Em terras ocupadas pelos Tewa no centro de Albuquerque, Novo México, a equipe do Foundations of Freedom – vestida com roupas de rua e tênis – toma a palavra no Breakin’ Hearts, um evento anual de hip-hop. Emcee Randy L Barton anima a sala com uma mistura EDM de vocais indígenas e bateria. Cercados por uma multidão de cerca de 250 pessoas, os dançarinos indígenas na cifra ativam uma energia tribal; braços ondulados, torsos rolando, escultura de joelhos, tecelagem de footwork, modelagem e remodelação. Sua performance é uma mistura perfeita de hip hop e cultura indígena.
A dança nativa americana é frequentemente considerada um estilo puramente “tradicional” e, embora a tradição seja refletida e preservada nas danças, a forma é muito mais do que isso. Por gerações, a dança tem sido um modo central de expressão emocional, levando a uma gama diversificada de danças enraizadas na herança e nas culturas de muitas tribos indígenas da América do Norte. Existem danças religiosas e cerimoniais não abertas ao público, danças tradicionais e danças sociais, como muitas danças powwow. A resposta dos bailarinos aos seus ambientes é inevitável, assim como o interesse dos jovens bailarinos em misturar ideias contemporâneas que reflitam suas experiências atuais. Nas últimas décadas, isso deu origem ao crescimento de um novo estilo fundido: o hip hop nativo americano.
Esta inovação produziu um estilo de passos e movimentos que não são visivelmente diferentes do hip hop. Há, no entanto, um sabor distinto que é criado pela música hip-hop fundida com a canção indígena e por movimentos que expandem o distinto urbanismo do repertório do hip hop com uma expressiva referência incorporada ou reverência à natureza. É uma narrativa contemporânea da experiência indígena nos EUA que une rural e urbano, oprimido e empoderado, individual e coletivo.
A dança e o hip hop nativos americanos começaram a se entrelaçar em uma forma urbana e contemporânea única no final dos anos 1990. No entanto, a dançarina Anne Pesata, que é Jicarilla Apache, observa que já havia dançarinos indígenas de hip-hop reconhecidos internacionalmente, como o b-boy Ariston Ripoyla (também conhecido como “Remind”), que estavam construindo suas carreiras ainda mais cedo. Em entrevista à plataforma multicultural Rep Ur Tribe, Remind se descreve como sendo ativado pelo hip hop para reconhecer suas raízes nativas e lembrar sua cultura: “O rompimento não está tão longe do que as tribos já faziam”, diz ele.
“Ambas as comunidades compartilham uma experiência socioeconômica semelhante, então ambas as comunidades se relacionam.”
Anne Pesata
Pesata descreve a fusão em termos semelhantes. “Nem no powwow nem no freestyle são ensinados os passos”, diz ela. No contexto da competição, ambos os estilos incentivam os dançarinos a mostrar seus melhores movimentos e frases de assinatura para ilustrar o que eles podem fazer, em vez de confiar nas lentes através das quais as formas eurocêntricas entendem os passos da dança. Pesata considera o movimento como existindo em um estado fluido e não no estado sólido de permanência que a conceituação de “passos” cria.
Ao longo dos anos 2000 e 2010, Nakotah LaRance, um dançarino campeão de aro que excursionou com o Cirque du Soleil, ficou conhecido por incorporar elementos modernos, como hip hop e moonwalking, em suas danças de aro. Muitas vezes dançando em roupas casuais modernas ao som de música EDM/indígena, LaRance alternava perfeitamente entre performances de dança tradicional e contemporânea.
Mais recentemente, o hip hop nativo americano foi trazido à tona pela equipe Indigenous Enterprise quando apareceu na 4ª temporada de “World of Dance” em 2020. Embora o fundador Kenneth Shirley esclareça que não é um estilo típico para a trupe, “For ‘ World of Dance’, incluímos uma seção para atrair o público e os jurados com músicas e danças com as quais eles se identificassem.” (Embora ele achasse que a abordagem era eficaz, a equipe foi eliminada na rodada de qualificação.)
No entanto, fundir outros estilos no movimento não é algo fora do comum para dançarinos indígenas: Shirley observa que o hip hop não está ausente de sua dança tradicional. “Eu integrei passos de hip-hop ou balé que me inspiraram na minha dança extravagante”, diz ele, sobre a popular dança powwow. “Acrescentar movimentos contemporâneos faz parte da evolução natural da tradição.”
Aqueles que não estão familiarizados com essa prática, no entanto, muitas vezes veem a fusão como uma forma de inautenticidade, o que se tornou um desafio para a aceitação generalizada. “As narrativas tradicionais tendem a relegar os povos e práticas indígenas ao passado e vê-los como ‘inautênticos’ quando incorporam aspectos da modernidade”, diz a professora assistente de estudos de dança da UCLA, Dra. Tria Blu Wakpa. Em contraste, Blu Wakpa diz que a fusão pode ser entendida de forma mais realista como “uma extensão das práticas indígenas”.
Do ponto de vista da comunidade hip-hop, a dança indígena se encaixa perfeitamente. “Há muito tempo, os arquitetos do hip hop imaginaram uma comunidade criativa onde a herança, cultura e identidade de qualquer pessoa poderia ser enxertada em um conjunto central de formas de arte e princípios: deejaying, emceeing, Breaking, graffiti e conhecimento”, diz Ben Ortiz, curador assistente da Cornell Hip Hop Collection, que coleta e arquiva artefatos históricos da cultura hip-hop na Cornell University. “Dança tradicional powwow colada com popping ou break não é apenas drogaparece completamente natural e em casa na comunidade hip-hop.”
Pesata descreve que o cruzamento é possível porque “ambas as comunidades compartilham uma experiência socioeconômica semelhante, então ambas as comunidades se relacionam”. As diversas pessoas de cor que compõem a comunidade hip-hop e as comunidades indígenas têm lidado com a apropriação e sendo tokenizadas, oprimidas e marginalizadas. E ambos têm paralelos notáveis em práticas culturais: a bateria é paralela ao DJ, o canto do mestre de cerimônias e os petróglifos à arte do graffiti. Pesata ressalta que o conceito de “batalha” é central em ambos os estilos. Historicamente, há danças de guerra na tradição indígena e hoje há danças powwow de competição de alto risco. Tanto no hip hop quanto na dança nativa, a competição inerente às batalhas impulsionou a inovação, impulsionando a evolução das formas.
Blu Wakpa vê o hip hop nativo americano como parte do futurismo indígena: conexão.” Ao evoluir a tradição para refletir o mundo em que esses artistas vivem hoje, eles estão se tornando mais visíveis como parte da sociedade contemporânea, mudando as narrativas alimentadas pelo sistema de reservas ao mesmo tempo que se reconectam com orgulho à sua própria história.