilustrar a diversidade de equilíbrio de poder e desempenho de papéis em Lindy Hop.” Teicher observou que a maioria das aulas de Lindy Hop hoje permite que qualquer pessoa lidere ou siga independentemente do gênero, e muitas ensinam ambos os papéis para cada participante. Eles creditam a um grupo de dança swing de troca de papéis, The Double Troubles, por trazê-los mais completamente para seu papel de dança preferido – como a seguir.
Ao crescer, Teicher lembra não se sentir à vontade com as opções “menino” ou “menina” para trajes de recital nas aulas de jazz, encontrando maior liberdade expressiva no foco auditivo do sapateado. Hoje, concentrando-se no vernáculo do sapateado, do jazz e do Lindy Hop, eles se infiltram construtivamente nessas tradições, promovendo-as em vez de desmantelá-las. Um exemplo é Meet Ella, um dueto que Teicher fez com Nathan Bugh. “Está no continuum dos duetos de jazz dance, mas não se encaixa muito claramente nos idiomas existentes”, dizem eles. “Não é um ato de ‘irmão’, ou um ato de classe, e não somos Fred e Ginger. Nathan e eu estamos lá, dançando juntos, conversando com a música, nossos corpos e um com o outro.”
Para Hans, crescer com a dança como cultura, em vez de treinamento, os levou a escolher o movimento afirmativo. Hans foi criado em meio a comunidades caribenhas em Miami, onde salsa, merengue e bachata eram pratos padrão em eventos familiares e a dança era parte integrante de festas e clubes. Não foi até a pós-graduação que eles começaram a treinar dança formal, curando uma mistura contemporânea de flamenco e estilos de rua. O Flamenco satisfez uma busca por uma maneira de nutrir sua dualidade vivida de suavidade e força.
“Uso minhas múltiplas modalidades para formular um diálogo circular entre todas as minhas formas de criar”, diz Hans, que também tem uma prática de artes visuais que engloba gravura, mídia digital e tatuagem. Eles mantêm um paralelo direto entre sua estranheza e seu trabalho, desde como se identificam como artistas até os locais em que se sentem em casa se apresentando. “Faz sentido que os espaços alternativos sejam geradores de gente queer”, dizem eles, citando o Starr Bar do Brooklyn como exemplo. “Esses espaços clandestinos têm sido nossos refúgios há tanto tempo e tendem a ser sempre os lugares onde podemos explorar livremente.”
Como não há uma maneira de ser não-binário, não pode haver expectativa de que tipo de trabalho pode vir de um artista que se identifica como tal. O que é comum a essas experiências, no entanto, é que esses performers e criadores multifacetados são tão cautelosos com os limites arbitrários na forma como se envolvem com suas práticas quanto em suas navegações pessoais de gênero.